Robert Bosch Art Grant - 2010
Robert Bosch Art Grant - 2010 has been awarded to the following:
Project 1: Visual Maps
Artists: Ravi Kumar, Shivprasad and Subramani J
Project 2: Video Installation
Artist: Bharathesh Yadav
Project 3: Performance/ Installation
Artist: Mangala A M
Project 4: Installation
Artist: Raghu Wodeyar
Project 5: Photography
Artist: Srikanth Kolari Sridhar
Project 6: Theater
Abhishek Majumdar
Project 7- Theater
Swar Thounaojam
Project 8 – Visual Art - Support to young artists
1 Shanti Road
Project 9 - Robert Bosch Young Choreographers Award
Attakkalari Centre for Movement Arts
Project 10 – TFA-Robert Bosch Award for Creative Writing
Toto Funds the Arts (TFA)
PAULA REGO. La Gran Artista y el Museo La Casa de las Historias.
En 2007 el Museo Reina Sofía de Madrid presentaba una de las mayores retrospectivas que se han realizado de la obra de la artista lusa. Hubiera sido inexcusable no realizar esta exposición teniendo en cuenta que Rego era ya en ese momento una artista mundialmente reconocida.
Tenemos sin duda motivos para congratularnos. En esta ocasión acerco al blog, una mujer artista, que tiene un reconocimiento mundial y que está en activo. Algo totalmente diferente a lo que hemos observado hasta ahora. Y además su origen es el vecino Portugal. Doblemente justa esta exposición que permaneció durante tres meses en Madrid. Justa y además necesaria porque no sé en verdad que es lo que nos sucede con un país como Portugal para que en ocasiones vivamos de espaldas a él. Diría que a veces vivimos en la ignorancia, culturalmente hablando, de lo que sucede en esa tierra. Posiblemente sea la ignorancia del vecino. Algo a lo que deberíamos poner remedio prontamente, porque si algo tiene este país que se asoma al Atlántico, es precisamente una vida cultural activa y potente de la que da muestra constantemente su larga lista de pintores, arquitectos, escritores y músicos.
MUSEO "CASA DAS HISTORIAS"
Pues bien, además de adentrarnos un poco en la vida y obra de esta mujer, también vamos a poder admirar un hermoso edificio que sirve de contenedor a su obra. “La casa de las historias” http://www.casadashistoriaspaularego.com/index_pt.html#/home/ Un museo realizado por el arquitecto luso Eduardo Souto de Moura.
Dos impactantes pirámides de barro componen la casa-museo que contiene la obra de una las mayores artistas lusas vivas. Un lugar que está llamado a ser un punto de referencia cultural.
Lo que en un principio parecía poco factible por la muy diferente trayectoria de estos dos artistas se hizo realidad. Souto de Moura es un arquitecto conocido por su trabajo minimalista y Rego es una artista figurativa, ilustradora y amante de los cuentos populares que están bien presentes en su obra. Así que no parecía una iniciativa que pudiera llegar a buen fin.
Pero cuando el arte es grande, los resultados también lo son. Dos grandes artistas se han venido a unir en este proyecto y el fruto está a la vista.
FAMILIA
Paula Rego (Lisboa 1935), vivió hasta los 15 años en la ciudad que la vio nacer. En esa fecha se traslada a Londres a estudiar Arte y allí permanece y desarrolla su trabajo, hasta el punto que los ingleses la consideran “suya”.
La obra de Paula Rego no deja a nadie indiferente. Si se pudiera resumir en una palabra, algo difícil para tan extensa obra, yo diría que es, tanto en dibujo, grabado o pintura, una obra “inquietante”.
Pronto percibimos en ella la raíz de ilustradora. No podemos olvidar que su fuente de inspiración está en muchos cuentos clásicos como los de Andersen y en la literatura clásica (Brontë o Kafka).También tenemos que tener presente que ha ilustrado numerosos trabajos literarios.
EL CERDO PRINCIPE SE CASA CON
Su infancia formada en el catolicismo, su idea del pecado, su sentimiento de ser parte de una sociedad machista y retrógrada, marca fuertemente su obra.
Dibujanta, grabadora y pintora. Domina a la perfección todas las técnicas, abarcando lienzo, obra gráfica, grabado, litografía o agua fuerte.
Nos recuerda su factura a Lucian Freud, al que conoció en Londres, pero si algo se percibe al aproximarse a su obra es la fuerte influencia de pintores como Balthus, y de los clásicos, sobre todo de Goya. Y de Goya, su época negra.
EL ESPANTAPAJAROS Y EL CERDO
Todo esto no sería suficiente para considerar la obra de Rego “inquietante”, pero es cierto que sus cuadros presentan toda una serie de historias a modo de relatos, desde escenas de suspense o temas un tanto escabrosos como la serie “Abortion” que presenta diferentes mujeres abortando. Sus “narraciones” van desde lo costumbrista, pasando por historias de fuerte carácter onírico, hasta las simplemente fantásticas.
PROMESAS INCUMPLIDAS
Su obra, que surge de recuerdos y experiencias personales, es atrevida, osada y rompedora y va mucho más allá de querer mostrar una perfección de la técnica. Casi se diría que hay un firme propósito de alejar sus modelos de los cánones de belleza al uso, sobre todo en lo que a la mujer se refiere.
SIN TÍTULO
Es una obra de gran expresividad y que muestra una artista de gran conciencia social, como su lienzo “Dos mujeres lapidadas” en alusión al maltrato a la mujer, o la ya mencionada serie sobre el aborto que fue presentada en Portugal cuando éste estaba prohibido allí, pero las mujeres que tenían poder económico lo realizaban fuera del país.
MANZANA ENVENENADA
Durante toda su vida artística su obra ha sido catalogada dentro de los cánones de “figurativa”, algo que hizo que en la década de los 70 pasase un momento malo, profesionalmente hablando. Fueron tiempos difíciles puesto que nunca se alejó del dibujo y de su estilo propio.
DAUTHER
Podemos decir que, valiéndose de esa técnica impecable, desarrolla sus trabajos de una forma que atrapa e inquieta, que asombra y que incluso, en ocasiones, despierta un cierto rechazo, pero como mencionaba con anterioridad, a nadie deja indiferente.
DIBUJO AL PASTEL 1995
La obra de Paula Rego está presente en las colecciones del Museo Británico, el Metropolitan Museum of Art, el Museu Serralves,
PAULA REGO CON EL MUSEO AL FONDO
NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.
Fuentes consultadas:
Archivo propio.
Fotografía: La red.
Kees: From Anarchism to High Society
Some paintings by Kees van Dongen (1877-1968, Wikipedia entry here) have been selling at auction for prices north of three million dollars in recent years. Not shabby for an artist not particularly well known, a man whose role in the modernist explosion of 1900-10 is generally given secondary mention by art historians.
Van Dongen was born near Rotterdam, moved to Paris as a young man and spent most of the rest of his life either there or on the Riviera. During his early Paris years he mostly did illustrations for anarchist and other publications, but then returned to painting as part of the Fauve movement. It also was at this time that he had a small studio in the same Bateau-Lavoir building as Picasso.
Instead of focusing on still lifes and landscapes (think Cézanne), van Dongen mostly painted people. Some of his earliest Fauve subjects were his wife Guus and Picasso's girlfriend Fernande Olivier. Within a few years he reached the point where his work was colorful and notorious enough (a painting of his wife, nearly nude, containing until-then-seldom-pictured details was ousted from an exhibit by the police) that he began his transition to being a society painter. An early titled subject was the even more outrageous Marchesa Luisa Casati, with whom he probably had an affair.
As his earnings increased, van Dongen moved to progressively larger studios and began hosting large parties for artists and the bohemian-inclined sector of the moneyed set. This effort was aided by his fashion industry mistress Jasmy Jacob who later dumped him to marry a general.
The Great Depression and age eventually took their toll on van Dongen's productivity, though he continued to paint up to within a few years of his death at age 91.
His career was briefly stalled in the mid-1940s thanks to a sponsored 1941 cultural visit to Germany in the company of other artists including André Derain and Maurice de Vlaminck. After its 1940 defeat, much of France was under German occupation, the Germans were doing well militarily, and the likelihood of liberation was small. Given those circumstances, a decision to let life go on and accommodate oneself to reality is understandable; most French did pretty much something similar at the time.
Here are examples of van Dongen's work:
This photo of his studio shows van Dongen's typical working setup -- the subject on a platform and a not-much-smaller than life-size canvas in place.
Woman in Black Hat - ca. 1908
Portrait of his wife Guus, 1910
Women at the Balustrade - 1911
Mme Claudine - 1913
Le coquelicot - ca. 1919
This is perhaps the most famous and popular van Dongen painting.
Jasmy Jacob
Woman in green dress - 1920s
Venise no. II, le manteau de cygne - ca. late 1920s
La comtesse de Noailles - 1931
Van Dongen painted this portrait about two years before her death. The painting underlines the saying that van Dongen painted women thinner than they actually were with jewelry larger than in reality. Compare this to the photo below of Anna taken a few years earlier.
Noailles was a trim beauty when younger, and van Dongen's portrait evokes that period of her life.
Brigitte Bardot - 1964
Van Dongen always favored beautiful women. A few years before he died he grabbed his paints and brushes to create this tribute a fellow Riviera dweller.
Kees van Dongen was a somewhat cynical cuss, but with a sense of humor. And his paintings of women (unlike his "socially conscious" illustration work) were almost always colorful and not critical of the subject. Even though I'm no fan of a lot of modernist painting, I make an exception for van Dongen's. Yes, they're modernist, but they're fun to view -- not the usual trying-to-prove-a-point modernism we encounter all too often.
Can van Dongen be considered a great artist? I don't think so. He was an enjoyable artist, and I find nothing wrong with that.
A cinematic experience
(By Nalini S Malaviya)
Shaheen Merali was in town last week for the preview of the art exhibition Cinema Verite Redux which he has curated for Gallery Sumukha. The show features works by seven national and international artists, including the Bangalore based Ravi Kumar Kashi. Merali is a curator and writer, currently based in London and Berlin, where, from 2003-8, he was the Head of Exhibitions, Film and New Media at the Haus der Kulturen der Welt, curating several exhibitions. This year he has curated The 11th Hour, an exhibition of contemporary art from India/diaspora in Beijing and The Stalking of absence (vis-à-vis Iran) in Tokyo.
For Cinema Verite Redux, Merali modified the exhibition space to present an innovative display which is not often seen in the city; here he explains the concept behind the exhibition and talks about how the perception of Indian art has evolved over the years.
NM: This is the first time that you
have curated a show for a Bangalore gallery, how has the experience been?
SM: The experience of working with professionals in Gallery Sumukha has been precise, wonderful and an asset for working within an international setting. Bangalore itself has a wonderful sense of itself, and its ambition that seems to be gaining greater velocity within the visual arts in terms of the provision of high quality exhibition making.
NM: What were your selection criteria in choosing the artists/artworks?
SM: My selection always remains the same in making exhibitions- if a work moves my spirit and creates a sensual affinity to the work, its presence, its processes and its place in the history of art- I tend to hold onto it - as an image, as an experience and a place of communication- when the right moment arrives, a platform that can work for the (art)work, then I select it oft that moment.
NM: What is ‘Cinema Verite’ and how has it been presented through the artworks?
SM: Cinema Verite is a way of locating and recording the world, a use which has specific qualities that differ from other methods of recoding or documenting the subject. It chooses to be in proximity to the subject and a sense of uncluttered and more direct relationship therefore mediated by a lack of technology, which itself can create a distance. It is some of these and its other qualities that I use metaphorically to create a curatorial intention for this exhibition.
NM: From your observation and experience, what are the main differences in the art scene in Bangalore/ India and Berlin or London?
SM: A vast amount of difference- Bangalore has less then twenty odd spaces for the visual arts- London in contrast well over five hundred. The sheer infrastructure difference produces a vast difference in the way culture is disseminated, beyond that there are too many obvious differences, in the differences in the production of under graduate and post graduate students, art fairs, museums and the provision of studio facilities that harbour and enhance artistic praxis.
NM: In your opinion how has the perception of Indian art changed in the last decade, amongst people abroad especially non-Indians?
SM: On the whole the perception of art practice on the Indian community as a whole has very limited impact lets say in comparison to the growing relationship to film and sports culture. Within this limitation there are a few individuals who have been vocal in attempting to champion its place within the contemporary way India should and could be seen. The flurry of activity on Indian contemporary arts has started to be less present now as there is a vast fragmentation of the artists’ works within the system and therefore less evident as Indian and more as individual artists.
(The exhibition continues till July 30 at Gallery Sumukha)
- published in Bangalore Mirror
Online resources a boon for art connoisseurs
(By Nalini S Malaviya)
Today’s pace of life has caused many changes to be incorporated in our daily lives - the way we shop, what we eat and how we spend our time have all undergone major transformations. Easy access to information has also resulted in numerous changes that impact the way we look for information, retrieve and process it. In the field of art as well, this ease of access to online resources has had a major impact that has been benefiting the art community as a whole. It gives the art aficionado the opportunity to know about arts trends, events that are happening everywhere - right from London to New Delhi, to view images and read online publications.
The online facility has contributed tremendously in creating a greater awareness about art. People who are not as clued in about art have the opportunity to brush up on art, as well as compare prices of artworks.
For art connoisseurs, an online community is an excellent way to keep in touch with others who share a similar passion and offers them the opportunity to share information, and also to verify facts whenever required. Most people who once become passionate about art like to keep themselves in the know about major art events that take place across the world, for instance international art fairs, significant auctions and important gallery shows. Now that art catalogs are also available on the Internet, most people find it very convenient to refer to them. A majority of auction houses also provide access to their online catalogs on registration and this offers the potential buyer an excellent opportunity to preview the works before hand. Gallery newsletters and updates are also available through e-mailers and ensure that clients are kept informed of all upcoming events.
On the downside, you may end up spending too much time on the Internet, but it does make it easy to keep yourself updated on art.
Art Buzz (New York) Hindol Brahmbhatt
Dali on the Geography of Great Painting
Great painters don't pop up just any old place, or so claimed Salvador Dalí.
I came across this while reading his book 50 Secrets of Magic Craftsmanship, a mix of his ink drawings, some bits of thoughtful advice and quite a lot of image-maintaining Dalíblather.
Here are some extracts from pages 62 and 63:
The ideal prison for the delicate eye of the painter is therefore vegitation, and the best of all vegitations is that of the olive tree, and consequently also that of myrtles...
You must understand now that since the light of the olive trees has the equivalent of certain screened lights of the Ile de France or of Flanders it is exceptionally conducive to educating and refining your retina. On the other hand, nothing in the world can be more harmful to the education of your young eye of sixteen -- this is the moment when you must already have decided your vocation as a painter -- than the frequent sight of colors that are too vivid or absolute. ...
[footnote:] The worst enemy, for your eye of a painter who respects himself, is exotic and tropical flora, which besides is absolutely and radically antipictorial. The chromatic hyperchloridity of a Gauguin should suffice to cure the acidity of any young painter for the rest of his life. For that matter, the idea of a good painter coming from the tropics would be as absurd and ludicrous as that of that of a good Swedish painter.
[following footnote:] The Russians, with the whole vast expanse of their territory and their eminently artistic temperament (consider their writers and their musicians) have in spite of this never had a single great painter. They don't have one today and never can have one, and the explanation of this astonishing phenomenon is, besides many other more subtle ones, the snow. No snow country has ever produced good painters, for snow is the greatest and most harmful enemy of the retina.... The white of snow is simply blinding, and it is for this reason that the colors of their painters are violet-hued, congested by anilin acids, and poisonous to the eye as well as to the spirit. This is why the Russian painter is the worst colorist of all.
This is a case where Dalí sounds fairly serious. Can he be right? Well, I can think of some Scandinavians and Russians who painted pictures I liked; Edelfelt, Zorn, Gallen-Kallela, Serov and Levitan are names that quickly come to mind. And as far as I'm concerned, their ability as colorists is no less than Dalí's.
On the other hand, I can't think of many important painters who originated in the tropics. Pissarro might be an example, though he moved to France at age 12. Others might be the Mexican muralist school exemplified by Rivera -- whose work I'm not generally fond of.
I suppose Dalí's little game makes whatever sense it might if one feels that color is the most important factor in good painting, more so than composition or draftsmanship, for instance.
Then there's the larger issue of whether or not some parts of the world produce better artists and art then others. But it's a huge subject where conclusions usually boil down to the biases of whoever is making the analysis. When Dalí wrote what was excerpted above, it was just after the end of World War 2 when the center of gravity of the Western art world was still shifting from Paris (where Dalí had made his reputation) to New York. So Dalí's view is Paris-centric. And I wouldn't be surprised if he made the claim that the best of the Scandinavian, Russian, etc. artists had some part of their training in Paris. Which is largely true, because it seldom hurts to be trained by the best if you want to eventually joint the ranks of the best.
ROMAINE BROOKS, artista olvidada y recuperada.
Recuerdo un libro de Ángeles Caso titulado “Las olvidadas” en el que la brillante escritora nos presentaba a tantas mujeres-artistas que habían estado relegadas de la historia del arte. Yo creo que ha habido mujeres artistas que más que olvidadas, en ciertas épocas, fueron invisibles.
VENUS
Algo así sucedió con Romaine Brooks. Después de una corta popularidad a principios del siglo XX, “desapareció”. Fue a partir de una donación de su obra en los años 60 al Museo Nacional de Washington, cuando se volvió a hacer “visible” la obra de esta pintora totalmente singular. Sobre todo, como es habitual, fue con la antológica que se le dedicó un año después de su muerte, en 1971.
Aquí, en nuestro país pienso que aún era menos conocida. Fue en el año 2008, en la exposición que llevaba por título “Amazonas del Arte nuevo” organizada por
“Femme avec des fleurs” el que nos recibía a la entrada de
FEMME AVEC DES FLEURS. 1912
Romaine Brooks nació en Roma en 1874, cuando su madre se encontraba de viaje. Aunque su nacimiento en este país fue casual, siempre se consideró muy italiana. Su verdadero nombre era Beatrice Romaine Goddard.
Tuvo una dura infancia y se supone que su juventud no lo fue menos al ser la primera y única mujer en estudiar en
ROMAINE BROOKS. Autorretrato 1923
Al morir su madre heredó una fortuna y se fue a París, en donde desarrolló su actividad artística y en la que convivió durante 50 años con la escritora Natalie Clifford Barney a quien apodaban “la amazona”. Se dedicó fundamentalmente al retrato y centró su obra en la búsqueda de la belleza del cuerpo andrógino. Su obra está muy influenciada por el simbolismo. Su paleta es simple y austera, blancos, negros y grises que dan un tono dramático y frío a sus, ya bastante hieráticos, modelos. Fue también muy buena dibujanta.
ROMAINE. Retrato
En la época parisina tuvo bastante éxito y en 1920 recibió la medalla de
Fueron varias las circunstancias que posiblemente se conjugaron para esta “desaparición” de Brooke. Por un lado, la factura de su pintura marcadamente simbolista le dejaba un poco fuera de la “moda” impresionista del momento. Otro factor importante fue su posición económica que le permitía vivir fuera de la profesión de pintora y por lo tanto del mercado del arte y por supuesto su condición de mujer y además mujer que fue encasillada como feminista. Sus modelos travestidos eran como un anuncio de su relación lésbica o bien de su ambigüedad. Todo ello hizo que su obra fuera más fácilmente olvidada y relegada a pesar de haber tenido su momento de éxito.
Ha sido en tiempos recientes cuando su obra ha pasado a ser considerada digna de la atención de la crítica.
No se puede decir que el arte realizado por mujeres y el arte llevado a cabo por hombres sea diferente. Más o menos brillante. Yo más bien pienso en que, al igual que socialmente hemos sido tratadas y aún lo somos de forma diferente, la mujer artista también lo ha sido. Y la historia nos lo muestra.
C.BROOKS. 1912
Habría que hacer aquí una entrada dedicada exclusivamente al fenómeno de la “inexistencia” de las mujeres artistas en
No hay duda que la mujer artista ha tenido que enfrentarse a una vida con los mismos problemas, socialmente hablando, que la mujer que no lo ha sido. Es decir en la medida que una mujer ha sido discriminada en la historia lo ha sido la artista. Fue a partir de 1900 y con los numerosos movimientos artísticos, cuando la figura de la artista empezó a tener algo de valor. Hasta entonces el camino ha sido duro.
Como bien hemos visto en figuras como Artemisia Gentileschi (este blog 8 de marzo 2009) o Camille Claudel, ignorada una, suplantada en ocasiones la otra, asombra que en una Historia del Arte apenas aparezcan mujeres. ¿Es que acaso no había creatividad en ellas? No, simplemente la historia las ignoró.
Por eso no podemos extrañarnos de que una amplia información sobre las obras de muchas artistas haya visto la luz hacia mediados del siglo XX y que en muchos casos, como el de Brooks, haya sido después de su muerte.
Porque antes de esas fechas la mujer artista tenía otro lugar en la historia del arte muy diferente, o mejor dicho, se le dio “un lugar-no lugar” en la historia muy diferente. Como el de simple modelo, o el de artista escondida que no podía firmar con su nombre En la medida que la mujer se incorporó a la sociedad, también lo hizo la artista.
El trabajo de muchas entidades, de muchas fundaciones y de muchas mujeres ha hecho posible esto. No podemos bajar la guardia, bien es cierto, pero en mi opinión, una vez puesta la primera “piedra”, la de “sacar” de la ignorancia a tantas artistas, la historia no se detendrá. La mujer ahora mismo está muy presente en el Arte, forma parte de él y de su historia.
He seguido de cerca muchas de las exposiciones de Fundación MAPFRE en dónde la mujer ha sido el tema central. Hay muchas otras y desde luego no creo que exista Museo, Galería o Entidad que se precie, en la que las obras de las artistas mujeres no estén hoy en día presentes.
National Museum of Women in The Arts
Quiero hacer aquí una mención especial al único museo de Arte femenino o Arte de mujeres que existe y que se encuentra en Washingthon. http://www.nmwa.org/about/ Fue este museo el que saco de las tinieblas la obra de Brooks.
Después de recibir la medalla de
Más tarde y tras varias infidelidades de la escritora, terminaron la relación. Brooks murió sola en 1970 en el Sur de Francia cuando contaba 96 años.
Tuvo que morir, y pasar todos estos años para que su obra y su opción sexual fueran aceptadas por la sociedad.
ROMAINE en una foto juvenil
NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.
Fuentes consultadas:
Arte y Mujer. ( V Curso de Verano de
Mujeres en el Arte. Amparo Serrano de Haro
“Amazonas del Arte Nuevo” (Fundación MAPFRE)
Fotografías: Las mismas y la red.