The Salvador Takes on St. Paul

There are actually times when Salvador Dalí's statements should be taken seriously. More accurately, taken as intended to be serious.

Such, I believe, is his take on Paul Cézanne, a painter taken in great seriousness by art historians as well as modernist painters in his own time and thereafter.

The safe stance for Dalí would have been to go along with the crowd. But then, Dalí thrived on controversy and grandstanding, which is why it can be tricky trying to separate outrageous statements from those that truly reflected his mind.

However, Dalí went after Cézanne on more than one occasion, which is why I'm inclined to think he really had it in for Aix-en-Provence's alternate claim to fame besides the Cours Mirabeau.

For instance, on pages 51 and 53 of the Dover edition of Dalí on Modern Art, he states:

Paul Cézanne -- one of the most marvelously reactionary painters of all time -- was also one of the most "imperialistic," since he wanted to redo Poussin "from nature".... It is unfortunate that his Apollonian impulse was betrayed by his fatal clumsiness. His awkwardness can be compared only to the delirious virtuosity of Velasquez. It should have been Velasquez who, like Bonaparte, poured the anarchy of orgiac painting into the Caesarian empire of forms, adding that notion of discontinuous nature that Poussin lacked.

But, however touching it may be, never did Cézanne succeed in painting a single round apple capable of holding -- monarchically -- the five regular [geometrical] bodies within its absolute volume.

The dithyrambic critics, completely in line with the mediocrity of Cézannian paintings, were only able to set up as categorical imperatives the catastrophic deficiencies, clumsinesses and awkwardnesses of the master. Before this total rout of means of expression it was believed that a step had been taken toward the liberation of pictorial technique.


And on pages 15-16 of his 50 Secrets of Magic Craftsmanship [Dover, again], he says:


"Post -Cézannism" has erected into a system every one of the clumsinesses and deficiencies of Cézanne and painted square mile after square mile of canvasses with these defects. The defects of Cézanne, in his fundamentally honest character, were often consequences of his very virtues; but defects are never virtues! I can imagine the profound melancholy of the master of Aix-en-Provence, Paul Cézanne, when after having struggled so long to build a well-constructed apple on his canvas, possessed like a demon by the problem of relief, he had succeeded on the contrary only in painting it concave! And instead of keeping, as was his ambition, the "intact continuity" of the surface of his canvas, without making any concession to the illusory friviolities of verisimilitude, he finds himself in the end with a canvas frightfully lacking in consistency and filled with holes! With each new apple there is a new hole! Which, as the immortal Michel de Montaigne said in another connection, "chier dans le panier et se le mettre sur la tête."


I never understood Cézanne and so take some comfort that my position is supported, even if by somewhat odd company.

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Entitlement

Title of an Artwork


(By Nalini S Malaviya)

Have you stood before an untitled painting and wondered what it was? Most viewers find it difficult to relate to a painting when it does not have a title, especially when there is an absence of recognizable elements in it. For instance, if it is an abstract work predominantly based on the play of colors, it may become difficult to decipher the intent of the artist.

So what does a title do? It provides a contextual reference giving pointers to the meaning and purpose of the artwork. It gives a point of reference to the viewer to build his or her response and observations around it and helps in understanding the theme or the subject better. An interesting title adds substance to the painting and helps in recalling the work. It also makes the job of cataloging and documentation easier.

However, it is common to come across works that are untitled, especially when the artist does not wish to provide that reference point intentionally and would like the viewer to interpret it freely. But, yes, there are instances where the absence of title is a result of the artist not being able to arrive at a suitable one either due to the complexity of the work or lack of imagination. Incidentally, having a cryptic title or one that is completely unrelated to the art may defeat the purpose completely.

Usually titles are added once the work is complete and a crisp and clear title can make the viewer more comfortable and involved. La Gioconda by Leonardo Da Vinci is perhaps the most famous painting ever, but it is better known as Mona Lisa and the title brings instant recognition. Would you be able to relate to Michelangelo’s David, Rodin’s The Thinker or Claude Monet’s Water lilies (a series of paintings), if they were untitled! It is difficult to have the same recall value for unnamed works. Joan Miro said, “I start from something considered dead and arrive at a world. And when I put a title on it, it becomes even more alive.”

Yet, there are several paintings that were done, particularly during the abstract art movement that were deliberately left untitled, leaving it to the viewer to interpret it according to his or her own sensibilities and experiential framework. For instance, Jackson Pollack painted several canvases by dripping paint over them and these were left without a name consciously, but instead they were numbered.


(Published in Bangalore Mirror)

P. KLEE, maestro de maestros + RENZO PIANO. Uniones en el arte.







En los últimos tiempos tenemos la fortuna de asistir a un fenómeno que se repite con asiduidad. Que sea un gran artista-arquitecto el que proyecte el contenedor para un gran contenido. Ya dejé constancia en este blog de varias uniones que hemos tenido ocasión de admirar, como la obra de Ibere Camargo en el museo proyectado por el arquitecto portugués Álvaro Siza (entrada 31 julio de 2009), la ampliación del museo de Rufino Tamayo que, proyectada por el mexicano Michel Rojkind en unión al estudio danés Big, albergará la obra del inigualable pintor (entrada 8 de agosto de 2009) o el más cercano edificio realizado por el arquitecto Saez de Oiza para la Fundación Oteiza, encargada de la obra del artista vasco Jorge Oteiza. (entrada 26 octubre de 2009)




ARQUITECTURA DE LOS NIVELES 1923 (acuarela sobre lápiz en papel y sobre cartón)


Pues bien, para una obra como la del gran maestro Paul Klee, no podía ser más que un gran arquitecto el que proyectara el edificio que había de albergarla. Otro gran maestro, esta vez de la arquitectura, el italiano Renzo Piano, fue el que realizó el edificio ubicado en Berna.


Foto nocturna del ZENTRUM PAUL KLEE


Hace relativamente poco, en la Web de los estudiantes de arquitectura de la Universidad del País Vasco, “colgaban” un concurso de relatos que tenía como tema “Un mundo sin arquitectos”. Cuándo leí el título pensé que, independientemente de las mejores o peores intervenciones que hacen algunos profesionales del gremio, un mundo sin arquitectos nos privaría de la oportunidad de admirar bellezas como estas que albergan las obras de arte de tantos artistas. En una palabra, una buena arquitectura es una obra de arte, y un mundo sin arte, sería triste, árido y pobre.


Villa R. 1919 (óleo sobre cartón)


Así que hoy tengo el disfrute de escribir sobre dos grandes del Arte. Comenzaré por Paul Klee, el artista polifacético, el que despuntó en todos los géneros y superó todas las barreras del arte y el saber, el que fue uno de los artistas en dominar la primera parte del siglo XX, en una palabra el maestro de maestros.

Nacido en 1879 en Suiza fue pintor, pero también músico y poeta y sobre todo un Teórico del Arte. Adelantado a su tiempo, en cuanto a teorías y técnicas, es considerado uno de los más originales representantes del arte moderno.

Estudió Bellas Artes y caviló mucho ante la disyuntiva de elegir entre pintura o música, puesto que nació en una familia de músicos.


EL PEZ DORADO. 1925 (óleo y acuarela sobre papel montado en cartón)


Sus primeros trabajos muestran influencia del impresionismo y una fuerte influencia cubista. También podemos apreciar el expresionismo del siglo XX en su obra. Se podría decir que en sus pinturas y acuarelas encontramos el fruto de todo tipo de tendencias y técnicas. Su gran dominio de la armonía cromática fue utilizado para crear sencillas y bellas composiciones.


ST. GERMAIN CERCA DE TUNEZ. 1923 (acuarela sobre papel)


Considerado como uno de los representantes más originales del arte moderno, fue, como hemos dicho, pintor, músico, teórico del arte, un poeta de imágenes y palabras y un apasionado de la cultura oriental. Muchas de sus obras sin duda, llevan el sello de ese amor por Oriente como en “St.Germain, cerca de Túnez” o en “En Vista Parcial de G”.


VISTA PARCIAL DE G. 1927 (acuarela y calcomanía sobre óleo)


“Vista Parcial de G”, realizado en fechas posteriores a su viaje a Túnez, nos muestra un pueblecito en una composición en la que predomina el color del barro. El pueblo aparece entre el fango, eso sí, con su peculiar estilo de perspectivas ladeadas, edificios irregulares e inclinados y con caminos que no van a ninguna parte. A pesar de las “irregularidades” volvemos a apreciar la precisión matemática.

Como teórico del arte y maestro del dibujo, muchos de estos eran complicadas líneas cuyo contenido derivaba en una imagen fantástica. Creaba con composiciones lineales y circulares conectadas entre sí, elementos o pájaros.


EL EQUILIBRISTA. 1923 (lápiz acuarela sobre calco al óleo y dibujo sobre papel y cartón)


En sus textos no sólo exponía teorías para sus alumnos sino que fueron Principios Básicos para el arte moderno. Su obra tendría gran influencia en los pos-surrealistas y fue gran fuente de inspiración para el expresionismo abstracto.


EL CONQUISTADOR. 1930 (acuarela y pluma sobre algodón)


La época en que fue profesor de la Bauhaus (entrada en este blog 16 de mayo 2010) se puede considerar la más fructífera y creativa de su vida artística.


TEATRO DE GUIÑOL. 1923 (acuarela sobre encolado de tiza y cola en papel)


En esta escuela de vanguardia creó multitud de obras experimentando con técnicas diferentes, combinado óleo con empastes, yeso, transparencias y collages. En una palabra experimentó con todo lo factible de experimentar, tanto en técnicas como en materiales, llevando a la práctica sus elaboradas teorías.


CAMINO PRINCIPAL CAMINOS SECUNDARIOS. 1929 (óleo sobre tela en bastidor)


En una conferencia en la Bauhaus, Klee explicó como relacionar líneas, formas y colores entre si hasta lograr ese sentimiento de equilibrio y de bien hacer tras el que todo artista se afana. Describió como las formas, surgiendo bajo sus manos, sugerían algún tema fantástico o real a su imaginación. Estaba convencido que esa forma de crear imágenes era mucho más fiel a la naturaleza que cualquier copia.

Según explicaba, la Naturaleza misma crea a través del artista. Es difícil apreciar en un solo cuadro sus fantasías pero tenemos un buen ejemplo en el cuadro “El cuento de un enanito”.



EL CUENTO DEL ENANITO. 1925 (Acuarela sobre tabla barnizada)


En el se puede observar la mágica transformación de un gnomo, pues la cabeza del hombrecillo puede verse también como la parte inferior de la cabeza de mayor tamaño situado más arriba. Es una acuarela sobre tabla realizada en 1925.


Con la llegada de Hitler al poder se le expulsó de la Bauhaus y se vio obligado a huir como tantos otros profesores de la Escuela, pero además los nazis ejercieron gran persecución sobre sus obras que fueron desterradas de los museos alemanes. No obstante, en América gozó de gran fama debido a su gran originalidad y vanguardismo y a la gran pureza de su obra.


SENECIO. 1922 (óleo sobre gasa con fondo de tiza)


Hay más de 9000 obras de Paul Klee catalogadas, de las que 5.000 son dibujos. Su obra teórica también quedó recogida y difundida. Entre los documentos de estudio podemos mencionar “Bases para la estructura del arte” y “Teoría del Arte Moderno” en las que se nos explica con dibujos sencillos sus teorías sobre las líneas y sus símbolos.


REVOLUCION DEL VIADUCTO. 1937 (óleo sobre fondo de óleo en algodón sobre bastidor)


A partir de 1935 y debido a una enfermedad degenerativa, su estilo se vuelve más sencillo, caracterizado por líneas gruesas como de carboncillo y grandes áreas de colores matizados aunque sus temas adoptaron un tono pesimista. Murió en Locarno (Suiza) en 1940.



En cuanto al autor del Zentrum destinado a contener la obra de Paul Klee, el arquitecto Renzo Piano, podemos asegurar que no le va a la zaga en cuanto a vanguardista y en cuanto a figura reconocida dentro del Arte. ¿Quién no recuerda las polémicas levantadas ante el Centro Pompidou por su atrevido diseño? Renzo Piano, junto a Richard Rogers y Gianfranco Franchini, fueron los que ejecutaron el proyecto por los años 70. Así que, un edificio que aún hoy en día es vanguardia de la arquitectura, en aquel tiempo atrajo más de una opinión encontrada entre los defensores de una arquitectura más tradicional y entre los más avanzados.


Genovés nacido en 1937, experimentó con materiales diversos como cubiertas ligeras de plástico. También realizó ensayos con edificios “adaptables” y entre su muchas asociaciones, investigaciones y proyectos, encontramos la colaboración en la creación de la fundación “Architectural Workshop Foundation”, en un programa educacional generado con la Escuela de Diseño de Harvard con idea desarrollar la idea de “Bottega” entre los aprendices. “Aquí se aprende haciendo”.


EL CENTRO EN CONSTRUCCION


Como muchos otros, Renzo Piano estableció la tecnología como el punto de partida para sus diseños. Pero logró combinar la tecnología de manera adecuada con el carácter arquitectónico basado en la preocupación de las necesidades de quien habita lo que se construye o del contenido para el que ha sido proyectado.

En el Zentrum Paul Klee de Berna, http://www.paulkleezentrum.ch/ww/en/pub/web_root.cfm, Renzo Piano concibió un edificio capaz de integrarse a la naturaleza, en homenaje a ese artista prolífico y profundo.

La luz, la ligereza y el desarrollo de las colinas de tierra son elementos de la poética de Klee que inspiraron al gran arquitecto italiano.


El CENTRO durante las obras. Al fondo los montes nevados.

Como es evidente no puedo alargarme en la vida y trabajo de este genial arquitecto ,pero os doy una pequeña idea de su trayectoria que demuestra que no se podía haber elegido profesional mejor a la hora de realizar un edificio para contener la obra de otro de los artistas más vanguardistas de su tiempo.


ZENTRUM PAUL KLEE



NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes consultadas: Historia del Arte ,E.H.Gombrich

Historia Visual del Arte ,Claude Frontisi

Maestros de la pintura ,Patricia Fride R. Carrrassat

La Bauhaus. (Ed.Jeaninne Fiedler y Peter Ferierabend)

Bases para la Estructuración del Arte y Teoría del Arte Moderno, ambas del propio Paul Klee.

Arquitectura del Siglo XX. (Ed.Electa)

Arquitectura del Siglo XX, Varios autores.(Ed.Taschen)

Fotografías: las mismas y la red

Mi "BICENTE" en Casares







Finalizamos los murales en el Paseo del Bicentenario en Carlos Casares. Realmente fue una experiencia enriquecedora y muy alentadora en cuanto a la tenacidad y espíritu solidario que han tenido mis alumnos, los albañiles y las autoridades municipales al encarar obras de éste tipo, lejos de mezquinar presupuesto para su concreción. Al mismo tiempo saludo a los colegas del grupo "A" que han hecho una obra estupenda, con mucha calidad técnica.
En la próxima publicación subiré fotos de los murales que ha coordinado Carina Monasterio en el pueblo Smith del mismo partido, junto con docentes y alumnos de escuela primaria.
Salute.MC

ARTE PÚBLICO en el BICENTENARIO ARGENTINO


Art Buzz (Bangalore) 5Scripts.1Plot.


El Hospital de niños Garraham I UN Arte solidario (de calidad)




Mi amigo "el negro" Profesor Raúl Ruiz Leguizamón junto con alumnos del IUNA en una clase abierta de solidaridad traducida en arte mural.

SPRANG

El seminario programado anteriormente para el 29 de Mayo se posterga para el sábado siguiente
Ahi va toda la información
Muchas gracias!

Sábado 5 de Junio
SPRANG

Profesora: María Belén Gómez

Teoría:
Técnica de alta elasticidad, donde las urdimbres se torsionan o entrecruzan entre si.

Práctica:
Entrelazado. Ojales. Cambio de dirección horizontal y diagonal.
Entrepasado oblicuo. Torsionado oblicuo. Intertorsionado oblicuo.
Sprang tela doble.

Materiales:
Bastidor de 50 x 70 cm, aprox. 2 varillas de 50 cm. 4 varillas de 30 cm o similar. Cordón de algodón o lana de dos cabos bien torsionada. Piolín de algodón. Tijera.

Sábado 5 de Junio
de 9,30 a 16 hs.
Mons. Alberti 1080. San Isidro.
4743 2734 / 1554699450
Costo: $120


Incluye fotocopias, almuerzo y refrigerio.


Informes e Inscripción:
María Belén Gómez
4743 2734 / 15 5469 9450

mariabelengomez@hotmail.com


Death of a Directive

The Weekly Standard is a journal of politics and political opinion, though it does retain space for art and book reviews. The current (31 May 2010) issue veers off-character in that it contains an unusually long (for the magazine) article about the Barnes collection that's on its way from Merion, PA to downtown Philadelphia. It's "No Museum Left Behind" by Lance Esplund, and a link is here.

I'm puzzled why the article even appeared in The Weekly Standard, given that's it's neither a political piece nor a book review. But it got published and it's worthy of comment.

Being long, it manages to touch on several themes. One deals with Albert Barnes and his take on art, especially the progression of traditional painting to modernism via French Impressionism. He tended to consider all of this part of a greater whole rather than distinct aspects, according to the article. This is why he mixed paintings of different vintages on the walls of his museum.

Esplund also discusses Impressionist and modernist artists -- Cézanne, Matisse and Renoir especially -- at some length.

Then he reacts in horror to the moving of the collection from the suburbs to Franklin Parkway -- this in total contradiction to Barnes' wishes and directives. To me, this is a regrettable fate suffered by most charitable foundations -- a conservative or traditionalist sets aside money that eventually funds projects that would totally repel him (think Ford Foundation, Pew, etc.).

Finally, Esplund riffs on what he considers the self-destruction of art museums in their seeming goal of maximizing attendance.

So many themes are touched on, I find it hard to comment. I'll note that I lived in the Philadelphia area for the better part of three years while at Dear Old Penn and knew of the Barnes collection. At the time (late 60s) it was difficult for people to view the collection; limited numbers allowed in, red tape of other sorts perhaps -- I forget. In any case, I had dropped my interest in art to the level that visiting the Merion facility seemed more trouble than worth, and I never went there.

I do think that putting the collection near downtown Philly makes the art far more accessible than it was. On the other hand, I don't like the business of contradicting the intent of the benefactor. So, on balance, I think the move is a mistake though I'm not as upset about it as Esplund seems to be.

The world is filled with ambiguous situations, isn't it?

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A look at the art market – reports suggest that confidence is slowly returning


(By Nalini S Malaviya)

Even as speculations regarding the art market continue to make the rounds, a recent report on the Indian art market suggests that there is an overall increase in the confidence indicator compared to last year. It is noticed that the positive sentiment is on the rise. It has also been observed that the gap in confidence between the modern Indian and the contemporary Indian art market is widening, with the former measuring 51% higher than that for the contemporary Indian art market. Again, this may not be surprising as the modern artists have an established and a proven track record compared to the contemporaries.

Most readers will agree to this trend and may have arrived at a similar analysis themselves, based on the existing situation, and by also taking into account the fact that the economic situation is on the revival. Most collectors and investors who have invested in the art market will also be relieved to see the first positive signs, which are based on actual facts and figures.

The overall drop in confidence last year that was projected by various market reports based on statistical data and analysis resulted in a further slowdown of the art market where sales were negligible. In fact, in this phase not only were the sales affected, but also the number of art activities such as exhibitions and other events had gone down considerably. Now that the sentiment seems to be turning towards a positive note, it is also possible that some of the speculators may decide to make a comeback in the art market, once again. Although, this is likely in any market which is poised to grow over the years and one may have to wait and see how it eventually affects the overall art market in the long term.

Although, these are early signs of recovery and will help in creating a buoyant mood, it would be wise to adopt a slightly cautious approach in the interim, before investing huge amounts in the art market.


(Published in Financial Times)

Art Matters


(By Nalini S Malaviya)


Now that summer is here, everywhere art activities are on the decline. Fortunately in Bangalore, we are at the fag end of the warm season, but most other places across the country are feeling the heat as temperature continues to rise. As most of you must be aware by now, art exhibitions dwindle considerably in number during this period and start picking up only after June.

Recently, nothing much of interest has come my way, except for the following exhibitions, which should be worth seeing - select works by Gieve Patel at Gallery Chemould in Mumbai, The Silent Expression - paintings and prints by Kanchan Chander at Icon Art, Hyderabad, and the show Fables & History by Maya Burman and Binoy Varghese has been extended at Gallerie Nvyā in New Delhi.

I also wanted to share this little bit of information about a talk and presentation on Career in Art Education, which will be held tomorrow at Gallery BMB in Mumbai. The talk will be delivered by Phil Whittaker, Director of Sotheby’s Institute of Art, Singapore and will include an overview of the international art markets and a presentation on potential career opportunities in the global visual arts market. Sotheby’s Institute of Art organizes a number of professional courses in art throughout the year and these vary in duration from a few days to a fulltime master’s program. The reason that I have mentioned it as part of this column, even though it is not being held in Bangalore, is because I feel strongly about the lacunae in our arts education system. As I have often suggested in the past, there is a real need to revamp and upgrade our educational programs, especially those related to the art business. After all, the art business has grown phenomenally in the last decade or so, yet apart from the regular art history and painting courses, there are hardly any other programs that cater to the affiliated services linked to art, such as art advisory services or the business aspects of the art market.

Fortunately, there is a lot of discussion going on about professional courses that can be offered in conjunction with the conventional ones at a number of academic institutes, however, how many of these will get translated into reality, we will know only in the future.


(Published in Bangalore Mirror)

Used Art Books

I seldom buy used books. My book-buying sweet-spot is a remaindered book at a nice discount from the original suggested price. Still, from time to time I feel that I really need to possess a book that's been out of print so long that new copies are non-existent and the chance of a new edition seems close to nil.

Examples are the two editions of Frank Wootton's "How to Draw Cars" from the early 1950s. I never bought them when I was young, finally indulging myself last year with used copies shipped from Australia and England.

This was fine because the Wootton books were illustrated in black-and-white. Old books about painting are another matter because paintings are in color and it's important for apprentice-painter me to view another artist's color usage as accurately as possible. The problem here is that color reproductions from 15-20 years ago and before had what I consider iffy quality.

This means that while I can locate on the Internet some pre-1990 books about obscure artists that interest me, I'm not willing to buy them because I'm unsure if the reproductions will be helpful.

Now that we're in the age of digital photography, it's possible to visit museums friendly to non-flash picture-taking and get needed details to store on one's computer -- the main problem being to get to the desired museums.

The Internet is rapidly becoming a useful source for viewing reproductions, but matters of copyright, the fame of the artist and policies of museums and galleries have kept it in mixed-bag status.

Despite the problems and limitation noted above, art students and fans are vastly better off than they would have been 150 years ago when just about the only source of information regarding distant paintings consisted of engravings.

As for old art books, I'll probably buy one from time to time. But only when the text is important or the art was monochrome in the original.

[Cross-posted at 2Blowhards.]

LAS ARTISTAS IGNORADAS DE LA BAUHAUS.




ESBOZO PARA ALFOMBRA


Trabajaron junto a ellos en la vanguardia y por la modernidad, firmaron obras, proyectaron edificios, diseñaron, revolucionaron con nuevos materiales, realizaron diseños textiles y trabajaron el metal, pero aún así cuando hablamos de la Bauhaus, inmediatamente visualizamos a Gropius, Van der Rohe, Klee y muchos otros artistas todos ellos masculinos.

Como en tantas ocasiones los nombres femeninos están ausentes en los trabajos que se encuentran sobre esta Escuela y pocos son los que reconocen que, en muchas ocasiones, las obras que se han paseado por el mundo como bandera de vanguardia artística y de diseño, salieron de las manos de las mujeres de la Bauhaus.



TEJEDORAS EN EL TALLER



Aún hay más, muchas artistas contemporáneas de la Bauhaus no estuvieron integradas en ella, aún siendo parte indiscutible del panorama artístico, como es el caso de Delaunay (en este blog entrada día 8.mayo 2010), por el hecho de ser mujeres. Todas ellas son las grandes olvidadas y para que sus obras y talento hayan sido conocidos han tenido que pasar muchos años.


Indudablemente la concepción machista de la escuela fue el factor fundamental, porque la Bauhaus fue revolucionaria en sus conceptos artísticos y en su modo de llevar adelante la enseñanza, pero en cuanto a la mujer, como sucede en ocasiones, las ideas progresistas no estaban a la par.


También otros factores se unieron para que la mujer pasara a un segundo plano. Mientras recopilaba información para esta entrada recordaba que en una anterior. (Surrealismo y la mujer 8 de marzo 2010) llegue a parecidas conclusiones. En algunos casos a las propias mujeres les daba miedo estar en primer plano.



DISEÑO de SILLA de EILEEN GRAY



He encontrado una anécdota más que significativa. Dicen que una vez Le Corbusier dibujó unos trazos en una casa diseñada por Eileen Gray, arquitecta y diseñadora. Se fotografió delante y de inmediato la casa se la atribuyeron a él. Gray rompió con él pero se cuidó mucho de montar un escándalo o de reclamar la autoría.

Hay muchos más ejemplos del machismo imperante en la Escuela. Cuando se creó la Bauhaus, sus fundadores comprobaron que la mitad de los alumnos eran mujeres, algo que les horrorizó, pues según su director Gropius, esto daba a la escuela fama de lugar de aficionados. Así que no cejó en el empeño de reducir el número de mujeres hasta que consiguió que éste no superara un tercio de matrícula.



CONTRASTES de MARIANNE BRANDT


Muchas son las mujeres que pasaron por la Bauhaus y que se vieron discriminadas, pero como es lógico en ese número de alumnas hubo grandes investigadoras y artistas, aunque desgraciadamente pocas profesoras.


Entre las excepciones encontramos a Gunta Stölzl, que fue alumna, profesora, maestra de taller y finalmente directora del taller de Textil.


Pero es que el Taller Textil de la Bauhaus tuvo una importancia singular.


ESBOZO PARA ALFOMBRA de GUNTA STÖLZL


Cuando Gropius insistió en reducir el número de matrícula femenina, lo hizo de manera que no se hiciese mención especial entre el sexo fuerte y débil, aunque el así los denominaba, porque no quedaba políticamente correcto y se le ocurrió potenciar ante las mujeres el taller textil, el de alfarería y algún otro, dejando el diseño industrial, escultura y por supuesto arquitectura para el sexo masculino.

En una carta datada en febrero de 1921 y firmada por Walter Gropius dice lo siguiente:

“Según nuestra experiencia no es aconsejable que las mujeres trabajen en los talleres de artesanía más duros, como carpintería etc. Por esa razón en la Bauhaus se van formado talleres marcadamente femeninos como el que se ocupa de trabajar con tejidos. También hay muchas inscripciones en encuadernación y alfarería. Nos pronunciamos básicamente en contra de la formación de arquitectas.”


TEJEDORA TRAS LA URDIMBRE


No se muy bien lo que diría el, en aquel tiempo, tan progresista Walter Gropius si viera el panorama actual, sobre todo en nuestro país, con sus Facultades de Arquitectura a rebosar de futuras arquitectas y con nombres femeninos en los mejores estudios de arquitectura.

Así que es bien cierto que cuando Mies van der Rohe en 1930, se convierte en director de la Bauhaus, ésta era prácticamente una escuela de arquitectura y cada vez había menos espacio que permitiese a la mujer destacar.



CENICEROS EN METAL



Fueron muchas y en diferentes disciplinas las artistas que allí se formaron y que salieron adelante. Imposible dejar aquí todos sus nombres pero sí nos vamos a detener en la obra de algunas

Algunos de los nombres que voy a añadir lograron sobresalir solamente una vez fuera de la Escuela.


Puesto que Gunta Stölzl fue de las pocas que llegó a convertirse en directora de un taller comenzaremos por ella. Por eso y por ser precisamente el más emblemático taller entre las mujeres. El de Textil. Fue figura indispensable por haber sido parte de la escuela desde el principio, pero aún así le costó conseguir ese puesto. Mujer de grandes recursos fue además la prueba de que la mujer podía hacer carrera en la Bauhaus. Pese a reconocer las grandes dificultades con las que se encontraron, trabajó e hizo trabajar la imaginación de todas las participantes en los talleres para experimentar con todo aquello nuevo que podía dar lugar a nuevas creaciones.



ESBOZO PARA CORTINA



Acosada por los simpatizantes nazis por su matrimonio con un judío, en 1931 abandonó la Escuela y fundó su propia empresa de tejidos en Suiza.



Anni Albers llegó a la Bauhaus en 1922 como estudiante. Animada por su propia familia que vieron en ella las grandes cualidades para el dibujo y la pintura tuvo que matricularse en el taller textil puesto que fue lo único que le permitieron. No obstante allí encontró su estilo. Experimentó con nuevos materiales para tejer, con coloridos innovadores, diseño para papel, con el lino y el algodón. Todos estos materiales en manos de una persona de tal creatividad dieron como fruto obras de gran belleza.




DISEÑO PARA TINTERO Y PLUMA EN ALPACA de BRANDT



Marianne Brandt, que trabajó el metal, fue de las pocas que se hizo un nombre durante la estancia en la Escuela. Sus lámparas en forma de globo han sido durante años un icono del diseño y una seña de identidad de la Bauhaus.



AUTORRETRATO DE MARIANNE BRANDT


Fue de las pocas activas con ese material. Su línea elegante, sencilla y funcional fue parte de la imagen de la Bauhaus. Es fácil encontrar aún hoy en día, ceniceros, juegos de té y artículos que se inspiran en sus diseños. Cuando la escuela cerró, su nombre siguió en primera fila. Posteriormente, en Berlín Este, impartió clases pero no volvió a trabajar el metal. Se dedicó al cuero, la cerámica y la escultura.



Marguerite Friedlaender-Wildenhain, ceramista, también alcanzó éxito, una vez fuera de la Bauhaus, en EEUU.


CERAMICA de MARGUERITE FRIEDLAENDER



Lilly Reich nacida en Berlín, fue una arquitecta autodidacta e interiorista. Fue socia de Mies van der Rohe para la exposición de Barcelona de 1929 y también para la de Berlín en 1931. También llegó a dirigir un taller de interiorismo en la Bauhaus pero fue por breve tiempo puesto que era la época en que los nazis censuraron la Escuela.

Fue creadora de interiores considerados de los mejores de la Historia de la Arquitectura del siglo XX.


Eileen Gray fue otra arquitecta y diseñadora irlandesa. Con el rumano Jean Badovici firmó importantes proyectos. Junto a el realizó la villa E-1027. El era editor de la revista L’Architecture Vivante, que publicó un número especial sobre esa casa titulado “E-1027 Maison en bord de mer”.


Tanto Eilen Gray como Charlotte Perriand, innovaron el diseño de muebles en Francia.




CHAISE LONGUE de PERRIAND



Perriand se tituló en la escuela de la Unión Central de Artes decorativas y ya a los 24 años se dio a conocer con obras en acero cromado en el Salón de Otoño de 1927. Más tarde seguiría su andadura con Le Corbusier. Con éste y con Pierre Jeanneret quedaron a cargo del “equipamiento de la habitación” del salón de Otoño. Se entiende por equipamiento las sillas, mesas y estanterías. .

Entre su intensa y muy abundante obra podemos atribuirle una bien conocida: “ chaise longue”, con tubos de acero y piel de potro.




SPOT CON CHARLOTTE PERRIAND



La fotografía nos recuerda a un spot de los años 30. La chica que aparece en el spot es la propia Charlotte que posa sobre la silla tradicionalmente atribuida a Le Corbusier. Una obra que ella había diseñado por encargo del famoso arquitecto cuando trabajaba en su Estudio.


Charlotte Perriand, desarrolló ya en aquel tiempo un diseño de muebles desde una perspectiva que contempla problemas fisiológicos y funcionales. Fue una artista avanzada en su tiempo.


Tuvo que pasar tiempo hasta que Centro Pompidou parisino estudiara la obra de la diseñadora y arquitecta que había firmado algunas de las piezas de mobiliario más emblemático del siglo XX. Sólo entonces fue colocada en el lugar que le correspondía en la historia del Arte y el Diseño. Otra mujer maltratada por la historia.




JUGUETES DE CONSTRUCCIÓN de ALMA SIEDHOFF-BUSCHER


Muchas mujeres de la Bauhaus simplemente desaparecieron sin dejar huella. Otras como a Otti Berger se le perdió la pista cuando no pudo conseguir un visado para ver a su madre en Yugoslavia. Más tarde se supo que siendo judía había muerto en Auschwiz en 1944. También se logró saber que Alma Siedhoff-Buscher, diseñadora de juguetes ,murió en un bombardeo.

Unas desaparecieron por el correr del tiempo y otras muchas fueron ignoradas como tantas y tantas mujeres que realizaron su obra a la sombra de los artistas hombres.



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Fuentes consultadas:

Bauhaus. Ed.Jeannine Fiedler y Peter Feierabend

Historia del Arte E.H.Gombrich

La red.

Fotografías: las mismas