Matisse and Fergusson: Color Versus Drawing

At its root, the issue of color versus drawing is a matter of taste. So there is no agreed-upon point where one can draw the line (pardon the expression) where one or the other should begin to take precedence.

Those who favor color are sometimes called "colorists." I thought it might be interesting to compare two colorists whose emphasis on drawing differed somewhat, this to illustrate what I noted above.

In one corner, I offer Henri Matisse (1869-1954) who went wild with color as a Fauvist in the early 20th century. After Fauvism faded, Matisse continued to emphasize color for the rest of his career. What he de-emphasized was drawing; people and other objects were presented in a sketchy and somewhat distorted way, being subordinate to colors.

Matisse was quite able to draw accurately. So why did he persist in distorting the images he painted? I don't know. Perhaps he was simply following modernist fashion. But I'm inclined to doubt this because he tended to intellectualize his work, stewing over whether he was making "progress." My guess is that he justified his casual draftsmanship on the grounds that the drawing should also serve the needs of composition and perhaps that well-drawn images would distract viewers from focusing on his color experiments.

The opposite corner is John Duncan (JD) Fergusson (1874-1961), a member of the four-man Scottish Colourists group. Some of Fergusson's painting subjects were as casually rendered as Matisse's, but most of the time his images featured more careful draftsmanship.

Below are examples of their work. For Matisse I favor his odalisques, of which he painted many in the 1920s, because he was paying more attention to draftsmanship then than in his Fauve days or later on.


Decorative Figure Against an Ornamental Background

Odalisque with Gray Trousers - 1927

La robe jaune - 1929-31

Woman in Purple Coat - 1937



Summer - 1920

Spring in Glasgow - 1941

Le voile persan - 1909

Artisan Market and ArtyCaf Live

Saturday 3 December, 10am-2pm at Narellan Library Plaza, showcasing the best of Macarthur's artistic and musical talent. See, touch and taste the fruits of our cultural community. Plus visit the Artycaf and try their extensive and affordable summer menu and free wifi.

Musicians, artists and buskers welcome- all performers must be registered with council prior to the event.

For more info phone Cheryle Yin-Lo on 4645 5090 or Isabel on 46481972.

Check out performing artists:



An Astonishing Rochegrosse

The Musée d'Orsay recently completed its renovation. Galleries have been reorganized, paintings rehung.

I have no plans to visit Paris any time soon, so like many readers of this blog, I'll just have to read reviews and try to imagine how things look.

One painting whose fate I'm curious about is this one:

Le chevalier aux fleurs - The Knight of the Flowers - c.1894
Click to enlarge.

It's by Georges Antoine Rochegrosse (1859-1938) and the d'Orsay's web site offers this commentary.

So why did I use the word "astonishing" in this post's title?

For one thing, it's huge -- 2.35 meters high by 3.76 meters wide. And it's bright; compositionally, there are few dark areas to tie things together. But what struck me most when I first saw it were the reflections on Parsifal's suit of armor. By pulling in the surroundings, they made Parsifal almost as ethereal as the rest of the scene.

I don't suppose professional art critics would ever call it a great painting. Me? I find it an astonishing (there's that word again!) tour de force.

Reconocimiento a Checo Valdez en Guanajuato

En el reciente Tercer Encuentro de Pintura Mural, Checo Valdéz fue uno de los merecedores al reconocimiento a la "Creación", merecidísimo por tanto trabajo realizado con su extraordinario grupo de promotor@s e impulsores del método del Mural Comunitario Participativo en Chiapas y en varios otros lugares y países.

Va esta entrevista recién publicada a Pintar Obedeciendo: LINK a la entrevista completa

Cristina Hijar Gonzalez

"[...]Adoptamos Pintar Obedeciendo en honor al modo de trabajar de las comunidades y sí aplicamos la consulta, eso es a lo que llamamos “pintar obedeciendo”, tratamos de escuchar lo mejor posible a la comunidad a través de este instrumento y animarlos a que ellos mismos armen este tejido conceptual.
También por este método de trabajo se resisten a ser calificados como “muralistas”.
Esto de decirnos “muraleros” [...] Nos gustó más como nos dicen allá: “pintadores”, y es por varias cosas. En primer lugar, sería muy fácil para nosotros, pero también muy ficticio, decir que estamos haciendo arte, sobre todo si lo vemos a la luz de que cabe cualquier cosa dentro de este vocablo, no se es muy estricto en su uso. Partimos un poco de la tarea, pues hemos asumido estudiar a Juan Acha, de una lucha por la soberanía latinoamericana conceptual, su soberanía conceptual sobre su propia producción estética. Es una tarea de gigantes, tremenda, pero creo que es un camino que hay que caminar y eso nos ha hecho dudar muchas cosas, cosas que teníamos, la intención de: “los enseñamos a dibujar” [...] lo poco que sabemos está altamente contaminado, y a veces es lo único que tenemos, del paradigma centroeuropeo sobre el arte [...] Queremos ser un poco más modestos, más bien: animemos a pintar, esto generará tarde o temprano la necesidad de que hagan su propia estética, cuando llegue ya a tocarles su espíritu, su corazón profundamente, va a empezar a generar su propia estética y ojalá esto sucediera en los barrios y en las comunidades y en todos lados." Checo Valdez.

Future Fashions from 1936

That's science fiction pioneer H.G. Wells at the left on the set of Things to Come, a 1936 movie based on his 1933 novel The Shape of Things to Come that was produced by Alexander Korda. To the right are Margaretta Scott and Raymond Massey.

The plot has a 1940 war (the most accurate prediction is the date -- the Battle of Britain was fought that year) in which England and much of the world sinks to near-barbarism after decades of conflict. A group of engineer-technocrats recreates a modern society in Basra, Iraq and then spreads it throughout the world, setting things straight in a Wellsian socialist-inspired utopia. The final part of the movie takes place in 2036 where a mission to the moon is launched.

Photos below show some of the costumes predicted for 2036, a century after the release date of the movie.

I don't know who designed the costumes, but they surely had Wells' okay, grudging or otherwise (he had considerable input to the project). Ultra-broad shoulders aside, the impression I get is that of snazzed-up Roman Empire outfits with a generally clean look in synch with late-Deco modernism of the 1930s -- which should probably be expected.

We are 25 years away from the movie's fashion predictions, so there's a remote chance that they will be fulfilled. The photo below of a celebrity (Nicky Hilton, whoever she might be) indicates how things stand in our casual times.

Syd Mead: Famous Designer of Unbuilt Cars

So far as I can tell, car stylist, industrial designer and visualization renderer of future environments Syd Mead (born 1933) never had any of his automobile designs enter production. It's possible that some of his industrial designs were produced, but I don't know of any offhand.

Yet Mead is well known by styling and design practitioners and some of his efforts are famous to groups of the public at large. For instance, he designed the future Los Angeles for the movie Blade Runner and the vehicles for the original Tron. More recently, he has been involved with computer game settings. Mead's web site is here; it contains many examples of his work and even t-shirts that you can buy from his on-line shop.

I first came to be aware of Mead back in my army days at Fort Meade (of all places!) when a buddy of mine showed me a copy of a brochure with Mead's designs commissioned by U.S. Steel. Many of those illustrations were included in his first Sentinel book, a copy of which I own.

One aspect of Mead's work that interests me is that it's hard to distinguish which designs and renderings are recent and which were done when he was working on the U.S. Steel project in the early 1960s. (As can be seen below, his very earliest efforts are easier to spot.) So Mead seems to have attained a personal version of the future that was strong enough to serve him for a career of 50 years. Let's take a look.


Blade Runner visualization
His Blade Runner designs are probably his best-known work so far as the general public is concerned; but they likely would not know who Syd Mead is.

Student design while at Art Center School

Illustration of Ford Gyron show car - 1961
These are examples of Mead's work from when he hadn't attained his mature sensibility.

Concept car for U.S. Steel

Design for U.S. Steel

U.S. Steel project scene
It's a little hard to believe that these designs and renderings are nearly 50 years old.

Commuter car designed for Philips
This design could be produced; it's not very futuristic, which Mead acknowledges by placing a black contemporary car in the near-background.

Futuristic scene
This was done more recently than most of the illustrations above.

Future horse race

Automobile design
Another design that's not totally blue-sky futuristic; note the costumes of the background figures aren't as wild as in the image directly above.

ARTE espacio urbano, naturaleza ARTE y más...

Como resultado de los últimos artículos, más de un visitante a estos Encuentros me ha escrito sobre el tema del Arte en la calle, del Arte en espacios cerrados e incluso de la privacidad o no privacidad del Arte. Esta entrada no tiene ningún fin concreto sino el de, si es posible, crear debate, recibir opiniones y crear un foro de discusión. Como sabéis los que os acercáis hasta estos Encuentros, en cualquier tema, y también en Arte, toda opinión es digna de ser escuchada y debatida, de toda opinión diferente a la propia nos podemos enriquecer, y además teniendo como núcleo principal el Arte, ya se sabe que “sobre gustos…..nada está escrito”.


Y después de esta pequeña introducción voy a comenzar la Entrada reflexionando sobre el Arte en el espacio Urbano, para continuar llevando el Arte al encuentro de la Naturaleza y terminar haciendo una pequeña reflexión, sobre la privacidad o no privacidad del mismo y lo que ello supone para el propietario, el ciudadano y para el propio artista.

Cuando pienso en el Arte y el espacio urbano, viene a mi retina inmediatamente dos disciplinas, la Arquitectura y la Escultura. Sobre la primera poco o nada voy a escribir porque no me considero suficientemente preparada para crear aquí un debate sobre ella, como mucho, podré dar una modesta opinión.

Por proximidad, me detendré en la que casi se podría llamar una revolución del espacio industrial que tuvo lugar en mi país, concretamente en Bilbao.

EL Museo GUGGENHEIM de Bilbao y su entorno

Todos los que hemos conocido Bilbao antes de la intervención urbanística que nos ha traído el Guggenheim y todo lo que le rodea, recordamos un Bilbao gris, y no sólo por el clima. La ciudad no tenía gran atractivo, es cierto, pero no hay duda de que aquellos espacios industriales, muchos o casi la totalidad abandonados, eran en potencia espacios que podían hacer resurgir la ciudad y llevarla a primera página de publicaciones de arquitectura, urbanismo, arte y por supuesto a toda aquella publicación de turismo que oferta todo lo anterior ,más nuestros verdes paisajes y hasta el clima, que para muchos también tiene su atractivo.

Pero claro está que saber ver ese potencial y sobre todo hacer que el Arte se instale en ese espacio, necesita de muchas manos además de la inversión económica. Con dinero se pueden hacer muchas cosas, pero son las manos del artista las que saben crear con ese potencial económico.

No voy a detenerme en la intervención urbanística como he dicho. Os remito a un libro que, centrado en el tema de urbanismo y las mega-construcciones, es de fácil y amena lectura y que en su día recomendé aquí mismo (blog 24.08.11) Se trata de “Arquitectura milagrosa” de Llátzer Moix.

Escultura de VICENTE LARREA en el Euskalduna de Bilbao

Sin salir de ese entorno voy a continuar en un paisaje urbano aunque cambiando de disciplina. Me detengo en la escultura, un arte que en mi opinión es idóneo para que sea relacionado con el espacio urbano. El artista aquí, además de mostrar su creatividad en la propia disciplina, debe, o debería tener suficiente capacidad para saber integrar su obra en ese espacio. No es tan fácil como parece, porque no sólo se trata del trabajo del artista, está también la disposición de aquel que ha adquirido la obra, en general instituciones públicas, para llevar a buen término la ubicación e instalación de la creación del artista tal como el la ha concebido. Y en este tema me adelantaría al tercer punto que también quiero comentar en esta entrada. La privacidad o no privacidad de la obra y las responsabilidades del que adquiere la obra. Pero vayamos por partes.

En cuanto a lo que aporta la obra en un espacio público, mi opinión es firme en algo que considero fundamental. Una obra de Arte, una escultura, aporta riqueza y belleza al espacio. Creo que es Cultura. Porque instalar Arte en la calle es educar y cultivar a la ciudadanía. Más bien diría que es un lujo poder disponer de Arte urbano.

Por otro lado, considero que hay obras de determinados artistas que tienen su lugar idóneo es el espacio urbano. Me explico. Son obras que en general se han ejecutado con el fin de ser instaladas en la calle, pero también en ocasiones, se tratan de obras que no habiendo sido creadas con esa finalidad, al ser ubicadas en un espacio urbano, han ganado en calidad y han engrandecido y enriquecido el entorno.


En este tipo de Escultura o Instalación incluiría a los dos últimos artistas que presenté en este blog, el pasado 14.10.11 y 5.11.1. pero también os remito a otros artistas escultores que pasaron por estos Encuentros como Henry Moore. (15.11.09), Barbara. Hepworth (18.10.09) el vasco Jorge Oteiza (26.10.09) cuya obra, toda una demostración de investigación vanguardista y creativa, nos sorprende con piezas que van desde la más pura demostración pedagógica, pasando por esculturas ubicadas en interior, hasta las grandes esculturas que nos atraen y maravillan en rincones del País Vasco, por no decir sus vanguardistas esculturas de temática religiosa, tan controvertidas en su día, que nos reciben en el Santuario de Aranzazu.


Otro escultor cuya obra aparece en lugares urbanos y que también se ha ubicado en la naturaleza es la Anthony Caro (este blog 31.10.10) Curiosamente, una de las instalaciones más impactantes de Caro se ubica en interior. Me refiero al “El Juicio Final”. El Bellas Artes de Bilbao acogió esta maravillosa instalación que impresiona y que no dudo en decir que tiene su lugar idóneo en el interior de un museo. Su juego de luces y sombras es imprescindible para apreciar la obra en su totalidad.

El Juicio Final de A.CARO en su instalación en Venecia

Y entre muchos artistas, cuya creatividad nos han regalado multitud de obras para el disfrute de todos los ciudadanos no puedo dejar de detenerme en una mujer que nos demuestra el abanico de posibilidades que tiene una instalación. Por lúdica, alegre, y fascinante dejo el ejemplo de la obra de Niki de Saint Phalle. (este blog 14.02.10). Si precisamente he dejado a Saint Phalle para el final es precisamente porque creo que su obra se puede ubicar con toda facilidad tanto en un espacio al cien por cien urbano como en medio de la naturaleza.

Asombra que su obra, aún hoy en día, después de tantos años de la desaparición de su autora, se vea totalmente actual, y asombra también que unas creaciones tan vanguardistas se integren en medio de la naturaleza de una manera que no sólo no arremete contra ella, sino que le da vistosidad y colorido. Yo diría que se complementan.

Un ejemplo vivo de la obra de Saint Phalle en entorno urbano es sin duda su instalación en el espacio exterior del Centro Pompidou en París. No podría existir mejor lugar para sus divertidas esculturas. En cuanto a una integración cercana a la naturaleza no se me ocurre mejor ejemplo que las nanas ubicadas en el exterior del Museo de Arte de Estocolmo. Me diréis que también se trata de un espacio urbano, pero no es del todo cierto.

Nanas de NIKE DE SAINT PHALLE en Estocolmo

El entorno del Museo de Arte de la capital sueca es una bella zona boscosa que en otoño, cuando tuve la suerte de visitarlo, estaba ya cubierto de tonos casi invernales. La naturaleza, por otra parte presencia constante en esta capital, predomina en este lugar. Y allí entre tonos oscuros que anunciaban el invierno se alzaban las nanas bellas y coloristas de esta mujer que como apunto más arriba creó una obra atemporal. Hoy día es vanguardia.

Deteniéndome un poco más en el tema Arte-Naturaleza quisiera también dejar mi opinión. Hoy en día hay bastantes posturas encontradas sobre la intervención del artista en la naturaleza. Yo soy totalmente partidaria de que el Arte se integre, se incorpore y se acople a ella. Un artista habrá conseguido una obra perfecta en la medida en que ésta se convierta, de un modo u otro, en parte de la naturaleza sin que ésta se vea agredida. Veo totalmente innecesario “retocar”, “pintar”, “insertar” cualquier obra en nuestro entorno natural.

Árboles pintados en el bosque de Oma de AGUSTÍN IBARROLA

En mi opinión la integración debe hacerse a modo de incorporación. Algo muy difícil, pero que considero que debe de estar presente siempre que queramos que Arte y Naturaleza estén en armonía. Ensamblar sin atacar, incorporar sin agredir. Difícil sin duda, igual menos espectacular, pero también más respetuoso.

Y finalmente unas líneas para tratar un tema también bastante controvertido. El de la privacidad o no del Arte y sobre todo la responsabilidad que adquiere el comprador, sobre todo si se trata de una Entidad Pública ,respecto a la obra que adquiere.

Lo primero tenemos que distinguir si se tratan de adquisiciones privadas o llevadas a cabo por entidades públicas.

Obra de BARBARA HERPWORTH en el museo de la artista

No hay duda de que si la adquisición es privada todo queda entre comprador y vendedor. Los problemas pueden estar, y hemos tenido ocasión de comprobarlo, cuando la compra de la obra está a cargo de una entidad pública, digamos ayuntamiento, gobierno autonómico, estatal o similar.

En esos casos deberíamos de saber a quien corresponde la responsabilidad de cuidar de la obra. Hemos tenido muchos casos recientes que llegaron a juicio porque el artista demandaba el buen uso de su obra de arte. Es de justicia, en mi opinión, que aunque una obra haya sido vendida y el artista haya recibido el importe que le corresponde, que su obra, aquello que salió de sus manos sea respetada. Debería de existir un código que protegiese las obras de arte. Y no sólo eso. Si el artista crea una obra para una determinada ubicación debería también ser respetada. No podemos convertir el arte en algo tan mercantil como para que en el momento que se haya solventado la venta esa obra no sea respetada, porque no se respeta tampoco al individuo que la ha creado. Esa es mi opinión. Y hoy es el día que cuando paseo por las calles y veo una escultura atacada, mal cuidada o abandonada, creo que están atacando nuestro patrimonio y nuestra cultura. Es necesario educar en el respeto.

Escultura agredida de AGUSTÍN IBARROLA

El día 28.10.11 en el diario El País Isabel Landa dedicaba a este tema un artículo del que os dejo el párrafo de introducción:

Las esculturas son una de las creaciones artísticas más vulnerables en las plazas, paseos, parajes naturales y exposiciones al aire libre de pueblos y ciudades. El paso del tiempo no solo deja huella en el hierro, la madera o el mármol, la mano del hombre también provoca desperfectos, la mayoría de la veces intencionadamente


En cuanto a la privacidad de los grandes museos o lugares en dónde se ubican las obras de determinados artistas, supongo que a estas alturas no hay mucha duda. Si son propiedad del Estado o de una determinada Comunidad, estos tienen la obligación de mantenerlas y además de mostrarlas como bien cultural de forma gratuita a sus ciudadanos. Si se tratan de colecciones privadas, serán sus dueños los que las mantengan o en su defecto Fundaciones creadas a tal fin por mecenas del Arte.

Escultura de Eduardo Txillida en el museo TXILLIDA LEKU

Son muchos temas a tratar, pero estaría encantada de que se abriera más de un debate a partir de esta entrada.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.

Fuentes utilizadas: archivo propio. Diario El País de fecha de referencia.

Para la fotografía: Archivo propio y la red.

David Gauld: A Fringe Glasgow Boy

I know little about David Gauld (1865-1936) who Roger Billcliffe includes in his Glasgow Boys book, but admittedly as having a "distant relationship with the Boys."

It seems he worked in stained glass as well as painting, and a couple of 1888 paintings are done in an outlines-with-flatly-painted-interiors style that, for a reason I can't explain, has always intrigued me. Another reason for presenting him here is that my wife recently booked us on a tour of Ireland and Scotland for next summer, so I need to prime myself for some gallery gawking in those places. (I've been to Ireland and Scotland, but that was before I got involved with blogging about art. So while having paid some attention then, I plan to be more knowledgeable this time; be braced for more posts about Scottish and Irish painters.)

Here are a few examples of Gauld's work.


Music - 1888
St. Agnes - 1888
These paintings are done in the cloisonné style mentioned above.

The Procession of St. Agnes
St. Agnes-related again, but in a more conventional style.

Portrait of Irene Vanburgh
A nicely done portrait of the actress.

At this point, I have have nothing special to say about Gauld's paintings. But I'll keep my eyes peeled once I'm in Glasgow and Edinburgh so that I might confront one in person.

Una trampa llamada “Realismo Socialista” Escrito por Fernando Buen Abad Domínguez

El pensador socialista Fernando Buen Abad retorna al blog con otra visión polémica que nos ayuda a entender y ejercitar nuestro pensamiento crítico sobre la producción artística actual del "artista militante". M.C.

"[...]El “Realismo Socialista” comporta en su lógica burocrática la garantía de todos los fracasos. No sólo como “Arte”, a pesar incluso de la magnífica factura de algunos dibujantes, pintores, escritores… fracasa como proyecto cultural, didáctico y como plataforma de expresión colectiva o patrimonio simbólico[...]"

Auction Results: Christie's, NYC, 9 Nov 2011

I find it tricky to glean meanings from art auctions.

For one thing, most of the best and most famous works eventually gravitate to museums, leaving collectors and speculators to paw over what remains. Then there is the problem of separating purchases by those who buy because they love the particular work from those who buy with the intent of flipping it once the price is likely to have increased to their satisfaction. And there are buyers who collect what they like but are prepared to sell later if prices become tempting and then use the spoils to buy more art they like.

I tend to pay attention to sales results for representational painters of the late 19th and early 20th centuries as a gauge for assessing how strong a comeback such art might currently be making (for instance Alma-Tadema going from near-worthless to tens of millions of dollars over the last 60 years).

Then there are modernist paintings that I wouldn't dream of putting on one of my walls that auction for huge sums. Consider a few results from the Christie's "Post-War and Contemporary" auction that took place 9 November in New York:

$1,034,500: Untitled, by Richard Diebenkorn (1822-93)

$938,500: Untitled, by Agnes Martin (1912-2004)

$734,500: Lone Star, by Yashimoto Nara (b. 1959)

$362,500: Portrait of Robert Graham, by Alice Neel (1900-84)

$182,500: Slice of Pie, by Wayne Thiebaud (b. 1920)

$782,500: Dollar Sign, by Andy Warhol (1928-87)