Bose says ‘NO’

(By Nalini S Malaviya)


Bose Krishnamachari, an artist, curator and a recently turned gallery owner, wears many hats with panache, and is now in the news for his solo exhibition that is currently on at 1x 1 Art Gallery, in Dubai. The title of the exhibition NO is unequivocal and emphatic, in characteristic style. Interestingly, in his curated shows too, the titles are clear and uncluttered. Based in Mumbai, Bose is a familiar and critically acclaimed name in contemporary art.

LaVA

Amongst his notable shows that come immediately to one’s mind is LaVA, (laboratory of visual arts), an installation, which was exhibited in Bangalore about four years ago at Gallery Sumukha. LaVA is essentially a mobile library that contains books, DVDs and CDs on a range of visual art practices such as cinema, architecture, design, fashion, cultural studies and philosophy, along with some of his collection of art objects. The archival project relooks at dated systems of disseminating information and knowledge and aims to redefine access.

NO

It is part of our vocabulary incessantly and has a powerful connotation, but how we choose to interpret it can make all the difference. According to Bose, “In Indian agnostic philosophy there is a constant denial of the apparent to reach out to the implied truth… The notion of ‘NO’ played up here therefore becomes a juncture of negotiation with the reality.” And, thus the artist elects to convert the negative monosyllable into a tool for positive change, and has expanded the concept to encompass wider issues of war, politics and identity in the artworks.


The exhibition features Stretched Bodies installations, a shelf Roots + Map = Mondrianity, White Ghost and the Red Carpet, No + No = Yes, Minus + Minus = Plus, Long Live! (Andy Warhol), Long Live! (Gandhi)and a few other works with equally intriguing titles. Following his maxim of going ‘maximum’, the Stretched Bodies series is a psychedelic set of paintings with maximum colour, texture, line, form and accidents. The Mondrian inspired shelf, an architectural work, which appears to be a map or a tree traces the journey of an artist in search of the ‘roots’ and extremities of existence. “The classificatory mode of mapping and grid creation puts events, imagination and ruminations into a system of global knowledge, which the artist would love to deal with again and again in his works (as seen in LaVA),” he explains.

In essence, the exhibition is about reaffirming faith in oneself, introspecting and being able to stand up for one’s beliefs. At the same time, ‘NO’ as a whole is a re-looking at history. Though contemporary art does not anchor itself much on history, Bose recognizes that any art produced at any point of time cannot move away from history. The works presented in the show speak of history of the contemporary world, history of both war and peace, of both justice and injustice and above all the human beings’ die-hard fight for equal rights to live and justice.

Bose who was guest curator at ARCO Madrid 2009 is currently curating a ‘show within a show’ called the Indian Highway which is going on in Denmark.


(Published in Bangalore Mirror)

TEJIDO EN CHAQUIRAS


Sábado 15 de Mayo
TEJIDO EN CHAQUIRAS

Profesora: Delia Velis

Teoría:
Las chaquiras o pequeñas cuentas perforadas para su enhebrado se usaron y se usan actualmente en toda América. Desde los inicios de la textilería se utilizaron semillas, conchas de moluscos, cerámica, hueso, madera, piedras blandas como azabache, malaquita no faltó la plata y metales blandos. Durante el siglo XIX los trabajos manuales con cuentas alcanzaron su mayor apogeo y estas labores hoy son consideradas y valoradas como antigüedad. Luego de la conquista se introducen las cuentas de vidrio o mostacillas, hay distintas clases y tamaños. También la basta y enorme escala de colores nos lleva a descubrir el encanto de enhebrar y tejer con cuentas.

Práctica:
En este taller se realizarán: sartas simples, lazo, con color, con forma, alterno 1/1 también llamado pellote, enlace 3/3/1,5/5/1, sarta con forma de margaritas, sarta tubular y tejido con cuentas. Al finalizar estas prácticas cada una elegirá una técnica o varias para crear un trabajo final.

Materiales:
Mostacillas de colores de distintos tamaños, hilo sintético, agujas para mostacillas, tijera, enhebrador de agujas, un paño de color (puede ser una franela), cuaderno para tomar nota.

Sábado 15 de Mayo
de 9,30 a 16 hs.
Mons. Alberti 1080. San Isidro.
4743 2734 / 1554699450
Costo: $120


Incluye materiales, fotocopias, almuerzo y refrigerio.

Informes e Inscripción:
María Belén Gómez
4743 2734 / 15 5469 9450

mariabelengomez@hotmail.com

Tejido WICHI


Sábado 8 de Mayo
TEJIDO WICHI

Profesora: Ingrid Malbranc

Teoría:
Conocimiento de la técnica de malla. Es una técnica pretelar empleada por los aborígenes de la región chaqueña.

Práctica:
Técnica de enlace simple o anillado simple y técnica de enlace compleja o en "ocho utilizada para la confección de las yicas.
Realización de un dibujo simple.
Para los que ya dominan el enlace en "ocho" : confeccion de una yica y enlace de cierre o kanatek

Materiales:
Un bastidor chico o mediano
Los demás materiales están incluidos

Sábado 8 de Mayo
de 9,30 a 16 hs.
Mons. Alberti 1080. San Isidro.
4743 2734 / 1554699450
Costo: $120


Incluye materiales, fotocopias, almuerzo y refrigerio.

Informes e Inscripción:
María Belén Gómez
4743 2734 / 15 5469 9450

mariabelengomez@hotmail.com

CURSO INTENSIVO DE FIELTRO NUNO

Por Maria de los Angeles Zarantonello

Sábado 8 de mayo 10 a 17 hs
Temario:
• Análisis de diferentes tipos de paños de fieltro Nuno realizado sobre fibras naturales.
• Experimentación en forma individual sobre distintos tipos de seda y algodón. Inclusiones.
• Realización de bordes, flecos y encaje.
• Preparación de un paño de algodón de 1.50m x 0.30m con vellón de colores.
• Amasado y terminación.
• Análisis de las piezas.

Arancel: $200
Incluye: todos los materiales, apuntes, almuerzo y refrigerio.

Dirección: Los Andes 5 local 1. General Pacheco. (Frente al Colegio Xul Solar)
CUPOS LIMITADOS

Informes e Inscrición:

María de los Angeles Zarantonello
mzseda@fibertel.com.ar
1554190259

Alejandra Deppe
sonkotelar@gmail.com
47402577

Art Buzz (Mumbai) Nilima Sheikh

ANITA MALFATTI, artista incomprendida.


La pintora Anita Malfatti, Sao Paolo1889, fue una de las más importantes artistas brasileñas modernas. La importancia de las mujeres artistas en el Arte de Latinoamérica es evidente cuando estudiamos su historia. Al igual que Tarsila do Amaral (entrada Blog 19 junio) y de tantas otras, fue sin duda una abanderada del arte nuevo.


FARO



Malfatti, de clase social acomodada, viajó mucho y animada por su familia estudió arte en Alemania. Una atrofia en su brazo derecho le hizo aprender a pintar con la mano izquierda y no impidió que siguiera adelante con la pintura hacia la que sintió una clara disposición desde muy joven. En la Academia Real de Berlín asistió durante tres años a clases de grabado, pintura y diseño y conoció a los principales maestros del expresionismo, algo que se iba manifestar claramente en su obra. Durante la primera guerra mundial se instaló por una temporada en Nueva York donde trabaría amistad con Duchamp.



LA MUJER DE LOS CABELLOS VERDES



Todas sus exposiciones serían controvertidas, desde esa primera realizada en Brasil después de su regreso en 1914, que provocaría una sacudida en el Arte.

Tras su vuelta a Brasil pasa a Nueva York dónde conocería, además de a Duchamp, a otros artistas y a Homer Boss de la Escuela Independiente de Arte que iba a influir poderosamente en su obra. También fue en Nueva York donde toma contacto con el cubismo. En esta ciudad realizó un gran trabajo sobre el estudio de la anatomía y también en esta ciudad realizaría las obras consideradas el punto culminante de su carrera, “Boba” y “Torso”



TORSO


Las obras de esta época se encuentran entre el expresionismo y el cubismo, aunque sería el primero el que iba a dominar en sus lienzos. Su obra de colores en combinación libre y con distorsión de las figuras fue duramente criticada . El crítico Monteiro Lobato comparó cruelmente sus cuadros con los realizados por los internos de un manicomio. Esto causaría en ella tal confusión que dejaría de pintar. No obstante otros críticos como el poeta Oswald de Andrade, muy cercano a los futuristas, la defendió. Malfatti tuvo muy estrecha relación con Tarsila do Amaral y con el escritor Mario de Andrade, con el que mantuvo amistad hasta la muerte de éste.



LA BOBA

Poco a poco se sobrepuso y volvió a la normalidad retomando la pintura y, como no podía ser de otra manera, tomó parte activa en la Semana de Arte Moderno realizada en 1922 en la que colaboraron tantos y tantos artistas e intelectuales, desde artistas plásticos hasta poetas y narradores en una tentativa de romper con un academicismo europeo y de descubrir el alma brasileña. Entre aquellos artistas estaban nombres muy importantes como Clarice Lispector, y sus amigos Mario de Andrade, Oswald de Andrade, el pintor Di Cavalcanti y Tarsila do Amaral, así como muchos colaboradores.



HOMBRE AMARILLO



Con una bolsa del Gobierno viaja a París en 1923. Allí también coincidiría con Di Cavalcanti , con Tarsila y Oswald de Andrade así como con los intelectuales del momento.

Al retornar de nuevo a Brasil en 1928, organiza muestras de pintura y aulas de enseñanza y en 1937 fue Directora de la Unión de Artistas Plásticos. Comienza a abandonar el expresionismo. Después de la segunda guerra mundial su obra da un giro y se vuelve más espontánea y con más carga de fantasía.



TROPICAL


La obra de Anita no podía dejar indiferente a nadie, como sucedió con todos los expresionistas. En general fueron artistas que tuvieron una admiración total o por el contrario un fuerte rechazo. No había término medio. En el caso de Malfatti, su obra no fue tan radical como la de estos, pero lo suficiente para conmocionar el mundo artístico de Sao Paulo y sobre todo, para despertar el enfado de los círculos conservadores. El rechazo a los nuevos movimientos hizo que las críticas se centraran en ella y aunque recibió el apoyo de jóvenes intelectuales, esas críticas la marcarían profundamente y consiguieron que su valentía artística fuera sustituida por una actitud mucho más moderada y se centrara en temas mucho menos representativos que los de la vanguardia.



JAPONES


La obra de Malfatti no progresó por el camino revolucionario que había iniciado, pero sirvió para que un grupo de jóvenes artistas abrazaran esas ideas revolucionarias modernistas y se revelaran contra las ideas academicistas.



COLORIDO



En los últimos años de su vida parece que encontró la paz con una obra que pasó a mostrar una factura entre ingenua y folklórica, centrada mucho más en retratos, flores y paisajes. En 1949 se realizó en Sao Paulo la primera retrospectiva de su obra.


Anita Malfatti murio en Sao Paolo en 1.964, pasando a la Historia del Arte como otra de las mujeres artistas que tanto peso han tenido en la historia del Arte americano.




ANITA MALFATTI




NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.



Fuentes consultadas:

Archivo.

Arte Latino americano siglo XX (Sullivan)

Arte Latino americano sigloXX (E.Lucie-Smith)

Fotografia:

Las mismas y la red.

Art Buzz (Bangalore) Irreverent Gene


A few images from the show, Irreverent Gene


Alok Bal


Prasanta Sahu


Pratul Dash

Rajiba Lochan Pani


Apurba Nandi


Birendra Pani


Debraj Goswami


Heeral Trivedi


AMELIA PELÁEZ. Pionera del modernismo en Cuba




LAS BARCAS 1930

A Amelia Peláez se la puede considerar la pionera del modernismo en Cuba. Nacida en Yaguajay (Cuba) en 1896, se trasladó con su familia a La Habana en dónde ingresaría en la escuela de Bellas Artes San Alejandro graduándose en 1924 y viajando a EEUU donde estudió durante un periodo en el Art Students Leage de Nueva York becada por la Asociación de San Fernando.

Fue en 1927 cuando viaja a Europa y se establece en París. La capital francesa era en ese momento una amplia y golosa oportunidad para cualquier artista y también lo iba a ser para Amelia. Inicia estudios con la pintora rusa Alexandra Exter.


NATURALEZA MUERTA OCRE 1933


Amelia Peláez iba a conseguir un equilibrio entre modernidad y sus raíces cubanas, porque Peláez, además de regresar a su isla con el germen del modernismo, llevaba también en ella lo que iba a ser su estilo en el futuro. Las enseñanzas adquiridas en París, integradas a aquello que siempre llevó y conservó, la luz y los colores del trópico. Ese estilo que quedaría bien definido se manifestaría en la obra que iba a centrarse sobre todo en sus naturalezas muertas de trazo muy marcado y fuerte colorido.


FRUTERO 1947


Además de su personalísima pintura, Peláez fue una artista versátil y redescubrió a la vuelta de sus viajes por el mundo la arquitectura cubana, siendo también una pionera en la recuperación del barroco cubano cuyos elementos introdujo en ocasiones en su obra.

Trabajó el mural y experimentó con la cerámica en la que fue una experta.


ANGEL 1945


Su vida artística fue una sucesión de logros y de aprendizajes. Estando en París recibe una beca para hacer estudios sobre museos de Francia. En esa época, viaja por Italia, España, Alemania y Hungría y además de los estudios con Alexandra Exter asiste a la École Nationale Supèrieure de Beaux Arts y a la École du Louvre. La galería Zak de París le acogería en exposición individual en 1933.


MUJER 1933


En 1934 regresa a Cuba dónde va a participar activamente en el movimiento de artistas modernos cubanos.

Y es a partir de 1936, ya instalada en La Habana, cuando comienza la elaboración de sus bodegones. Son lienzos inconfundibles de composiciones de frutas y flores con elementos de esa arquitectura colonial que había vuelto a descubrir.


INTERIORES 1945


Recibe numerosos premios, como el del Salón Nacional de La Habana entre otros y en 1940 participa en la exposición colectiva “El Arte en Cuba”.

También colabora en revistas dirigidas por Lezama Lima.

En 1943 se realiza su retrospectiva y en 1948 realiza su segundo viaje a Europa al que iba a seguir un tercero en 1949.


RETRATO 1946


Fue en 1950 cuando comenzó a interesarse por la cerámica. Posteriormente, en 1955 abriría un taller de cerámica en el barrio de La Víbora de La Habana.

La autora María Elena Cubrías ha recogido en un interesante libro de título “Amelia Peláez cerámica” sus obras en barro.


CERAMICAS


En su faceta de muralista trabajó estos de forma individual y también de modo colectivo.


MURAL PARA ANTIGUO EDIFICIO ESSO 1941


La obra de Amelia Peláez reúne en todas sus disciplinas, el modernismo y lo genuino de su tierra.


MAR PACIFICO 1943


En la pintura de la Peláez se consideran tres etapas, la académica, período comprendido entre 1924 y 1927; la de París y el modernismo, 1927-1934; y ya en Cuba, la definición y desarrollo de una estética, 1934-1968.


GUNDINGA 1931

De la primera nos deja los paisajes y alguna que otra obra que aun no está integrada en la vanguardia.

En la fase de París se vislumbra el modernismo. Esos años europeos son fundamentales en su obra para germinar el trabajo que más tarde realizaría de vuelta en Cuba y para que su labor pictórica, cerámica y de murales alcanzase su factura personal e inconfundible.


NATURALEZA MUERTA CON PECES 1947


Murió en La Habana en 1968, dejando una obra rica y representativa que se puede admirar en muchas colecciones particulares y por supuesto en el Museo Nacional de Bellas artes cubano.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes consultadas:

Archivo propio.

Arte Latino americano Siglo XX (Sullivan)

Creación artística y mujeres (Marián L.F.Cao)

Amelia Peláez para Exposición La Caixa.

Fotografía: Las mismas.

Seminario de Nuno Fieltro

Taller de Nuno Fieltro
dictado por Maria de los Angeles Zarantonello
en la zona de Palermo.
Club Palermo, Fitz Roy 2238. Capital
Sábado 24 de abril de 10,30 a 17,30hs
Informes:
mzseda@fibertel.com.ar
1554190259

Art Buzz (Bangalore) Irreverent Gene



Art Buzz (Bangalore)

Seminario de Kumihino

Sábado 24 de Abril
SEMINARIO:
KUMIHIMO

Profesora: Mirta Bagnon

Teoría:
El kumihimo es un trenzado que fue introducido en Japón por los chinos en el siglo 4, y comenzó su uso como correas para las armaduras de los samurais y a posterior se difundió su uso en la población.

Desarrollo:
Usaremos telarcitos redondos y cuadrados o rectangulares confeccionados con cartón.
Haremos trenzados redondos y chatos.
Realizaremos trenzas de 4,8 y 12 cabos con variantes de colores y materiales
Se realizará una pulsera.

Materiales: Incluidos
Podemos usar gran variedad de lanas , cordones de seda y de algodón, perlas, mostacillas, etc.

Sábado 24 de Abril
9,30 a 16,30 hs.
Mons. Alberti 1080. San Isidro.
4743 2734 / 1554699450
Costo: $120

Incluye Materiales, fotocopias, almuerzo y refrigerio.

Informes e Inscripción:
María Belén Gómez
4743 2734 / 15 5469 9450
mariabelengomez@hotmail.com



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Próximos SEMINARIOS:


Chaquira, Sprang, Molas, Telar Egipcio





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Seminario de FIELTRO

TRAMA URBANA
Invita:
Seminario de FIELTRO AMASADO
Sabado 17 de abril 2010
10hs. a 15,30hs.
Con materiales y almuerzo incluidos
Costo:$135
Reserva de vacante
43049265* 1540927989
marielatextil@hotmail.com
Santiago del Estero 1586. CABA

Frivolité a la aguja




10 de abril
Frivolité con aguja

PARA QUIENES LES GUSTA LA TECNICA Y LES CUESTA HACERLO CON LA NAVETA, Y PARA QUIENES GUSTAN DE PROBAR NUEVAS MANERAS, LES PPONEMOS TRABAJAR FRIVOLITÉ CON AGUJA.

El frivolité es una variedad de encaje. Se lo encuentra con el nombre de "encaje a la lanzadera" en España, "tatting" en Gran Bretaña, "occhi" en Italia y "makuk" en Oriente. Técnicamente es una sucesión de nudos y baguillas sobre un único hilo, enhebrado en una o dos lanzaderas. En la propuesta de este seminario es utilizar una aguja en lugar del hilo que sale de la lanzadera para simplificar algunos movimientos y permitir mayor facilidad en el desarrollo.
Se pueden realizar distintos tipos de puntillas para las terminaciones de diferentes prendas y objetos. Actualmente se está recuperando su uso para aplicarlo en bijouterie.

Sábado 10 de abril de 15 a 19 hs.
$60 por persona (inluye materiales y apuntes)

Vacantes limitadas
Informes e Inscripción: Alejandra Deppe
4740-2577/ 1562486451
sonkotelar@gmail.com
More information, visit : sonkotelar

Empezando el año

Sábado 13 de Marzo
SEMINARIO:
Tejido en HORQUILLA

Profesora: Mirta Bagnon

Teoría:
El tejido en Horquilla debe su nombre al uso de una horquilla para su ejecución( en forma de U). Se tejen tiras, que luego se unen entre sí realizando cortinas, carpetas, sacos , mantas para bebes, remeras , etc.
Es de fácil uso y se puede usar cualquier material para ejecutarlo.

Desarrollo:
Presentacion de la Técnica
Aprendizaje del Punto Básico
Diferentes tipos de Uniones
Confección de una chalina

Materiales: Incluidos

Sábado 13 de Marzo
9,30 a 16,30 hs.
Mons. Alberti 1080. San Isidro.
4743 2734 / 1554699450
Costo: $120

Incluye Materiales, fotocopias, almuerzo y refrigerio.

Informes e Inscripción:
María Belén Gómez
4743 2734 / 15 5469 9450
mariabelengomez@hotmail.com

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Sábado 20 de Marzo
SEMINARIO:
Tintes Naturales


Profesora: María Belén Gómez


Teoría:
Preparacio de la lana y de los tintes
Clasificación de tintes
Modificadores de color
Lavado
Prueba de resistencia a la luz, la fricción y el lavado

Desarrollo:
Lavado de la lana, mordentado.
Preparación de baños de tinte.
Teñido con Cochinilla
Uso de modificadores de color
Teñido. Lavado.

Materiales: Incluidos
Si lo desean pueden traer alguna fibra para teñir: lana de oveja, vellón, lanas con sintético, seda, algodón, yute.
Traer un cuaderno.

Sábado 20 de Marzo
9,30 a 16,30 hs.
Mons. Alberti 1080. San Isidro.
4743 2734 / 1554699450
Costo: $120

Incluye Materiales, fotocopias, almuerzo y refrigerio.


Próximos SEMINARIOS:


Chaquira, Sprang, Molas, Telar Egipcio




Informes e Inscripción:
María Belén Gómez
4743 2734 / 15 5469 9450
mariabelengomez@hotmail.com

Art Encounters: THE JAPAN TOUR



TO REGISTER click here!
SATURDAY OCTOBER 9 to THURSDAY OCTOBER 21 2010

Join me, Japan specialist and art enthusiast, Anne Alene, on a once-in-a-lifetime adventure of Japan. My aim is bring alive Japan's artistic culture, people and beauty in a 12-night 13-day travel adventure.

As you may know, I am a Japan specialist designing and leading customized trips to Japan for groups and individuals, museum benefactors, art collectors and cultural organizations. I command near-native fluency in Japanese, having studied, lived in Japan, and worked between Japan and the US for over twenty years. For over ten of the twenty years I have been leading specialized trips to Japan. I hold degrees, training and certifications in Asian Studies, Japanese language, Psychology, Japanese and Western art history and contemporary art; and is also a practitioner of Omotesenke Tea Ceremony

SATURDAY OCTOBER 9 - TUESDAY OCTOBER 12

TOKYO

The tour will commence in Tokyo on the evening of Saturday October 9 at the Mitsui Garden Ginza Premier Hotel, situated near to the Ginza and Tokyo Station.

I am organizing special visits which will make the Tokyo portion of the tour a particularly rich encounter with the city’s artists and personalities. We will have exclusive access to private museums, exhibitions and collections, including an opportunity to discover Japan's expansive visions for promoting the Japanese and international contemporary art scenes.

Together we will explore the recent developments of the city, including Japan's ingenious collaboration of star architecture and international shopping , and its most convincing illustration known as Omotesando Boulevard. Omotesando is the Tokyo's Champs Elysées, where within the last five years, Herzog & de Meuron, Toyo Ito (see adjacent photo), SANAA partners Ryue Nishizawa and Kazuyo Sejima, Tadao Ando, Jun Aoki and Kengo Kuma have created a showcase of retail and residential development in collaboration with major designers Prada, Tod's, Dior, Louis Vuitton to name a few.

The unique flair that each architect has designed for these leading designers has forever transformed the shopping experience. For example, a nostalgic housing development initiated by the Imperial Household after WWII withstood earthquakes and disaster for fifty years until Tadao Ando razed the construction to create the new Omotesando Hills housing three underground levels of chic boutiques and eateries, while occupying an awkward triangular real estate plot at the center of the great boulevard’s map.

In addition, a handful of new museum complexes and galleries which debuted between 2004 and 2007 are worth exploring in the fashionable districts of Roppongi Hills and Mid-Town including the National Art Centre, Suntory Museum of Art and Tadao Ando's 21_21 Design Center. A neighborhood addition in 2004 is the Mori Art Museum which is perched on the top of the fifty-four story Mori Tower designed by American Richard Gluckman. Mori Tower and Mori Art Museum are the central pillar of Roppongi Hills, a vast 28-acre development believed to be the most expensive urban regeneration project ever undertaken and a culmination of the vision and philosophy of real estate magnate Minoru Mori.


Visiting the Tokyo National Museum of Art to delve into the art history of Japan will also be heightened by the most perfect expression of the architecture of our times, the adjacent Gallery of Horyu-ji Treasures, which is a sublime pavilion seeming to float on a sheet of water. Designed by the Museum of Modern Art’s star architect Yoshio Taniguchi, the Gallery opened in July 1999 as storage for precious Buddha statues and other ancient objects of historic significance belonging to Nara’s Horyu-ji Temple.

Gauging the artist scene of Tokyo will be crucial to the program, including visits to well-known contemporary artists, schedule permitting, and hope to include artists such as Tabaimo, Takashi Murakami, and others who have burst out onto the international scene in recent years.

In no other valid contemporary art destination is a country’s historic culture and traditions as relevant as it is in Japan. I shall be offering a variety of attractions at the beginning or end of the day’s main events. In Tokyo, these attractions will include visits to a kabuki theatre performance, a neighborhood Japanese bath house and to the "otaku" neighborhoods.

Otaku is a Japanese pulp fiction souvenir business, primarily selling anime film, manga comics, and was influential in Takashi Murakami's source materials for his popular paintings, sculptures, video works, and even for the exclusive line of Louis Vuitton accessories.

I will also offer a dawn visit to Tsukiji Wholesale Market, where the daily tuna auction is one of the most extraordinary spectacles of the city and involves a bidding frenzy matched only by the contemporary art market of our times.

We will have brunch at the Park Hyatt Hotel, famed for its views across the Kanto Plain to Mount Fuji and the famous bar where Bill Murray and Scarlett Johansson puzzled the incomprehension of an unfamiliar culture in “Lost in Translation”, before boarding the Shinkansen bullet train for the next chapters of the tour, including to Izu Peninsula, Ise Peninsula, Kyoto, and the Inland Sea for the Setouchi International Art Festival.

TUESDAY OCTOBER 12 to WEDNESDAY OCTOBER 13

KYOTO VIA IZU PENINSULA AND ISE

On our way to Kyoto, we will make a one night, two day expedition by train and coach.

Our first stop out of Tokyo will be to experience in situ the works of contemporary painter Hiroshi Senju (b. 1958) installed in a temple, situated on the Izu Peninsula along the shores of the Pacific Ocean. Senju painted the entire temple interior, executing 77 sliding panels for the for the temple, primarily images of waterfalls and landscapes, evoking the monumental force and calm, timeless presence of nature. He applies finely ground pigments of natural materials and medium to mounted handmade paper. Senju was the first Asian artist to receive an individual fine arts award at the Venice Biennale for his acclaimed Waterfall paintings in 1995. Numerous museums collect his work including MOCA Los Angeles and he is engaging in numerous projects in Japan, signifying his work as the next generation of Japanese painting to inspire both contemporary and traditional spaces.

We will spend the night on the Izu Peninsula eating traditional banquet fare and enjoying healing waters of our hot spring resort.

Our second adventure out of Tokyo will be to Ise Grand Shrine, the most important Shinto Shrines to the Japanese people and their origins. We will delve into its spiritual and historic associations and encounter its unique architecture and renewal rituals. The main structure of the Inner Shrine is designed in a special architectural style prohibited for any other, razed and rebuilt every 20 years in a rite employing artisans from all over Japan, as prayer for peace on earth.

WEDNESDAY OCTOBER 13 to SUNDAY OCTOBER 17

KYOTO

The third chapter of our tour will be to the ancient capital of Kyoto where we shall spend four nights and three days exploring a selection of its finest temples and gardens. Our stay will include visits to the moss garden of Saiho-ji, the rock garden of Ryoan-ji and to the Temple of Sanjusangendo, otherwise known as the Hall of Thirty-Three Bays. The Sanjusangendo great chamber houses a forest of gilded wooden statues and is one of the most exhilarating encounters with statuary in any civilization and the subject of an extended series of photographs by Hiroshi Sugimoto.

We will also be conducting a very special visit, still under a code name, involving an architectural landmark unknown to most visitors and only accessible by special permission, offering a once-in-a-lifetime opportunity to experience the quintessential Japanese aesthetic traditions in its absolute highest form.

Cultural activities will include a walking tour of the historic geisha neighborhoods and a private tea ceremony (sado) as taught by Sen no Rikyu which emphasizes a quiescent spirituality. We will also offer a demonstration of ancient and modern kimonos. Many private visits will be arranged by Anne, including to contemporary artists Miwa Yanagi and Tomoko Sawada, diaries permitting.

Throughout our journey will be dining venues staged to frame the vast experience offered by the Japanese palate and Kyoto promises to be an important destination to experience Japanese cuisine at its ultimate moments. Some of the finest restaurants in Kyoto boast interiors of natural landscapes of woods, water, bamboo trees, rock gardens and private tatami mat dining rooms. Various dishes are served in meticulously chosen vessels ranging from a simple lacquered bowl to a bamboo stalk.

One day will be dedicated to venturing outside of Kyoto proper to the Miho Museum and the recently redesigned Sagawa Art Museum.

The Miho Museum was designed by the distinguished architect I M Pei as a temple for the private collection of ancient and oriental art formed by Mihoko Koyama. Koyama was the spiritual leader of Shinji Shumeikai, a religion founded in 1970. With the founder’s recent death, her daughter Hiroko becomes the order’s living goddess. In a journey worthy of Indiana Jones and his quest for the Holy Grail, the museum is reached by walking along a curving tunnel cut through a mountain and across a long suspension bridge over a valley. It may be the most spectacular gateway to any museum in the world.

The Sagawa Art Museum is dedicated to displaying tea wares designed by the Raku family of 14 generations and exhibitions of leading contemporary ceramicists. Lending to a spiritual experience from the simple process of viewing tea bowls, here Japanese minimalist aesthetics and ancient tea ceremony wares have been united, including interior water features, natural lighting, rooms devoted to one or two bowls, and integrating the surrounding landscape into interior displays.


SUNDAY OCTOBER 17 to WEDNESDAY OCTOBER 20
NAOSHIMA / SETOUCHI INTERNATIONAL ART FESTIVAL

Floating on the Inland Sea of Japan and accessible only by ferry boat, the fabled island of Naoshima is one of the most surprising, and rewarding, contemporary art destinations in Asia and has become the perfect refuge for the pursuit of art on this gorgeous coastal landscape.

On the southern shores of Naoshima small island, Soichiro Fukutake, chairman of Benesse Corporation, has accumulated an extraordinary collection of masterpieces by David Hockney, Jasper Johns, Jannis Kounellis, Richard Long, Bruce Nauman, Cy Twombly, Yayoi Kusama, Tatsuo Miyajima, Hiroshi Senju, Yoshihiro Suda, Hiroshi Sugimoto and Cai Guo-Qiang. The art is displayed on the beach, in restored domestic or storage barn properties in the village, and in two museums designed by Benesse house architect, Tadao Ando.

Our hotel is situated just a short beach walk from Yayoi Kusama’s spotted yellow pumpkin, which appears to have alighted on a jetty projecting into the sea. Brightly painted sculptures by Karel Appel and Nikki de Sainte-Phalle, a glass pavilion by Dan Graham and a kinetic sculpture of moving stainless steel rods by George Rickey are studded around the garden in front of the hotel.

Another Ando projects to experience is the Chichu Art Museum opened in July 2004 and juxtaposes the work of just three artists: Walter de Maria, who has conceived a room installation worthy of the shrine of a lost civilization; James Turrell, who is represented by three light environments from different stages of his career; and Claude Monet, for whom the museum has created an arrangement of five Nymphéas paintings from the end of his career, including a wide screen Waterlily Pond diptych (c.1915-1920).

Our biggest aim while at Naoshima is to participate in the Setouchi International Art Festival, which marks the arrival of latest projects commissioned by Soichiro Fukutake including additional museums and art installations not only on Naoshima but also on seven neighboring islands

We shall be venturing between Naoshima and a few neighboring islands by private ferry, including a walk through the Inujima Refinery Museum Project (April 2008) with Yukinori Yanagi, famed for his ant farm installations of the Venice Biennale, has been working upon a new project with young star architect Hiroshi Sambuichi. The two had been working in the ruins of a former copper refinery on the small island of Inujima on one of the great Land Art reclamation projects of our time.

WEDNESDAY OCTOBER 20 TO THURSDAY OCTOBER 21

The closing chapter of the Japan tour begins with a transit from Naoshima to Osaka through the rural region of Bizen, where we shall be visit the largest kiln in the world, designed and built along medieval kiln standards by a ceramicist Mori Togaku. A visit to such a colossal structure and project will answer many questions of our prior encounters with vessels and visual aesthetics in Japanese life, cuisine and craft while visiting Japan.

Upon arriving in Osaka, we will visit the National Museum of Art which opened in new quarters designed by Cesar Pelli in November 2004. Unusually, for an architect famed for his assertive statements in the sky (including the distinctive towers of the Museum of Modern Art, New York, and London’s Canary Wharf), this museum is situated entirely underground. Its profile, however, is immediately recognizable through a stainless steel lattice which resembles the skeletal structure of a bird in flight.

Time and diary permitting, our short day in Osaka could produce a visit to the studio of Tadao Ando or Yasumasa Morimura, the latter whose wardrobe of changing self-portrait personalities is located beneath the city’s railway arches.

THURSDAY OCTOBER 21

DEPARTURE

Depending upon one’s flight arrangements, our gateway airport will be Osaka-Kansai, designed by Renzo Piano and one of the most unique flying experiences in Asia, or Tokyo-Narita International Airport

For more information, please inquire to ageisalene@earthlink.net

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