ARTE+ARQUITECTURA - CAMARGO+SIZA una BUENA simbiosis



EL GRITO

Los que amamos el arte tenemos que congratularnos de una unión que particularmente en los últimos tiempos, venimos observando. La de la obra de un artista plástico con la de un arquitecto.


Hoy vengo a hablaros de una de éstas que se ha hecho realidad en el Museo Iberê Camargo de Porto Alegre (Brasil). El gran arquitecto portugués Alvaro Siza ha realizado el proyecto que ya contiene la obra de uno de los más grandes artistas brasileños: Iberê Camargo.


Particularmente encuentro este “matrimonio” artístico muy interesante. Por un lado, la obra fuerte y potente del que fue una de las figuras del modernismo de Brasil y “envolviendo” su obra el bellísimo edificio de hormigón blanco que hace que me reafirme en la belleza de la sencillez. Hoy en día en que sobre todo en Arquitectura, parece que sin sensacionalismo o sin la construcción de un icono, no hay creatividad Siza sigue demostrando que es más que suficiente el “saber hacer” en una profesión para regalarnos un edificio bello, sencillo, contundente en una palabra: una obra “redonda”.


Evidentemente no puedo extenderme en la obra del arquitecto porque no soy experta en la materia. Me extenderé más en el contenido que en el continente. Pero aún no siendo experta, nada me va impedir dar mi opinión sobre este magnífico museo.

Comenzaré por el Contenido y su Autor.


Iberê Camargo (Brasil 1914-1994) fue una figura del modernismo brasileño. Curiosamente este pintor siguió una trayectoria diferente a la mayoría de los artistas. En sus comienzos y durante un largo periodo de su vida artística, su obra fue claramente expresionista y hacia los años ochenta su factura cambió. Comenzó a incluir elementos figurativos en ella, sobre todo figuras. Lo hizo de manera espontánea y lentamente.


Camargo permaneció hasta 1948 en Brasil. Se mudó de ciudad en varias ocasiones, desde pequeñas localidades del interior a Porto Alegre y a Río. Toda su obra desarrollada en esta época nos muestra paisajes y ríos y ausencia de personas, pero es una obra no realista y ya presenta rasgos expresionistas tanto en trazo como en color. Estuvo muy vinculado a la naturaleza pero su obra transmite una fuerte sensación de soledad, incluso cuando pintaba en centros urbanos como Porto Alegre y Río. “Paisaje” y “Soledad” ambas de 1941, son claro ejemplo de ese vínculo con la naturaleza y la soledad.


PAISAJES (1941)


En 1948 partió a Europa dónde permanecería más de dos años. Recorrió España, Portugal, Inglaterra y Holanda. Se estableció en París visitando el Louvre para copiar las obras de los grandes maestros y estudió grabado, pero fue en Roma dónde conoció a De Chirico que ejercería una gran influencia en él. Hacia el año 1950 regresaría a Brasil y comenzaría una época de pintura de naturaleza muerta, botellas y objetos que recuerdan la obra de Morandi que tuvo tanta relación con la “pintura metafísica” de De Chirico. Son obras de esa época. “Botellas” (1957) y “Objetos” (1958)


En la parte superior "OBJETOS" (1958) y en la inferior "VORTICES" (1973)



Son famosos en la obra de Camargo los “carreteles” que se repetirían constantemente en una excusa para experimentar con distintas soluciones formales y que fueron tomados de distintos elementos geométricos que nada tenían que ver con la realidad. Las formas de los “carreteles” se fueron disolviendo hasta convertirse en manchas. Fue una pintura más bien expresionista que se mantuvo durante toda la década de los sesenta. Algunas de esas obras fueron “Filas de carreteles” o “Estructuras” (1961).



CARRETELES



Sobre los setenta aparecen tímidamente rasgos de la pintura figurativa. Son formas indefinidas con el contorno muy marcado y que anuncian la vuelta lenta pero progresiva hacia lo figurativo, algo que se hizo presente a principios de los ochenta en telas de gran formato. De los setenta son obras como “Pájaro” (1971) o “Vórtice” (1973).


Ya hacia 1970 Camargo era un reconocido artista. Exponía en Europa, Estados Unidos y por supuesto en Brasil. Además acrecentó una gran fama como grabador, disciplina de la que fue profesor y por la que recibió numerosos premios.

En 1980 y después de un hecho trágico (mató a su agresor cuando fue atacado en la calle) regresó a Porto Alegre.

También es esta época, la de su “regreso” artístico a la figuración en forma de figura humana.

La variación en forma y color en su obra, da una nueva actualidad a sus cuadros. Camargo pasó de la modernidad a la posmodernidad.



AUTORRETRATO

A lo largo de toda su vida tuvo una gran influencia en el entorno cultural, tanto local, como de toda Iberoamérica. Su obra se expuso en todo el mundo, en exposiciones de prestigio como la Bienal de Venecia, la de Sao Paolo o la de Tokio entre otras. Murió en 1974 a la edad de 79 años dejando una fructífera obra. Concretamente más de 7000 obras que la Fundación que lleva su nombre ha hecho que sean el contenido de la Sede realizada por el arquitecto Alvaro SIZA.




ALVARO SIZA (Oporto 1933)



Arquitecto de fama mundial, fama que ha conseguido combinando una obra moderna con el esfuerzo de integración en el medio. Además de su intensa actividad profesional lleva otra, no menos intensa, teórica y crítica. Entre sus muchas obras están el pabellón portugués para la Exposición de Lisboa de 1998, el Centro de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela o la facultad de Arquitectura de Oporto.


En sus manos el Pritzker de arquitectura en 1992, el Mies van der Rohe (1988) y el de la Fundación Wolf de las Artes en 2001.



Su última obra, en 2008, la que aquí nos ocupa. La Fundación Iberê Camargo en Porto Alegre (Brasil) cuya maqueta ya ganó el León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2002.




El edificio es una de esas construcciones que impone su presencia y que impresiona a primera vista.


Situado frente al río Guaíba, se alza como un monumento apoyado en un lugar excavado en la roca blanca de la montaña.

Resalta por haber utilizado hormigón en toda su construcción, sin señal alguna de ladrillo. De contornos redondeados semeja una gran escultura que da prioridad a las formas. El movimiento se forma gracias a grandes rampas en todos los pavimentos. El juego de formas geométricas se ha empleado tanto en las pasarelas del exterior como en los ventanales y las salas interiores.

Se ha dado gran importancia al cuidado del medio ambiente con la utilización del agua de lluvia en los servicios y una estación que trata los residuos sólidos y líquidos en el lugar. El agua tratada sirve para regar la zona verde.


Las más de 7000 obras de Camargo se distribuyen en nueve salas de exposiciones. El edificio está dotado también de un taller de grabado, auditorio y un estacionamiento subterráneo.


Los entendidos en la materia describen el edificio como una joya en arquitectura y en soluciones de ingeniería.

No es casual que un arquitecto tan respetuoso con el medio como Alvaro Siza, haya sido finalmente el que haya hecho posible este lugar para contener la obra de un artista que amó profundamente la naturaleza a la que se sintió unido toda su vida.


Creo que ha habido un buen equilibrio entre la obra de estos dos artistas. Un equilibrio y una calidad que sin duda ha beneficiado a todos los que amamos el arte.


En Porto Alegre encontramos Arte por partida doble o sería más exacto decir que dos exponentes del Arte se han dado felizmente la mano.

NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes consultadas:

Archivo propio

Arte latino-americano del siglo XX (varios autores)

Arquitectura del siglo XX (Diferentes autores)

Fotografías: La propia red.



La violencia es el derecho de las bestias

La violencia... 1:

Atentaron en Godoy Cruz contra un mural que repudia la dictadura

17:55 | MENDOZA | Es el que está en la Municipalidad. Un grupo de encapuchados amenazó esta madrugada al sereno, pintaron de negro la pared y escribieron: "Malvinas volveremos. Viva Cristo Rey". Fotogalería.
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Las pintadas que se hicieron.

Tres individuos encapuchados atentaron este domingo contra un mural de la Municipalidad de Godoy Cruz que recuerda a las víctimas de la última dictadura militar. Funcionarios municipales dieron detalles de lo ocurrido a este portal, y aseguraron que las pintadas ya fueron quitadas.

El misterioso suceso ocurrió en la madrugada de hoy cuando desconocidos irrumpieron en calle Rivadavia, a metros de la Municipalidad, y amenazaron de muerte al sereno que custodiaba el lugar.

Ya con el guardia reducido, los anónimos borraron con pintura negra el Mural de la Memoria y escribieron de color celeste las inscripciones "Malvinas volveremos. Viva Cristo Rey". Luego del atentado, los sujetos huyeron sin dejar rastros y el custodio realizó la respectiva denuncia en la Comisaría 7ª.

El secretario de Derechos Humanos de Godoy Cruz, Diego Garecca, se mostró indignado por la noticia, y aseguró que ninguna organización se atribuyó el hecho. "Esta es una actitud cobarde y no creo que los Veteranos de Malvinas tengan algo que ver. Estos fueron grupos de extrema derecha y ultracatólicos que no toleran el disenso y buscan confundir a la sociedad", expresó.

Garecca explicó que el mural fue realizado en marzo último para recordar el golpe militar de 1976. La autora es Cristina Pérez, artista mendocina radicada en Buenos Aires. En él estaban plasmada la labor de las Madres de Plaza de Mayo, además de figuras simbólicas que recordaban los asesinatos y desapariciones de personas y el controvertido rol que tuvo la Iglesia en el llamado Proceso de Reorganización Nacional.

"El Ministerio de Seguridad de la Provincia está al tanto de lo sucedido y pediremos una reunión esta semana. Estamos muy preocupados de que este tipo de atentados ocurran en un provincia como Mendoza", indicó el funcionario adiariouno.com.ar.


La violencia... 2:

Parada de la Memoria decorada por mi amigo Freddy Fernandez
y marcada por la garra violenta de los que "no descansan"

SIGUIENDO UNA RUTA

Entrando al blog del Mono González encontré esta publicación y le agregué otro sitio que comenta el siguiente trabajo de Siqueiros cuando sale de Chile.
http://www.diarioladiscusion.cl/diario/?control=porsec&id_noticia_p=55409&id_diario=28072009&id_categoria=04&fecha=28-07-2009

ESPACIO HIJAR DEL PENSAMIENTO


Adolfo Mexiac
artista visual- muralista- grabador-
militante social-maestro mexicano contemporáneo


POR QUE MEXIAC

Alberto Híjar.


A raíz de la presentación de la película Libertad de expresión de Oscar Menéndez sobre la vida y obra de Adolfo Mexiac, crece la propuesta de postularlo para el Premio Nacional de Artes en razón de las consideraciones siguientes.

  • La obra variada y compleja producto de la dialéctica entre la formación personal y acontecimientos históricos como el gobierno de Lázaro Cárdenas del Río, la defensa de la República Española, el paso por la Escuela Nacional de Artes Plásticas y el Taller de Gráfica Popular, la investigación de la obra de José Guadalupe Posada para el Fondo Editorial de la Plástica Mexicana, los trabajos editoriales gráficos para el Instituto Nacional Indigenista, la participación en comités de apertura de relaciones con China y Checoslovaquia, la participación en proyectos como la Cámara de Diputados y los campus de la Universidad de Colima, la docencia en la UNAM y en instituciones culturales diversas de México, Estados Unidos, Argentina y otros lugares beneficiados por talleres de investigación estética y artística.

  • Los movimientos en la vida que han dado lugar a innovaciones técnicas y aportaciones significantes hasta construir una obra variada y compleja comunicada en talleres que han beneficiado a numerosos artistas, todo ello articulado a una tradición cultural que ha incorporado a Mexiac a realizaciones colectivas dirigidas por maestros como Pablo O´Higgins, José Chávez Morado y José Hernández Delgadillo. En el Taller de Gráfica Popular Mexiac participó en proyectos colectivos como el llamado Libro Negro y los Cien Años de Lucha del Pueblo Mexicano y en la realización de carteles y folletos con carácter de urgente para apoyar luchas libertarias de México y del mundo. La maestría ganada en el uso de las placas de linóleo, madera y en ocasiones de metal, en la acuarela, la pintura con acrílico, las mantas murales y la integración plástica de edificios públicos como el del Instituto Nacional Indigenista y recientemente con los campus de la Universidad de Colima, han requerido investigaciones técnicas adecuadas a los tiempos y espacios animados por los signos de Mexiac. De aquí prácticas diversas y la introducción de algunas novedosas para México como el grabado a color en madera aprendido en China o la pintura mural sobre capas de cemento coloreado desarrollada a partir de un encuentro latinoamericano en Corrientes Argentina. Innovador por necesidad estética, Mexiac ha garantizado sobre esta base la riqueza de los signos acordes con situaciones concretas a partir de las cuales logra valores tan trascendentes como el de su grabado de 1954 Libertad de expresión.

  • La articulación entre vida, obra y determinaciones históricas y sociales tiene en la obra de Mexiac una realización estética ejemplar para la modernidad mexicana, latinoamericana y para su inserción en el mundo. Hay que incluir en esto los momentos de indignación como el de 1954 cuando el golpe militar de Estado en Guatemala y la destitución del director del INBA por el funeral de Frida Kahlo en el Palacio de Bellas Artes con el féretro cubierto por una bandera roja con la hoz y el martillo o por el asesinato del Che en Bolivia significado en el cuadragésimo aniversario con trazos directos del rodillo entintado sobre el papel. Las series de Mexiac sobre los humedales de Colima, los sufrimientos campesinos en Chiapas, la vida de los indígenas y las campañas para resolver su precariedad, los inmigrantes y la casi desconocida serie erótica, prueban las influencias dialécticas entre las formaciones sociales y la vida y obra de Mexiac.

Por tanto, y a reserva de la información aportada por las organizaciones proponentes el Premio Nacional de Ciencias y Artes 2009 para Adolfo Mexiac resultaría el reconocimiento a una legión intelectual y artística de singular importancia para conmemorar el inicio de la Revolución de Independencia y la Revolución democrática de 1910. Las propuestas deben formalizarse antes del 10 de agosto de acuerdo al trámite explicado en: http://www.conaculta.gob.mx/wp-content/uploads/2009/07/folleto-pncya-09.pdf


MARÍA BLANCHARD, Cubismo con nombre de mujer.



MATERNIDAD 1925


En días pasados, concretamente el 19 junio, hacía referencia a la oportunidad que nos daba la Fundación March de admirar la obra de Tarsila do Amaral, pintora que subía al Blog. Pues bien, ahora es la Fundación Mapfre la que nos trae una pintora, en este caso española, que ya en los primeros meses de 2008 y en la exposición colectiva “Amazonas del arte nuevo”, pudimos admirar.

Al hilo de esta oportunidad, vamos a encontrarnos con esta artista, María Blanchard, (Santander 1881-París 1932) que fue peculiar no sólo como pintora, sino también en su vida personal.


Al igual que lo hacía al referirme a Tarsila, vuelvo a hacer hincapié en el hecho de que ser mujer y artista en esa época, no era tarea fácil en absoluto. A ello hay que añadir que María sufría una minusvalía (era jorobada), algo que iba a marcar su vida para siempre, pero también a forjar su carácter. Y como es de suponer su obra, algo que muestra el alma del artista, no iba a ser menos. Si especial o diferente fue su vida, no menos lo fue su obra.


Siempre estuvo condicionada por esa minusvalía y por su peculiar manera de vestir que en aquellos tiempos iba más allá de lo admitido en una mujer. Era habitual verla desaliñada y cubierta de pintura. Nunca, en toda su vida dejó de pintar, hasta el mismo momento de su muerte a causa de una tuberculosis.


María Blanchard nació en una familia culta y fue su padre quién despertó en ella el amor por el arte y la pintura. Estudió en Madrid y de allí partió a París en dónde se relacionó con artistas de la talla de Juan Gris y Rivera.

Dicen que ella, tan amante de la belleza, sufría mucho por su minusvalía y al parecer ese es un motivo de la casi total ausencia de retratos o fotografías de la pintora. Cuando viajó a Madrid para estudiar, inmediatamente se sintió rechazada. Fue por lo que su vida en París resultó para ella, no sólo la oportunidad de conocer y relacionarse con los grandes artistas del momento, sino el logro de sentirse totalmente libre. María fue una gran pintora, que vivió para el arte.


MUJER ANTE EL ESPEJO 1922



Blanchard pasó de la figuración, fruto de su época de estudiante, al cubismo influenciada por esa estancia en París, para regresar de nuevo a la figuración, aunque eso sí, con influencias de las vanguardias de esa época.

Dicen los que estudiaron su obra en profundidad que en su época cubista nunca llegó a la total descomposición de la forma, que estuvo muy marcada por el cubista Juan Gris y que al desarrollar el cubismo introdujo su factura personal en forma de ricos colores.


Poco a poco abandonaría el cubismo para regresar a la figuración y lo haría “arrastrando” la influencia constructiva del cubismo. Su obra presenta colores contrastados y fuerte dibujo.

De la primera época cubista resaltan varias naturalezas muertas como ésta de1917.



NATURALEZA MUERTA (1917)



A destacar el tratamiento del color, conseguido con el contraste de planos oscuros y claros y matices intermedios. En cuanto al tema, la botella vertical es la encargada de equilibrar las líneas curvas que predominan en toda la composición.


A esa época pertenece también “Mujer con abanico” en la que nos muestra de nuevo la riqueza cromática tan diferente de otros maestros del cubismo.



“MUJER CON ABANICO”


A partir de 1919 comienza el cambio de nuevo hacia la figuración. En las obras de esa época, aunque se representan escenas cotidianas, mantienen influencias cubistas sobre todo en la composición.





LA ECHADORA DE CARTAS 1925-1926


En Maria tenemos una pintora de proyección universal. Su obra se expone en los principales museos del mundo y en la actualidad son muchas las casas de subastas de prestigio que la buscan por estar muy solicitada.


NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.

Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.


Fuentes consultadas: Archivo propio. Fotografía de la propia red.

"PROHIBIDO OLVIDAR...ESTÁN GOLPEANDO, MATADOR"

FRAGMENTOS DE UNA PINTURA MURAL QUE REALIZAMOS A
30 AÑOS DEL ÚLTIMO GOLPE DE ESTADO EN LA ARGENTINA
EN UNA ESCUELA SECUNDARIA EN BARRACAS.

El Arte de construir ciudades. La bella y fría ciudad de ROTTERDAM



PUENTE DE ERASMUS


Esta ciudad es fría, y no lo digo solo por el clima, que también lo era y mucho, en la época del año en que la visité. Es fría por su propia estructura, como la mayoría de esas ciudades que quedaron destruidas cuando la guerra y carecen de un casco histórico de referencia. Es como si la historia hubiera desaparecido con sus antiguas piedras. Pero también es bella. Con esa belleza fría del nuevo diseño.

Ha recibido la ayuda de los más célebres arquitectos para su reconstrucción. Una reconstrucción que se ha plasmado en las más vanguardistas de las edificaciones.

Posiblemente ahora no llama tanto la atención la arquitectura de Rótterdam, pero si tenemos en cuenta cuándo se llevo a cabo su reconstrucción, se puede decir que fue algo totalmente vanguardista y revolucionario. Incluso hoy día muchos de sus edificios asombran.

Si algo tiene Rótterdam es su puerto, considerado el tercer puerto en categoría del mundo. Y verdaderamente es fama bien ganada. Impresiona.


CARGUERO


Las ciudades portuarias siempre me han parecido de lo más fotogénicas. Posiblemente no sean las más acogedoras, pero el entorno de los puertos me parece fascinante para ser visitado. Los puertos “hablan” y “cuentan” aventuras de viajeros y aventureros y de vidas diferentes.


Y este puerto no podía ser menos. Aunque la zona portuaria como tal, ha quedado algo relegada, la visita a su extremo es imprescindible. Y por supuesto nos acercaremos atravesando el Puente de Erasmus. Pasear por la orilla y ver desfilar esos cargueros tan largos que no entran en el objetivo de la cámara, o tomar un café en el precioso Hotel Americano, situado justo en ese muelle de donde partían los buques para América, todo ello es una delicia que nos lleva a soñar y viajar.


HOTEL AMERICANO


El Hotel es un precioso edificio que se alza orgulloso sin dejarse empequeñecer por los enormes y modernos edificios que le acompañan en la actualidad. Su interior nos evoca la época del Art Nouveau.


De regreso vamos a ir a parar a las archifamosas Casas Cubo. En su día fueron una auténtica revolución y posiblemente sean de las edificaciones más fotografiadas de Rotterdam. Justo enfrente de ellas la biblioteca municipal. Un magnífico edificio de fachada escalonada de bellos y alegres colores.


CASAS CUBO


Delante, una pequeña estación de cercanías de diseño vanguardista, semeja un platillo volante dispuesto a lanzarse al espacio.

Es aquí dónde el ambiente se hace más popular. Una explanada en la que se dispone un mercado de comida. En él pescados fritos y frescos son ofrecidos junto a verduras, frutas y demás alimentos con gran éxito por parte de todos.


Algo muy atractivo de esta que ciudad y de todas las ciudades holandesas, es el uso de la bicicleta. Al igual que en Bélgica o más aún, los carriles bici han ganado su terreno al automóvil no al peatón, como sucede en nuestro país. Creo que nuestros ediles deberían pasearse por allí para ver “in situ” que para el uso de la bici se debe empezar la casa por los cimientos y no por el tejado. Mal se puede promocionar el uso de la bicicleta si el carril bici es un estorbo para el peatón y en caso contrario un peligro para el ciclista.

Tanto en Bélgica como en Holanda las estaciones de tren presentan inmensas explanadas cubiertas que sirven de abrigo a las bicis que se dejan a la mañana para tomar el tren y se recogen a la noche. El ciclista goza de un respeto y a su vez, el es respetuoso y cumplidor de las leyes de circulación.


Otra curiosidad. Las viviendas. De unas tres alturas, habitadas desde ras de suelo y sin visillos. Cuando paseas delante de ellas, todas iluminadas, muestran la vida cotidiana del interior. Y nadie se detiene a mirar, ni sus habitantes se asoman para lo mismo.


Es un respeto o algo habitual que el uno no se “meta” en la vida del otro. Pensar que pasaría en nuestro país si a ras de suelo estuviera la sala o la cocina de una vivienda, los habitantes en su interior y una ausencia de cortinas. Seguro que el cristal estaría lleno de marcas de la nariz de más de uno que se detendría a elaborar su “gran hermano particular”.Es un ejemplo de respeto mutuo.


Y sobre arte… pues nos vamos de museos y mientras caminamos hacía ellos, nos detenemos en un precioso café que fue centro del movimiento De Stijl (El estilo) cuyo mayor representante fue el pintor Mondrian. La fachada del café, nos muestra las líneas de colores alegres que nos recuerdan los lienzos del pintor. El café De Unie fue construido en 1924-25 por el arquitecto Pieter Oud, destruido más tarde y reconstruido en 1940 siguiendo fielmente su estilo original. Oud estuvo muy próximo al movimiento Stijl pero no llegó a firmar el manifiesto y se fue alejando de su filosofía siguiendo otros caminos.


Respecto a los museos, como podéis suponer en esta ciudad, el continente es casi tan importante, o más que el contenido. Edificios de vanguardia que en ocasiones roban protagonismo a las obras de arte que contienen.

Una “zona cultural” muy interesante es la que comprende tres museos y el Instituto de Arquitectura. Este último es un moderno y precioso edificio, no muy grande, en dónde se imparten conferencias y hay encuentros de alumnos y profesores. Es visitado por todos los arquitectos europeos de renombre que se acercan hasta aquí a dar sus conferencias.


INSTITUTO DE ARQUITECTURA


El museo de Arte moderno. Vendría a ser algo así como el Reina Sofía nacional o el Pompidou francés. Es un dinámico museo que ofrece exposiciones de vanguardia con movimiento constante. El edificio, obra del famoso arquitecto holandés Koolhaas, es famoso en todo el mundo y tiene bien merecida la fama.

Habla el propio edificio de la cronología de la construcción y lo hace con un diseño original. Cada columna, cada pilar en diferentes materiales, nos van llevando por la historia de la arquitectura. Desde pilares que son auténticos troncos de árbol, pasando por el hierro, el cemento, en una muestra de todo lo que se ha utilizado para construir. Un diseño dinámico, y novedoso. La fachada acristalada está enmarcada con un espectacular mármol de Carrara.


AUDITORIUM


Las salas interiores se renuevan constantemente en función del contenido (incluso luces y decoración). El auditórium y su mobiliario presentan un diseño de colores alegres y divertidos. Un museo que nadie puede dejar de visitar si se acerca a esta ciudad portuaria.



De ahí, cruzando el tranquilo y precioso parque se enlaza con el museo de Ciencias Naturales presidido por la enorme escultura de un cuervo que invita a atravesar la acristalada entrada.


MUSEO DE CIENCIAS NATURALES


Y finalmente el Museo de Bellas Artes. El Boijmans. Contiene obra de todos los grandes pintores. Un jovencísimo Dalí, o un Van Gogh también de sus primeros tiempos, cuando era más fiel al impresionismo. Seurat y Chagal de su mejor época.

Y cuadros de O. Kokoschka. Dos típicos retratos y uno atípico totalmente Un gran animal similar a un mono u orangután. Los tres en gran formato.


El museo en el momento que yo lo visité, ofrecía una grata sorpresa. La exposición de toda la obra (un ala del edificio entera) dedicada a la pintora Holandesa Charley Toorop. (1891-1955)


AUTORRETRATO


Aunque su fama fue mayor en la época en que su factura era naturalista, la primera parte de su obra ,la de realismo expresionista, es excepcional .Retratos de grandísimo formato, con una pincelada fuerte, casi dura, de colores más que expresivos. Unos rostros (mucho autorretrato) de terribles expresiones.



Esta mujer sufrió varios ataques cerebrales a lo largo de su vida que le dejaron una secuela que le impedía ver a sus modelos, incluso su propio rostro en el espejo, tal como era. Algo así como una “parte vacía”.

Impresionante obra de una pintora que en el resto de Europa no fue muy conocida.


Holanda es un país llano y con buenas infraestructuras de transporte. Os propongo visitar una ciudad a quince minutos en tren desde Rótterdam y que sin embargo nos hace viajar en el tiempo. Me refiero a la bella ciudad de Delf.


UN RINCON EN DELF


Hay infinidad de motivos para visitarla. Simplemente admirar la que dicen que es la ciudad mejor conservada de Holanda, cuna de Vermeer y que debe buena parte de su fama a la bellísima y famosa cerámica de Delf. Aun se pueden encontrar talleres que “colgados” sobre los canales, abren sus puertas realizadas en la característica cerámica blanca y azul cobalto.


PUERTA DEL TALLER ELABORADA EN CERAMICA


Un lujo para los que amamos la cerámica. Las palabras son pocas para describir este bello rincón.


Y con este breve relato sobre esta ciudad de vanguardia y sus alrededores cumplo con este encuentro con el arte, en esta ocasión, con el arte de construir ciudades.


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