Vamu Children
Photographs by Lawrence Impey
http://www.lawrenceimpey.com/
http://www.flickr.com/photos/lawrenceimpey
Regents Canal
Hanging exhibition
At the Grapes
http://www.flickr.com/photos/lawrenceimpey
Regents Canal
Hanging exhibition
At the Grapes
"Accidental 17"
A collection of art from artists with diverse backgrounds and art styles, ranging from painting, drawing, photos, sound installation and sculpture
Thursday 29th July 2010 from 7pm: Buyers night
Friday 30th July 2010 from 7pm: Exhibition party
Venue: 17 St Pauls Crescent Camden, LondonNW 1 9XN
ALICE NEEL, el retrato expresionista.
Este otoño he tenido la oportunidad de gozar de una de esas felices uniones que, cada vez con más frecuencia, se están dando en el mundo del arte. Me refiero al encuentro de la obra de un artista plástico en un museo que por si sólo ya merece una visita. En este caso, como digo, el placer ha sido doble. El centro al que me refiero es el Museo de Arte Moderno de Malmö (Suecia) y el contenido, la obra de la artista estadounidense Alice Neel.
MUSEO ARTE MODERNO de Malmö
La obra de esta artista, no demasiado conocida en Europa, se presenta como la de una gran retratista y así lo es en efecto, pero ese retrato al que dedica el noventa por ciento de su obra, tiene una marcada factura expresionista. De trazo fuertemente perfilado, de paleta simple pero intensa y de formas extremas, Neel nos dejó una impresionante obra que el museo ha dividido en diferentes apartados, entre los que también pudimos encontrar un pequeño rincón dedicado a la ciudad. Si bien en estos lienzos urbanos no se acerca a la deformidad de las perspectivas expresionistas, todo el resto de la obra puede calificarse como tal, además de contener una fuerte carga psicológica que no deja a nadie indiferente.
ENTRADA A LA EXPOSICIÓN DE NEEL
Comenzaré por el magnífico edificio que nos dio la oportunidad de admirar esta obra. El Museo de Arte Moderno es el resultado de una atrevida intervención que consiste en un cubo metálico de color naranja añadido a una antigua planta eléctrica de 1900. Esta planta de fachadas de ladrillo rojo, típico de la construcción de esta ciudad del Sur de Suecia, que más recuerda a las ciudades danesas, ha sido respetada, siendo la rehabilitación total en su interior.
LIBRERÍA DEL MUSEO
El vanguardista cubo de rejilla se ha ubicado en medio de la planta rompiendo con la construcción clásica, tanto del antiguo edificio, como del entorno, y sin embargo el resultado es equilibrado y brillante. Alberga el cubo la nueva entrada y la recepción, así como la cafetería y la galería superior. La fachada de metal perforado deja entrever las luces y movimientos interiores.
FACHADA DEL CUBO CENTRAL
Las salas, diáfanas, están divididas gracias a tabiques de obra. Totalmente blancas, la luminosidad es espectacular. Ayuda a todo ello el hecho de que, salvo los tabiques, nada se interpone entre el visitante y la obra. No existen ni bancos ni sillas que interfieran en el espacio. El visitante tiene opción a la entrada del museo de coger una pequeña silla plegable y recorrer con ella toda la exposición haciendo uso de ella en el momento que precise.
VENTANA INTERIOR
Al igual que en el exterior los colores que predominan, tanto en la cafetería como en la librería, son vivos. Los servicios y casilleros, se han realizado en metal de fuerte color amarillo. Cada casillero lleva escrito en su puerta el nombre de un artista contemporáneo y en el interior una frase célebre de dicho artista.
CASILLEROS
Y es en este hermoso y vanguardista espacio dónde encontramos la obra de la singular pintora estadounidense Alice Neel (Pennsylvania 1900-1984). Neel comenzó su formación en
YOUNG WOMAN
Con Enríquez tuvo dos hijas. La primera de ellas murió de difteria, algo que resultó traumático para la artista y que se reflejaría fuertemente en su obra durante toda su vida profesional. Cuando su marido se llevó a la segunda de sus hijas a Cuba quedando ella en EEUU, cayó en una profunda crisis con intento de suicidio. Fue hospitalizada y posteriormente marchó a N.York. En esta ciudad pintó escenas cotidianas y marginales, personajes subversivos y escenas llenas de carga sexual.
MADRE (HARLEM)
En Nueva York tiene a su hijo, fruto de la unión con un cantante portorriqueño. Se traslada a vivir al Harlem hispano y allí comienza a realizar retratos de aquellos que son sus vecinos, sobre todo mujeres y niños. Su compañero y padre de su hijo le abandona.
TWO GIRLS SPANISH HARLEM
Tendría otro hijo del intelectual Sam Brody. Fue una época en la que ilustró revistas comunistas ya que su compañero era un activo militante y ambos se relacionaban en estos círculos.
MADRE E HIJO
Durante los años cincuenta y parte de la década de los sesenta Alice Neel desapareció de galerías y del mundo artístico. Pero a finales de esa década el interés por su obra revivió y no sólo eso sino que llegó a convertirse en un icono feminista.
PREGNANT WOMAN
Sus cuadros son en verdad impactantes. Su transparencia nos sumerge en ellos como si de un viaje al interior se tratase. La situación de la mujer expresada por la maternidad o la vida dura de los barrios marginales son testigos gráficos de la vida de aquellas mujeres que tuvo por vecinas en el Harlem Su obra es directa sin esconder miserias ni escenas de sexualidad. Pero en ese realismo crudo también se manifiesta una gran ternura.
COMPOSICIÓN
El Museo de Arte Moderno de Malmö dividió la exposición en diferentes apartados que de forma didáctica mostraba la obra de la artista. Fundamentalmente son retratos, aunque como mencionaba anteriormente, nos deja un apartado para el tema de
UN RETRATO URBANO
Son casi todos ellos representativos de N.York, del Harlem hispano o de los años del Greenwich Village. Escenas de rincones de calles neoyorkinas o simplemente edificios de la ciudad en la que vivió.
UN RINCÓN DE LA CIUDAD
El resto de los lienzos quedaron divididos en “Retratos Esenciales”, que se componían de personas cercanas a la artista.
ELENKA
Con “Retratos de Memoria”, nos dejaba escenas de la propia vida de la artista, con sus vivencias y sus traumas.
DEAD FATHER
En “Retratos Psicológicos” vemos a niños y jóvenes, parientes o amigos cuyos rostros muestran efectivamente una vida interior que ella supo plasmar como nadie.
The DE VEGH TWINS
También hay un apartado titulado “Padres e Hijos” en el que como el nombre indica las diferentes generaciones se ven retratadas.
NANCY AND THE TWINS
No olvida a la “Tercera edad”. Y de la forma que ella sabe muestra con total crudeza la vejez, pero también como ella sabe hay ternura en ese realismo. Impacta en esta serie el autorretrato de la autora pintado a una edad que supera los 70 años en la que aparece en su total desnudez. Todo un estudio para la artista y para los que lo pudimos admirar.
AUTORRETRATO
En “Alegorías”, entre otros lienzos, nos presenta al personaje con el pecho más que herido. Totalmente roto en una alusión a la enfermedad, a la muerte o quién sabe, si a algo más profundo. De la misma forma que los surrealistas se servían de esas alegorías, de esos retratos que significan algo diferente de lo que se ve en ellos, para “relatar” sus mundos, o Grosz y Dix, nuestros anteriores artistas, se sirvieron en ocasiones de alegorías para denunciar las injusticias sociales, Neel, también de izquierdas, no utiliza su arte para ello, sino para expresar con su obra sus fuertes y profundas experiencias personales, como hizo a raíz de la terrible experiencia de la muerte de su primera hija.
Esta singular mujer mantuvo su creatividad, pero sobre todo sus creencias, su ética y modo de vida, hasta el final de sus días. Ha sido una suerte para todos los que amamos el arte que su obra fuera nuevamente reconocida y haya recorrido el mundo. Su nieto Andrew Nell influyó en ello con su documental cuyo enlace os dejo http://www.aliceneelfilm.com. Si en este periplo europeo de la obra de Neel tenéis ocasión de admirarla os la recomiendo encarecidamente.
ALICE NEEL. Fotografía de la Artista
NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.
Fuentes consultadas:
Mujeres en el Arte . Varias autoras.
Catálogo del Moderna Museet Malmö para la exposición.(Fecha 9.10.1010- 2.1.2011)
Fotografías:
Las mismas
Archivo propio
La red.
Do Political Paintings Age Well?
Painting overtly political subjects can be a risky task. There's the obvious risk of supporting a side that eventually loses -- will the winners seek retribution? But another risk is that, once an issue is no longer current, the paintings will be forgotten and the artist as well. Which might be why political paintings represent a rare genre.
Another consideration related to transitory political issues is painting technology. While a painting might take weeks or even months to complete, posters can be on the streets in a matter of days from when an inspiration strikes. This is why most political art is in poster form.
Before the 19th century most art was commissioned by the church, state, and rich or powerful individuals. Political content, such as it was, therefore was mostly in support of those who hired the artist. That is, anti-establishment painting subjects were rare because they were seldom funded. As painters became less reliant on traditional commission sources, they became increasingly able to create critical art.
As is noted here, Delacroix's famous work commemorates a successful regime change even though it appears to be a call to arms. The new regime (that of Louis-Philippe) eventually entered history's dustbin, but the huge painting lives on in the Louvre.
The Russian revolution is glorified and a Mexican version encouraged in this mural that even includes Rivera's occasional wife Frida Kahlo as the central subject. Mexican governments at the time regarded themselves as "revolutionary" and tolerated such themes for murals on public buildings.
I wonder how many people today would be able the grasp the context of this painting if they encountered it at New York's Museum of Modern Art and saw a plaque containing only the information above. The subject is anti-Fascism and the green jack-in-the-box figure represents Italian dictator Benito Mussolini. No one under age 70 can remember the living Mussolini who is increasing an historical footnote.
This looks like a computer-generated "painting" (note the treatment of the plane's engine cowling) though in principle it could have been rendered in oil, acrylic or gouache. Like Blume's painting, it is likely to age poorly because it isn't very interesting artistically and deals with an ephemeral subject requiring specialized knowledge (i.e., Sarah Palin likes to hunt).
Here is the sort of political-themed "art poster" common since the mid-1960s and reaching a climax during the presidency of George W. Bush (shown). Many current political-themed posters make use of computer-manipulated collages such as seen here; it's a quick way to create something with visual interest and realistic looking detail. Were this a painting, I doubt it or its artist would be long-remembered. It's too topical and historically questionable.
Otro año, otro Encuentro, cada vez más crecidos, instalados y cómodos en este hermoso lugar , con gente tan linda vivimos dos días maravillosos!!!El viernes comenzamos con el armado juntando las ganas de volver a vivir el Encuentro con la ansiedad y alegría de todos los años.
Hubo diez Talleres con temática textil, Proyección de Videos, Exposición de Textiles,una Feria Artesanal muy diversa , Carteleras de intercambio y de muestra de Talleres, un bufet con cosas ricas y cerramos con una puesta en común de cada uno de estos lugares convocando Delia con sus coplas y finalizando con Elba y Gustavo cantando mientras más de uno bailamos
MUCHAS GRACIAS a todos:
A Silvia , Ana, Graciela, a todo el Regina por el lugar, el poder usar absolutamente todo y hacernos sentir como en casa
A Adrián de DIJUSI por los volantes, afiches y folletería tan lindos !A la gente del Bufet nos alimentan con cosas tan ricas
A cada Invitado que mostró su saber compartiendo con los inquietos interesados que pasaban preguntandoA Silke que nos permitió disfrutar de su obra , todo un lujo !
A Delia que se le ocurrió armar una Muestra recorriendo tantas posiblidades del tejido
A Ale , esa ayuda silenciosa y constante, que junto con Mirta hacen Memoria de cada Encuentro reviviendo cada año
A cada Profe que con mucha responsabilidad y placer transmitieron todo buscando que cada asistente pudiera volar con la técnica aprendida
A cada Feriante que mostró su artesanía haciendo que cada comprador se lleve parte de su arte a la casa
A Pato y TAshy que orientaban, inscribían y atendían todas las dudas en cuanto alguien entraba
A Delia , Elba y Gustavo, por el aporte musical
Y muy especialmente a TODOS los que fueron , que enriquecieron este clima de compartir aportando cada uno esas ganas de seguir aprendiendo y transmitiendo, escuchando y contando, mostrando y comprando, realmente es desde ustedes que se puede hacer que esto salga asi ¡!
Estoy muy agradecida!!!
Silvia: se sintió tu presencia, estés donde estés! Agradezco haberte conocido y no olvido que sos un eslabón más de esta cadena de encuentros
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HACER EVIDENTE LO TENEBROSO
Hoy viajamos, junto a Carina Monasterio y Catriel Torres a la Ciudad de Godoy Cruz, Mendoza. Nos depara la realización de por lo menos dos murales, mas los de mis colegas convocados al 2º Encuentro latinoamericano de Arte Público organizado por la Dirección de DDHH de la Municipalidad de la ciudad, con equipo de primera conducido por el "enganche" Diego Gareca.
El tema de este encuentro será "MINERIA A CIELO ABIERTO".
Me gustan estos encuentros porque no reposan en la comodidad del turismo cultural. Si bien, nos tratan y nos hacen sentir como en casa, los temas convocantes desde DDHH nunca coquetean con el facilismo y la condescendencia, y menos en regiones con pueblos tan hermosos con dirigentes "no positivos".
Evidenciar "lo tenebroso" de un cuerpo social es la función del artista, según Don Günther Kusch. El muralismo, a diferencia del arte de sala, debe ser movilizador, sacudidor, zamarreador, abofeteador, gritón pero no insultante. El insulto en el lenguaje visual es mas un problema estético, de falta de gusto o de recursos plásticos, que de ética. Dista mucho de una "puteada" sonora o escrita, y la gente se dá cuenta por el tiempo y el tono a quién va dirigida. Pero una escena o imagen mal lograda insulta multidireccionalmente, por lo que tenemos que ser mas precisos al hilvanar los conceptos.
Aquí les dejo el boceto que "pretendo" hacer en el encuentro. M.C.
El tema de este encuentro será "MINERIA A CIELO ABIERTO".
Me gustan estos encuentros porque no reposan en la comodidad del turismo cultural. Si bien, nos tratan y nos hacen sentir como en casa, los temas convocantes desde DDHH nunca coquetean con el facilismo y la condescendencia, y menos en regiones con pueblos tan hermosos con dirigentes "no positivos".
Evidenciar "lo tenebroso" de un cuerpo social es la función del artista, según Don Günther Kusch. El muralismo, a diferencia del arte de sala, debe ser movilizador, sacudidor, zamarreador, abofeteador, gritón pero no insultante. El insulto en el lenguaje visual es mas un problema estético, de falta de gusto o de recursos plásticos, que de ética. Dista mucho de una "puteada" sonora o escrita, y la gente se dá cuenta por el tiempo y el tono a quién va dirigida. Pero una escena o imagen mal lograda insulta multidireccionalmente, por lo que tenemos que ser mas precisos al hilvanar los conceptos.
Aquí les dejo el boceto que "pretendo" hacer en el encuentro. M.C.
French Battleships: Steampunk to Sleek
The French are known for elegant design as well as a self-proclaimed devotion to la logique. For some reason, French battleships (cuirassés) designed before the Great War had looks that ranged from awkward to ugly. Perhaps logique triumphed over elegance. When battleship programs renewed in the 1930s all this changed and the new French battleships were among the most attractive in the world.
In fairness, nearly all the world's battleships designed before 1905 were awkward-looking. In part this was because they tended to sport several sets of different-sized guns. Starting with Dreadnought (launched 1906), battleships had a set of main guns and another of smaller guns for fighting off torpedo boats. In World War 2, secondary armament was devoted to anti-aircraft guns what cluttered much of the ships' superstructures. Nevertheless, appearance usually remained much less awkward than for pre-Dreadnought ships.
Below are two examples of French battleship architecture, one from each design era.
Voltaire was part of the 1906 battleship program whose initiation happened to coincide with the launching of Britain's Dreadnought, the first modern battleship. (The French Wikipedia entry on the Danton class is here.) French naval shipbuilding was a slow process, perhaps because the army was considered more vital. In any case Voltaire, which entered service in 1911, was what now is termed a "pre-Dreadnought" design that was instantly made obsolete at Dreadnought's 1906 launching.
Richelieu (Wikipedia entry here) was still fitting out at Brest when France was about to surrender. However, it escaped and served with the Allies during World War 2. Its main armament is of interest because the eight guns are mounted in two forward turrets. Typical main armament at the time was nine guns, three to the turret, with two turrets mounted forward and one to the rear.
Airport Gate as Holding Tank
A byproduct of a recent round-trip between London and Paris was the experience of using British Airways' new Terminal 5 at London's Heathrow airport.
To most Americans, the mechanics of flight departure at Terminal 5 would be basically normal, given the usual expected minor variations between airports. But this actually is just one of two major passenger processing alternatives found around the world. Consider Heathrow's Terminal 3, where non-British Airways flights to North America originate.
At Terminal 3 onc encounters the usual drill. First is passenger check-in coupled with a few security-related questions and details. Then one moves on through the usual security inspection process. Once "sanitized," the next destination is a mini-mall full of duty-free and other shops where you can trade your excess pounds for anything from a Cadbury candy bar to a Gucci purse. So far, pretty standard stuff.
The big difference comes when one leaves the shopping zone for the departure gate. In America, a departure gate usually amounts to a section along one side of a long, glassed-in hall where can be found a door to the aircraft ramp, a check-in desk and lots of seats for waiting passengers. But in Heathrow 3, that long hallway is flanked by what amount to holding tanks -- rooms containing the usual ramp door, desk and seating.
At least you are free to leave the tank, something you can't do elsewhere. In some cases, passengers go through a final passport inspection before entering the tank: after, they're stuck. Seems to me this was how it worked in Copenhagen.
Perhaps some people find all this lots of jolly fun. I think it's the usual processed-meat airport experience raised to the next higher power. Moreover, I don't find it necessary; the normal U.S. style procedures work just fine and eliminate some of the totalitarian overtones.
For what it's worth, here are some airports where I had that warm, fuzzy holding tank experience: Vancouver and Toronto (in the 1980s -- things might have changed since), Copenhagen and Heathrow 3. Mercifully, I can't recall how things worked at places such as DeGaulle 1, Orly-Sud, Helsinki and Frankfurt.
CONCIENTE
Mi última visita a México sigue causando nuevas preocupaciones sobre como encarar el diálogo entre la comunidad que recibirá o que promueve la realización de un mural.
Allá por 1989 notamos, junto a mi ex compañero de ruta Cianciolo, que cuando uno lleva una problemática social al la representación visual conlleva un procesamiento intelectual y emocional que no es necesariamente común al cuerpo social donde se realiza la obra. O sea, cuando el diálogo entre imagen y espectador no contiene la claridad discursiva del significado, fundamentalmente del espectador, éste es pasible de que entienda lo que se le antoja.
Aquí viene una serie de reflexiones, justificaciones, cambios y reafirmaciones sobre la función social de muralismo, sobre la independencia del lenguaje visual, sobre el imaginario colectivo y sobre la progresión estética propia de cada artista. Pasaron veinte años de declararme admirador del muralismo mexicano de la revolución pero profundamente enamorado de mi tierra del sur. De ahí la incesante búsqueda de referentes en nuestras latitudes que me ayuden a desentrañar mi Norte (como diría J.Torres García),y escudriñar el trasfondo del muralismo mexicano a través de Orozco y Chavez Morado.
Por supuesto que no lo he logrado completamente aún, pero haber compartido charlas con mis amigos mexicanos y conocer la última obra de Cauduro en el Palacio de Justicia me hacen avanzar nuevamente sobre un terreno que pensé no volvería: El lenguaje político.
Estaba convencido de que ya no era necesario retomar la retórica política tan fervientemente como en otras épocas. Pero me equivoqué nuevamente.
Hay situaciones en que la poética erudita estorba, la metáfora rebuscada sobra.
Solo lo concreto, lo evidente, lo contundente de la imagen logra ese diálogo inequívoco con el espectador. Estas situaciones son coyunturales o extremas (como la muerte de un activista).
En ese momento solo la emulación de una escena del mural de Siqueiros “del porfirismo a la revolución” me vino a la mente, y salió disparada sin autocrítica sobre el boceto del mural que estoy realizando junto a militantes del E.D.E. en Parque Patricios, tras la asesinato de Mariano Ferreyra. Mural que solo pretendía ser un homenaje a la cultura de la zona sur de la ciudad, pero que tuvimos que dejar un testimonio de lo acontecido.
Solo lo concreto, lo evidente, lo contundente de la imagen logra ese diálogo inequívoco con el espectador. Estas situaciones son coyunturales o extremas (como la muerte de un activista).
En ese momento solo la emulación de una escena del mural de Siqueiros “del porfirismo a la revolución” me vino a la mente, y salió disparada sin autocrítica sobre el boceto del mural que estoy realizando junto a militantes del E.D.E. en Parque Patricios, tras la asesinato de Mariano Ferreyra. Mural que solo pretendía ser un homenaje a la cultura de la zona sur de la ciudad, pero que tuvimos que dejar un testimonio de lo acontecido.
Cauduro me enseñó que no existe la poética en la tortura ni en la muerte de un inocente, que no hay una metáfora de la muerte que pueda suavizar su horrorosa verdad.
La semana que viene estaré frente ante otra oportunidad de opinar, y esta vez sobre la “minería a cielo abierto”, el que calla otorga.
Como muralista aprendo, como latinoamericano vivo, como militante pinto.
M.C.
OTTO DIX, la implicación en el momento histórico.
Si Grosz (entrada anterior de este blog) se valió de su Arte para denunciar a los causantes de la guerra, las desigualdades sociales y la injusticia, Otto Dix, amigo del primero, nos mostró con su obra a las victimas de todo ello.
Otto Dix nació en diciembre de 1891 en Untermhaus, Turingia. Hijo de obreros cualificados estudió dibujo y muy joven comenzó a trabajar como pintor-decorador. En 1908 ya pintó sus primeros óleos, pasteles y dibujos al carboncillo y un año más tarde ingresaba en
LLAMARADAS 1917
Pero
Entre los lienzos de esa época encontramos el “Autorretrato como soldado” que representa un Dix con una expresión que por si sola dice lo que le tocó vivir.
AUTORRETRATO COMO SOLDADO 1914
Tanto Dix, como Grosz y Max Beckmann (este blog entrada 20 de septiembre) sufrieron las vivencias de la guerra mundial y sus consecuencias y tuvieron muchos puntos en común. Fueron perseguidos por los nazis, sus obras arrinconadas y en un momento dado, se dejaron subyugar por “la ciudad” como tema para sus lienzos. Esas ciudades alemanas que nos mostraron en su totalidad, con lo atractivo y con aquello que no lo era tanto, con sus habitantes burgueses y con aquellos que se valían de la propia ciudad para subsistir, como las prostitutas y los vagabundos.
ESCENA DE UN SUBURBIO
Otto Dix, al igual que Grosz y Beckmann, también tuvo su momento “expresionista”y además “paseó” por muchos de los “ismos” que en su época estuvieron presentes en
PRAGUE STREET 1920
No hay duda de que fue un artista con una gran implicación en el momento histórico que le tocó vivir, así que no es de extrañar que la política también fuera un elemento importante a la hora de entender la sociedad y que su implicación en ella le obligase a mostrar con sus “armas”, es decir con su Arte, a los humildes, a los derrotados y a los que la historia marginaba. Sus personajes mutilados, las busconas de los bajos barrios y las calles más obscuras y apartadas de las ciudades eran temas recurrentes en su obra.
JUGADORES
Mostró todo aquello que la sociedad burguesa, en nombre de la educación, intenta ocultar y como no podía ser de otra manera, todo ello le llevó a ser un personaje muy poco “querido” por el poder nazi. Según ellos, Dix, al igual que los artistas anteriormente mencionados, ejercía “un arte degenerado”.
WOMAN LYING ON A LEOPARD SKIN
Lo cierto es que la toma del poder por los nazis supuso para Otto Dix un golpe que no superaría. Perdió fama y también energía, aunque para entonces ya era un artista que figuraba con voz propia como representante de toda una época. Al igual que sus compañeros, con su obra nos dejó “narrada” una parte de la historia que nos ayuda a entender el futuro. Mostraría las trincheras, los impactos de las bombas, los cadáveres destrozados y toda la naturaleza destrozada. Para Dix la guerra era un fenómeno que aunque parece describir con cierta distancia, no oculta una fuerte denuncia.
Esas denuncias no fueron perdonadas por los nazis sobre todo porque en un comienzo Dix también pareció sucumbir a la fascinación de los uniformes, al entusiasmo popular y a la atracción de las “luces” del nazismo. Era difícil no dejarse arrastrar por ese delirio que fascinó a tantos. Más de un intelectual de la época, confesó que había algo grande ese movimiento de masas. Pero Dix no se dejó engañar, y aunque se decía no pacifista, y no “político”, lo cierto es que su obra es antibelicista y su vida, compromiso y obra, estuvieron siempre con la izquierda.
La época en la que Dix más destacó fue aquella en la que los tiempos eran turbulentos. Esa época terrible en la que las posturas, tanto de izquierdas como de derechas estaban radicalizadas y enfrentadas a diario en las calles, es decir, los tiempos de revuelta.
A Dix le tocó vivir más de un momento convulso. Tras la guerra de 1919 regresó a Dresde en dónde se podría decir que su carrera tocó el momento más brillante y también dónde se manifestó como muy político.
AUTORRETRATO CON CABALLETE 1927
.
Bajo la presión de una huelga general, Guillermo II abdica y
El expresionismo tocaba a su fin y pintores como Otto Dix iban a participar activamente en su disolución pero también en su superación y renovación.
FRAU DR. KOSH
Dix en un principio, mantuvo un expresionismo puro que alternaba con su inclinación hacia el cubo-futurismo. Se encuentran también en sus temas: la muerte, el eros, el nacimiento, pero aún Dix no ha encontrado la forma exacta de expresarse.
MI AMIGA ELIS 1919 . Cubo-futurismo
En 1920 será dadaísta y en esos vaivenes va de la deformación caricaturesca al expresionismo o al sarcasmo. Otto Dix, artísticamente hablando, pasó, como ya se ha mencionado, por diferentes “fases” o “ismos”. Cubismo, Expresionismo, pero sobre todo se confesaba un realista.
HUGO ERFUTH CON UN PERRO 1926
Durante un par de años, de
METROPOLIS
Su tríptico “Metrópolis” es posiblemente la muestra de lo que aquel momento dio de sí. El capitalismo, el jazz, el alcohol, las drogas, y baile. Pero también lisiados que arrastran sus muñones por las aceras, y prostitutas que lucen sus despojos a las puertas de las mansiones.”Metrópolis” nos ofrece una modernidad crítica y madura. Son los años en los que el capitalismo muestra su cara amarga, y son los años en los que la pintura, la música y el teatro alemanes se muestran al mundo.
Detalle central de METROPOLIS
Todo aquello no podía durar. Se organiza un sistema de incursiones, asaltos y “operaciones de limpieza” contra los comunistas y los barrios obreros. En el final de la década, era el paro lo que amenazaba a unos alemanes cuyo nivel de vida se había deteriorado, cuya salud empeoraba por momentos. Los dorados años veinte ya no eran dorados. Y la marea nazi no perdió su oportunidad. Hitler va a ocupar el cargo de canciller. Es la culminación de un proceso que cambiará la historia no sólo de Alemania sino de todo el mundo.
SILVIA VON HARDEN 1926
Y los poetas, los pintores, los músicos en una palabra, los artistas, lo constatarán enseguida. En abril de 1933 Von Killinger, comisario del Reich anota en su diario: “¿Vive todavía ese cerdo?” Ese cerdo es Otto Dix. Vive todavía y se le expulsa de
LOS SIETE PECADOS CAPITALES
El óleo, “Los siete pecados capitales” data de esa fecha. Justo después de verse obligado a abandonar el puesto de profesor, Dix interpreta en este lienzo la situación política de Alemania. En un primer plano una harapienta recoge dinero del suelo. Es la figura de “
Hasta el Führer al ver sus cuadros, lamentó no poder encerrarle. Pero hizo algo parecido. Con sus operaciones de “limpieza” le confiscaron cerca de 260 obra. Y finalmente Otto Dix se “exilia” a orillas del Lago Constanza.
RETRATO DEL PINTOR HANS THEO Y SU ESPOSA 1933
En Constanza Otto Dix pintó paisajes, regresó a motivos de la tradición cristiana, hizo algunos retratos y, cuando podía, volvía a su adorada Dresde. Hasta su muerte, el 25 de julio de 1969.
AUTORRETRATO CON MARCELA, su nieta. 1969
Otto Dix fue testigo de su tiempo y dejó constancia de ello. Apostó por mostrar las miserias humanas. Su obra, está llena de desolación y también de sensibilidad porque fue capaz de dejar “pintada” la historia. Retratista perfecto, presente en todos los “ismos”, forma parte de lo mejor del Siglo XX.
EL ARTISTA EN SU ESTUDIO EN 1927
NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.
Fuentes consultadas:
El Viejo Topo. Texto de Antonio Garcia Vila
Arte del siglo XX. Varios autores. (Ed. Taschen)
Pinturas del Siglo XX. Varios autores.
La historia visual del Arte. Varios autores. (Ed.Larousse)
Fotografía: las mismas y la propia red.
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