GEORGIA O’KEEFFE. La belleza de la abstracción.
Georgia O’Keeffe pasaría a la historia del arte sobre todo por la pureza y claridad en sus composiciones de naturalezas muertas. Pero hasta ese momento, hubo un largo camino artístico que hizo que esta mujer, nacida en 1887 en Wisconsin, nos dejase muchas más pruebas de una vida dedicada al arte. Estudiante en el Instituto de Arte de Chicago y en
DESNUDO
Fue en la década de los 20 cuando comenzaría a crear una serie de pinturas que eran preludio de las que le iban a llevar a la fama, y que estuvieron muy influenciadas por las fotografías del fotógrafo Stieglitz que más tarde sería su compañero. Son unas pinturas de edificios y paisajes urbanos que además de esa influencia, presentan también la de los cubistas que pudo admirar en la galería que Stieglitz regentaba. Ella también expondría en esa galería hasta la muerte del fotógrafo en 1946.
NUEVA YORK CON LUNA
La artista tenía hacia ciudades como Nueva York sentimientos contradictorios. Amaba el glamour de la ciudad que le atraía poderosamente y en ocasiones se le hacía claustrofóbica. Todo ello nos lo expresa con sus pinceles en lienzos como “Calles de Nueva York” en el que los altos edificios semejan un cañón oscuro en el que se sentía oprimida.
CALLE DE NUEVA YORK
A final de esa década, concretamente en 1929, visitó por primera vez Nuevo México y el paisaje del desierto, la pureza del aire y la intensidad de la luz será para ella la fuente de inspiración para realizar lo que sería desde ese momento su trayectoria profesional.
JACK IN THE PULPIT III 1930
Comienza a pasar inviernos en esa tierra hasta instalarse finalmente en ella a partir de 1946. Junto a las pinturas de flores a enorme escala, los paisajes desérticos, como el cuadro que encabeza la entrada de hoy, fueron el centro de su obra.
Flores de enorme tamaño, tierras desérticas y las naturalezas muertas identifican definitivamente la obra de Georgia 0’Keeffe.
RAM’S HEAD
La plasmación de las flores, aún siendo a una escala gigante, es sencilla y clara en su composición. En muchas ocasiones son temas tradicionales a los que ella sabe dar un estilo moderno, como es el caso de este cuadro titulado “Jimson Weed” que pintó en los inicios de esa serie de pinturas a gran escala.
JIMSON WEED 1936-1937
Decía la artista que ella pintaba aquello que veía, lo que una flor podía significar para ella, pero con gran tamaño, para que todos se quedasen sorprendidos durante mucho tiempo y añadía: “En las ciudades, la mayor parte de las personas están tan estresadas que no tienen tiempo ni para mirar una flor y yo les voy a obligar a verlas, lo quieran o no”.
TWO CALA LILES ON PINK 1928
O’Keeffe dio expresión a sus emociones a través de sus abstracciones, basadas todas ellas en motivos de la naturaleza. Aunque trata los temas de forma figurativa la audacia en la composición y los colores en ocasiones transparentes, transforma la obra en abstracta como sucede con “Black Iris” que al agrandar su tamaño evoca algo irreal, casi irreconocible.
BLACK IRIS
En 1953 visitó por primera vez Europa y sus numerosos viajes en avión le inspiran nuevas imágenes de vistas aéreas del territorio.
GEORGIA O’KEEFFE
Ganó numerosos premios. Su primera retrospectiva fue organizada por el Whitney Museum of Americam Art de N.York en 1970. Unos meses más tarde quedaría parcialmente ciega dejando de pintar. Su amigo Juan Hamilton la convenció para retomar el trabajo, pero apenas realizó algunas obras hasta su muerte en
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Fuentes consultadas:
Archivo propio
Femmes Artistes du XXe et XXIe.siècle (Ed.Uta Grosenick)
Arte del Siglo XX (Taschen)
Catalogo Fundación MAPFRE para “Amazonas del nuevo arte”
Catálogo MOMA N.York
Fotografía:
Archivo propio
MOMA N.York (fotografía autora del blog)
La propia red.
NATALIA GONCHAROVA. Vanguardia de vanguardias.
LA ESCARCHA (1911)
Ha querido la casualidad que en los últimos años me haya encontrado delante la obra de Goncharova en más de una ocasión. Sucedió en Madrid en la magnífica exposición que presentó Fundación MAPFRE con el título de “Amazonas del Arte Nuevo”, posteriormente en París, en el Museo de Arte Moderno (ver este blog entrada 24.12.09) y finalmente, me encontré con diversa documentación que llegó a mis manos también de manera casual.
Así que he pensado que este era el momento idóneo para, después de las diversas entradas sobre escultura, retomar la pintura con esta artista de vanguardia.
Nacida en Nagaievo (Rusia) en 1880, Natalia Goncharova forma parte de lo que se ha llamado la “vanguardia rusa”, pero a diferencia de muchos de sus compatriotas, fue ajena a la revolución y se quedó en París junto a su compañero de toda la vida Mijail Larionov. Junto a él crearía un movimiento llamado “rayonismo” de vida efímera, pionero en la abstracción y que era una síntesis de cubismo, futurismo y orfismo.
Casi todos los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX están presentes en la obra de Goncharova y por lo tanto, es una obra marcada por los cambios de estilos.
Como muchos otros artistas rusos, integra en su obra las nuevas tendencias con tradiciones del arte de su país, como la pintura de iconos.
NATURALEZA MUERTA (1908)
Hija de una familia de arquitectos acomodada, en su juventud pasó mucho tiempo en las tierras de la familia y allí se sintió atraída por las costumbres, trajes y artesanía de la vida rural y también por las leyendas que relacionaban al hombre con la naturaleza.
SEGADORES (1907)
Siguió estudios, algo no muy corriente para una mujer de su clase en aquella época, de botánica, zoología y medicina y también de historia pero fue en 1901, al ingresar en la “Escuela de Escultura, Pintura y Arquitectura” de Moscú, cuando recibió formación de escultora y al encontrar a Mijail Larionov, optó por la pintura.
Entusiasta de los juegos de luces y de la armonía, se pintó a sí misma disfrazada en diferentes ocasiones.
MUJER RUSA (1909)
Esta primera década del siglo XX va a protagonizar una multitud de tendencias artísticas en todo el mundo. En 1908, junto a Larionov, organizan exposiciones de arte contemporáneo francés en las que se exponen obras de Gauguin, Van Gogh, Cézanne, Matisse y de diversos fauvistas. Más tarde Goncharova reconocería su deuda con el fauvismo que, según decía, le había hecho descubrir el arte folclórico y le ayudó a emanciparse del academicismo.
A partir de esa época Goncharova desarrolla un estilo muy personal, fruto de la asimilación de la pintura de iconos rusos y el arte asiático. Un estilo con figuras y espacios de marcada tendencia cubista, sencillo y que se centra en personajes de la vida cotidiana como campesinos y también en actividades del día a día como puede ser la recolección de los frutos del campo. Un buen ejemplo de este estilo es el lienzo “Campesinos” en el que se ven dos campesinos que se desplazan bajo el peso de los cestos de uva. Con paleta de colores fuertes y figuras planas, nos recuerdan un poco el arte bizantino.
CAMPESINOS (1911)
Fue en 1910, en el marco de
Goncharova y Larionov, indiferentes a las críticas continuaron organizando exposiciones y se rodearon de artistas influyentes. Sobre 1913 Natalia está en el apogeo de la fase futurista. Presenta obras “rayonistas”, asociando futurismo y cubismo y está cada vez más interesada en el arte folklórico y primitivo, a la vez que busca crear figuras capaces de mostrar la sociedad moderna e industrial.
Para esas fechas Goncharova es una artista reconocida. Se le dedica su primera retrospectiva en Moscú y muchas de sus obras son expuestas en ciudades de toda Europa.
En 1914 es invitada a colaborar con la puesta en escena del ballet “ Le cop d’or”. Diseña decorados y vestidos basándose en modelos antiguos rusos. El éxito obtenido le da renombre como diseñadora y decoradora. La guerra mundial estalla y en una sucesión de años Natalia pasa por España y debuta en Roma dónde encuentra a Picasso, todo ello con la “troupe” de Diaghilev. Ya no cesará de crear vestuarios y decorados para el teatro y el ballet.
También ilustró libros y se inspiró especialmente en el arte popular español que estudió en profundidad en su paso por España. El fruto de este estudio fue una serie de figuras femeninas estilizadas y con traje folklórico. “Las españolas”.
MUJER ESPAÑOLA
Nunca estuvo interesada en la venta de sus obras y no le gustaba frecuentar ambientes artísticos. En la posguerra vivió junto a su compañero, retirados ambos, en su apartamento parisino.
UNA JOVEN NATALIA
Como podemos ver, el Arte, al ser rompedor como sucede con las vanguardias, fue y sigue siendo controvertido y además Natalia Goncharova tenía todo lo que una artista podía tener para ser polémica y estar en el “punto de mira” de la sociedad. Era artista, mujer y vanguardista. Su influencia, como la de otras mujeres-artistas de aquella época fue notoria.
En 1961, se organiza una retrospectiva de las pinturas de Goncharova y Larionov en el “British Arts Council. Un año más tarde, en 1962 , Natalia Goncharova fallecía en París.
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Fuentes consultadas:
Archivo propio.
Catálogo Fundación MAPFRE para “Amazonas del Arte Nuevo”
Femmes Artistas du XXe. Et XXIe. Siécle. (Ed.Taschen )
Fotografía:
Archivo propio
Museo de Arte Moderno de París
Japan Celebrates The Power of Art To Transform Communities
The Setouchi International Art Festival opens July 19 and concludes October 31 2010 http://setouchi-artfest.jp/en/
To participate in an exclusive Japan travel program October 9 - 21 2010 to attend the festival, please contact Anne Geismann Alene at ageisalene@earthlink.net.
July 19 2010 marks the start of the Setouchi International Art Festival, a 100-day art bonanza, and is certain to be a gratifying destination and awe-inspiring experience for visitors. As Indian Jones sought far and wide for the Holy Grail, likewise, the Festival event will take the adventurous art traveler away from familiar urban scenes and through tidy rural landscapes to meet a wind-blown mysterious sea highway. Traversing one island shore to the next will offer numerous discoveries of art and world-class architectural treasures, all in the spirit of bringing people together to celebrate local culture and creativity.
The Festival is hosted by Executive Producer Soichiro Fukutake (b. 1945) and Chairman of the Fukutake Museum Foundation. In 1986, Fukutake inherited reign as CEO and expanded Fukutake Publishing, his father’s literary education company, to become Benesse Corporation. Benesse, meaning good life in Italian, is best known for distance learning and test preparation schools including the worldwide chain of Berlitz language schools. Fukutake is 19th amongst the top forty billionaires of Japan with a net worth of 1.6 billion US dollars, and ranks 522nd of the world’s 793 billionaires in 2009 as reported by Forbes magazine.
Access to the Festival is a swift three-hour ride by high-speed Shinkansen bullet train from Tokyo. The bullet train station stop at Okayama City (pop. est. 200,000) is Fukutake’s hometown and Benesse’s corporate headquarters. Far from neon skyscrapers, Okayama station connects to a 45-minute local train ride into the countryside. The last train stop is a mere hundred feet from the shore of the central Seto Inland Sea, and a short walk to the port connects to a 15-minute ferry ride and to the main island of Naoshima.
The Seto Inland Sea is both a national park and major industrial region, characterized by an irregular shoreline and dotted with nearly 1000 small islands, extending as far as 250 miles east to west and at certain points as wide as 40 miles across. The Inland Sea travels between two of the five largest islands of the Japanese archipelago, Kyuushu and Shikoku. The Inland Sea starts from the largest island Awajishima at the tip of northeastern Shikoku and travels west and south to the tip of Kyuushu to meet with the Pacific Ocean once again. The Inland Sea is home to historical shogun battles and ancient shrines, and one of the largest transportation highways in East Asia.
Naoshima is home to 3000 residents, a small industry for salt, squid and sea bream farming, and since World War II, has served as a satellite production site for Mitsubishi copper-smelting and refinery industry. In medieval times, Naoshima monitored sea traffic and police piracy for the local daimyo warlord’s sea territory.
But, Naoshima is also now a major hub for artistic and architectural genius, the origins of Fukutake’s Benesse Art Site. Naoshima’s Benesse Art Site concept has expanded its influence out to seven more small surrounding islands and even across the shores to Shikoku Island’s port city Takamatsu. The Festival celebration will provide a web-like network of small boats which will transport visitors to commune with each of the newly featured installations.
Setouchi International Art Festival celebrates over twenty years since Fukutake and the regional government officials took initiative to experiment with the impact of art on the local region. In 1986, Fukutake broke ground on the main island of Naoshima, chanting the mantra from local to international while bringing together talented and sympathetic artists and architects to plan a community-based international art site. No one yet in the history of Japan (or possibly the world) has been as successful as Fukutake in shifting the focus from international exhibitions held in large urban centers such as Tokyo and regenerating the tiny fishing islands and its surrounding cities and towns suffering from depopulation.
Fukutake has transformed the local island culture into an “island museum,” creating jobs, restoring the area, facilitating local exchange, and rewriting the discourse for how and where art can be experienced. Benesse Art Site transformed Naoshima to accommodate visitors from all over Japan and the world, proving Naoshima as one of the greatest contemporary art and cultural experiences on the planet.
Until recent, a typical visitor’s pilgrimage is to spend a minimum of one day and one night at Benesse House, the original museum-hotel designed by house architect Tadao Ando. Hotel rooms and galleries co-exist with views of the Inland Sea from all sides. Fukutake has accumulated an extraordinary collection of masterpieces by David Hockney, Jasper Johns, Jannis Kounellis, Richard Long, Bruce Nauman, Cy Twombly, Yayoi Kusama, and Cai Guo-Qiang.
The art is displayed not only within the museum-hotel, but also along the beach, and inside of restored properties called House Projects in the island village: The original House Projects feature artists: Tatsuo Miyajima whose Sea of Time (1998) is a flickering LED counter installation set in a shallow pool of an inside courtyard once a seafood wholesaler merchant home; James Turrell whose Back Side of the Moon (1999) is a nearly imperceptible black environment of a restored Temple; and Hiroshi Sugimoto whose Appropriate Proportion (2002) is the renovation of neighborhood Go’o Shinto Shrine and its elaboration with an entrance portico, a flight of glass stairs and a subterranean sanctuary. Further installations by painter Hiroshi Senju, Shinro Ohtake and Yoshihiro Suda were installed in restored properties in 2006
A full-time youthful staff has been organized from all over Japan to function as the curatorial, logistical, and operational team of the island museum and accommodation facilities. Most staff is given residence on Naoshima in dormitories vacated since Mitsubishi’s downsizing and enjoy luxuries of daily meals cooked by neighboring villagers. Cheerful senior residents of Naoshima have been hired to serve as stewards of the House Projects manning admissions throughout the operating hours and as bus drivers for easy transportation around the island.
A second museum also designed by Tadao Ando, Chichu Art Museum opened July 2004, which juxtaposes the work of just three artists: Walter de Maria who has conceived a room installation worthy of a shrine of a lost civilization; James Turrell who created three light environments from different intervals of his career; and Claude Monet for whom the museum has created an arrangement of five Nymphéas paintings from the final chapter of his artistic activity c. 1915-1920 including a widescreen Waterlily Pond diptych.
In addition, early 2008 marked the opening of a revolutionary eco-museum project of Hiroshi Sambuichi on the small island of Inujima. Under the direction of Fukutake, Sambuichi and his single collaborating artist, Yukinori Yanagi, cleverly used the ruins of a former copper refinery to build a museum and single-artist installation which is symbiotically designed to coexist with the earth and building materials. The museum’s design operates a natural climate-control system and even grows its own plants fertilized by the waste filtering system, while Yanagi’s artwork is primarily of recycled personal materials of legendary Yukio Mishima. Inujima easily moves to first place as one of the great Land Art reclamation projects of our era. Yukinori Yanagi seized the attention of the contemporary art market with World Ant Farm exhibited at the Venice Biennale, comprising a matrix of 80 Perspex boxes linked by tubes and housing national flags carefully constructed in colored sand. The performance work utilized ant colonies to burrow tunnels and deposit sand particles in a central chamber which eroded the symbolic flags of national identity.
But, July 2010 begins the most ambitious event ever in Benesse’s artistic history, unveiling the most recent projects, which will be exhibited across the rice fields, beaches, wooden houses and shrines of Fukutake’s ever-expanding island art community. The festival draws in 45 artistic geniuses from around the world and Japan. Japan’s finest architects, designers and artists are on board, including nationals Kenya Hara, Rei Naito, Mariko Mori, and Shinro Ohtake, collaborating alongside with international artists such as Olafur Eliasson, Christian Boltanski, Leandro Erlich, Janet Cardiff and George Bures-Miller.
The award-winning SANAA partner architects (New York New Museum completed 2007), Kazuyo Sejima and Ryue Nishizawa, will debut two new art venues: Inujima Art Project “Village” (Sejima in collaboration with artist Yukinori Yanagi) and Teshima Art Project “Museum” (Nishizawa works with artist Rei Naito). Teshima was once home to Mitsubishi’s toxic waste dumps while Inujima has a population of only fifty. Christian Boltanski recorded and collected the sound of heartbeats of people around the world as part of his work featured on Teshima. Also, on Naoshima, prolific graffiti artist, Shinro Ohtake designed a fully operational Naoshima Public Bath teaming up with graf, Yoshitomo Nara’s head design company. Tadao Ando will open a venue devoted to the great minimalist Korean-Japanese artist Lee Ufan. The blossoming art haven of Setouchi International Art Festival and Benesse Art Site indeed lie distant from the capital in geography but continue to seek only to embrace concepts essential to rural Japan and promote island culture by merging aspects of art and architecture closely linked to the nature and history of the site.
There is little superficial evidence despite a laundry list of development, and island life still remains provincial, self-contained, quiet and simple, but Fukutake and local officials have helped the islands overcome the threat of extinction which loomed a little over 20 years ago. The Festival slows down the pace for visitors, affirms art’s ability to restore and renew, and creates unforgettable exchange with the local population and international art. The Setouchi International Art Festival will integrate itself into Fukutake’s overall plan and continue to connect people from all over Japan and the world. An area once on the endangered species list is inspiring communities all over Japan to find new ways to encourage rural economies and pilgrims to revisit forgotten locales and even forgotten aspects of themselves.
Traveling shows are a good idea
(By Nalini S Malaviya)
Nowadays, it is common to see art shows traveling from one city to another. As more and more art galleries come up in different cities across the country, collaborative efforts are on the rise. This, in fact is a wonderful way to increase exposure to art - it benefits not only the artist but also the viewer and of course, the gallery.
Multi-city exhibitions are now the trend rather than an exception. Cities such as New Delhi, Mumbai, Kolkata, Bangalore and Chennai have become part of the art circuit. It is especially useful when bigger artists exhibit their works in metros and then these shows travel to smaller ones. In fact, many art shows are traveling not only within India but are also going abroad to places such as Singapore, New York, London and Hong Kong. For instance, a retrospective of artist Surya Prakash began in Hyderabad and has already traversed Mumbai and New Delhi and will soon arrive in Bangalore, before moving on to Munich, London and New York. Similarly, to mark the 75th birthday of Sakti Burman, a show of Limited Edition Serigraphs will be showcased in Mumbai, Bangalore, Chennai, New Delhi and Kolkata.
The entire process also proves beneficial to the prospective buyer or investor, for instance, people who are particular about physically seeing an artwork before making the actual purchase now have easier access to the art. And, although the logistics of organizing art exhibitions that have to be physically moved from one place to another can be challenging and collaborations with other galleries may not be simple, overall these efforts are good for the art market. On the other hand, most of the bigger galleries now have their brunches in different cities - both within the country and abroad, and for them it makes a lot of sense to carry their exhibitions from one place to another. As a buyer or investor one can subscribe to newsletters or information on forthcoming shows, to keep themselves updated about exhibitions that they are interested in and which will be available in their city in future.
(Published in Financial Times)
"Ellos"" son el odio universal
Encontré cierta similitud con la guerra de imagen e ideología (modales contra modelos) que se viene dando en nuestro país, y por un momento pensé en TN, Clarín y las escuchas de Macri. La derecha no descansa. MC
Violencia Semiótica contra Hugo Chávez
Ofensivas digitales para incriminar, calumniar y desmoralizar...
Fernando Buen Abad Domínguez
Manipulan videos, manipulan dibujos, manipulan fotografías... para ridiculizar, descalificar y criminalizar
Es difícil calcular el número de imágenes (visuales, sonoras o literarias), que circulan por todas partes, para ridiculizar la jerarquía política, la autoridad moral y el aliento revolucionario del presidente de Venezuela. No caeremos aquí en la trampa de reproducir alguna de esas imágenes pero tampoco caeremos en la trampa de guardar silencio ni escaparemos a la responsabilidad de dar la batalla semiótica que nos toca en el escenario mundial de Guerra Simbólica. En última instancia no tendremos miedo de denunciar... (con miedosos ya están plagadas muchas universidades, casi todas las sectas y muchas burocracias). ¿Suena esto a bravuconada?, ¿A belicismo?, ¿Suena, acaso, a “poco científico”?, ¿Suena a poco serio?. Veamos.
El repertorio de las agresiones simbólicas contra el presidente Hugo Chávez, obedece a los protocolos ideológicos másortodoxos de la “Guerra de IV Generación”. Se trata de perpetrar un crimen que, al ridiculizar u ofender al presidente de la nación, atenta contra la voluntad democrática de un pueblo. Y viceversa. Golpe bajo con las intenciones más perversas. Algunos dirán que es cosa del “sentido del humor”, otros dirán que “ejercen su libertad de expresión”, algunos más dirán que se trata de una “forma didáctica” de ejercer la disidencia y la crítica... Hay canallas “tecnificados” que usan computadoras, cámaras de video, fotografías... los hay que ponen cámaras escondidas, micrófonos y dispositivos para la intercepción de correos electrónicos. No faltan los que espían los ordenadores e incluso los que espían e intervienen los “mail” y los “chats”. Cualquier cosa les sirve para sembrar focos de violencia simbólica cuyo objetivo sea “quemar”, ridiculizado, a un mandatario democrático en hoguera de la manipulación tecnológica y la “plaza pública” del espionaje. Incluso de lo más privado.
Las imágenes manipuladas son un relato claro de las perversiones que anidan en las mentes de quienes financian y/o realizan iconografías para la ofensiva oligarca. Muchos están altamente tecnificados y consiguen piezas cargadas con volúmenes inexpugnables de violencia psíquica. Usan cualquier escena, de la vida real, de la intimidad, del espacio público... nada detiene a los fines aviesos. Basta con que la imagen ofrezca un flanco, un gesto, una debilidad... una intimidad, para que se lo use como arma descalificadora, ridiculizante y desmoralizante. Se subordina la tecnología al goce de la degeneración y emerge de semejante coctel una galería monstruosa de iconos o animaciones constitutivos de un arsenal de ideas y gráficas explícitamente terroristas. Muchos se hacen cómplices simplemente con las risotadas soeces. Hacen reinar la mentira. Así se empieza.
Hasta hoy, para los nada escrupulosos espías financiados por oligarcas, vale oro -como receta bélica convencional- el golpe moral de someter a ridículo, exhibir como cadáver o mostrar en “actos impúdicos”... la imagen de un líder. Si este es un líder transformador y revolucionario... les inspira mayores odios. Para ellos “todo vale” (menos los argumentos racionales, claro). Para ellos toda desazón, todo descorazonamiento, todo miedo y toda duda son terreno codiciado. Su “Alma Mater” es el dinero y su fin último es desmovilizar al enemigo sin importar qué obscenidad haya que usar. Hay ejemplos a raudales y se gasta, en ello, millonadas monstruosas. El objetivo es sembrar el caos, sustituir los valores, obligar a creer en lo falso. Representar una tragedia, la muerte, lo irreversible... y destruir la moral y la conciencia del otro. Especialmente si es socialista.
Se trata de mancillar la imagen del líder, se trata de quebrar la dirección, se trata de quitar las ganas y degenerar los procesos revolucionarios que se desarrollan en el interior de la lucha de clases. Todo sirve para semejante inmundicia: Literatura, cine, teatro... televisión... todos sometidos para que reflejen y ensalcen los intereses más bajos, más retrógrados. Se trata de sembrar e inculcar, en la conciencia colectiva, el miedo, el desconcierto, las dudas, la desconfianza y la sorna con tufo de violencia, sadismo y traición. En concreto: cualquier tipo de inmoralidad.
Su idea es sembrar el mundo con caos y confusión y que eso que parezca un “paraíso” donde la violencia contra los pueblos sea activa y constante, déspota, corrupta... domine la falta total de principios, la muerte de la honradez y la honestidad que serán ridiculizadas, innecesarias y convertidas en causa de represión. Mundo donde reina el descaro, la insolencia, el engaño y la mentira... la sangre todo lo envuelve, las degeneraciones sexuales se naturalizan con tufos de alcoholismo, drogadicción, miedo irracional, traición, fascismo y enemistad entre los pueblos, desconfianza entre las personas y sobre todo el reino del odio cultivado pertinazmente. A Hugo Chávez se lo agrede inmisericordemente desde cualquier posición. No importa si son locutores, lectores de noticias, sacerdotes o catedráticos. Abren la boca preñada con odio para ridiculizar, por ejemplo, con tonitos sarcásticos... para manipular fotografías, videos o audio... para calumniarlo, desacreditarlo y sentenciarlo a convertirse en “desecho de la historia” producto (según no pocas mentes homicidas) de alguna bala o algún recurso como los que, incluso por televisión, se le han vaticinado. Todo queda en la impunidad. En sus intenciones más abyectas los manipuladores de imágenes y sonidos (de imaginarios incluso magnicidas) ponen por “target” a los jóvenes para corromperlos, desmoralizarlos y pervertirlos. Ya hay videojuegos al respecto.
Podríamos formar un expediente del horror inmenso si juntásemos, sólo, en una casuística latinoamericana todas las formas de agresión simbólica contra Hugo Chávez que se publican a diario. Todas las risitas mañaneras de los lebreles periodísticos, todas las noticias deformadas para exhibirlo como “ineficiente”, “autoritario”, “dictador” y “comunista”. Todas las fotografías, los “pies de fotos”, los videos y las pistas de sonido, prefabricadas para que se vea lo “intransigente”, lo “antidemocrático”, lo “amenazador” que es Chávez. Podemos estudiarlo y debemos denunciarlo, al los cuatro vientos y a voz en cuello. Debemos ejercitar la denuncia y entrenar la contraofensiva. Debemos cumplir nuestras tareas, por razón de justicia y por el bien de todos... mientras echamos nuestras barbas a remojar porque todos podemos ser la próxima víctima. Sonría nos están filmando.
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Dr. Fernando Buen Abad Domínguez
ESPACIO HIJAR DEL PENSAMIENTO
CULTURAS EN IZTAPALAPA
Alberto Hijar
No todo es inundación, basureros hasta el tope, carencia de servicios públicos, crímenes, pleitos de transportistas, narcotráfico y Juanito en Iztapalapa. Otra Iztapalapa ignorada por los medios escandalosos es territorio de esforzados trabajadores de la cultura. Llevan a las prácticas proyectos variados, todos comunitarios, desde la promoción de los ritos precolombinos, la medicina tradicional, hasta los que tienen que ver con las artes como la danza, el teatro-performance, el rock, las tradiciones orales, las innovaciones pedagógicas, el toreo y la charrería sin reducciones mercantilistas. De aquí la necesidad de consulta ciudadana con el lema Iztapalapa opina y decide.
Con el título Riqueza de la diversidad cultural, el lunes 15 acudieron alrededor de 200 trabajadores de la cultura a dialogar con José Antonio Macgregor, Max Rojas, poeta y promotor cultural y quien esto reporta, todos invitados por un funcionario cultural excepcional porque va promoviendo acciones de la base social por donde pasa. Gerardo Carrillo, guitarrista de concierto participante con música de vanguardia en homenajes al Che, convoca, organiza, cuida que todo marche bien y de esta manera cumple la urgencia de rescatar del deterioro edificios en desuso como uno de la extinta CONASUPO que pronto albergará una escuela de artes y oficios en medio de la frontera bronca entre Iztapalapa y Ciudad Nezahualcóyotl, la colonia Juan Escutia a la que se entra por un gran mercado de carne cruda con sus ofertas de reses en canal colgadas y los carteles donde se enlistan las suculencias codiciadas por los taqueros. La producción necesaria para usos y costumbres tradicionales de los pobres es un buen soporte para discutir sobre cultura.
Max Rojas acentuó la cultura comunitaria como fundamento de tradiciones y de identidades en constante reconstrucción. Macgregor explicó con precisión las interacciones de la diversidad cultural en la que todo cabe incluyendo aquello que la UNESCO llama patrimonio no tangible como si los huipiles bordados o las lenguas indígenas no fueran materiales y concretos. Por mi parte, procuré alertar sobre la neutralidad aparente con la que suelen ser tratados los problemas culturales bajo propuestas de dominación como la unidad nacional. En rigor, dos culturas, dos clases sociales, dos proyectos históricos disputan la hegemonía social y nada ni nadie está fuera de esta lucha. Una pregunta dio el pie para alertar contra el reduccionismo y el pragmatismo hostiles a la crítica histórica y dialéctica, especialmente al tratar al nacionalismo donde luchan el del Estado demagógico asociado a la espectacularidad hipnotizante, el nacionalismo religioso guadalupano conservador y reaccionario y el nacionalismo internacionalista y por el socialismo con una fuerte tradición organizativa en México. La disputa por la hegemonía tiene como referente a la nación destruida por el Estado sin soberanía por su entrega a los grandes consorcios con todo y su cultura de la corrupción y de terrorismo de Estado. Pero no es posible trabajar como si el Estado no existiera a la manera del anarquismo Neandertal según nomenclatura de Alfredo Velarde. El ejemplo del muralismo de Orozco pintando a la justicia borracha y derrengada en plena Suprema Corte con los saqueadores con antifaz de rateros y entre las llamas del incendio social, da buena razón a la negociación con el Estado desde una posición de fuerza tan vigente como la ejercida por Rafael Cauduro también en la Suprema Corte al cubrir tres pisos en 2010 con la interpelación de los masacrados despavoridos que se vienen encima del espectador perseguidos por un tanque de guerra. Tres ventanas son integradas con la presencia de tres granaderos amenazantes como maquinarias de guerra. La tortura como práctica policíaca constante es tratada con hiperrealismo para que no haya duda de quienes mantienen la cabeza de un amarrado dentro de un excusado, de un perro arrancando el sexo a un personaje desnudo y ensangrentado, a las sillas ocupadas por mujeres totalmente violadas, todo entre simulación de paredes maltratadas, grafiteadas, con carteles a medio desprender y al lado de un muro donde la disposición de los tabiques de resina acrílica transformada, da lugar a una profundidad virtual con una mujer de revista de modas derrengada en el fondo. En el piso bajo, la simulación de una construcción ruinosa alberga archiveros y expedientes apilados del Poder Judicial según puede leerse en los colocados al frente. Como fantasmas, hombres y mujeres habitan los alteros para alertar de las presencias que no hay que ignorar. Las jóvenes guías se esfuerzan en convencer a los escolapios en visita obligada de que todo es cosa del pasado y de los delincuentes, pero los tratamientos hiperrealistas de Cauduro hacen imposible la malversación de sus maravillosos signos. Para no dejar dudas, Cauduro explica con clara caligrafía roja la estética de la denuncia. He aquí como con la apropiación tecnológica necesaria concretada con excelencia estética y con claridad histórica, es posible asumir el patrocinio estatal sin despeñarse por los retratos de funcionarios corruptos o de lugares comunes sobre la historia oficial como ocurre en los otros murales también inaugurados en 2010.
Antiguos compañeros se acercaron en medio de la taquiza para darme videos, libros, discos, periódicos, programas, invitaciones como prueba de que las quince consultas ciudadanas y las que seguirán, fomentan encuentros solidarios de urgente realización como el rescate del abandono de la monumental Cabeza de Juárez y el museo que alberga dentro donde se argumenta la importancia histórica del liberalismo mexicano antiimperialista y laico que consolidó un proyecto republicano ahora en crisis pese a la modificación del artículo 40 constitucional por aprobar en el Senado y en las Cámaras estatales.
16 febrero 2010
Alberto Hijar
No todo es inundación, basureros hasta el tope, carencia de servicios públicos, crímenes, pleitos de transportistas, narcotráfico y Juanito en Iztapalapa. Otra Iztapalapa ignorada por los medios escandalosos es territorio de esforzados trabajadores de la cultura. Llevan a las prácticas proyectos variados, todos comunitarios, desde la promoción de los ritos precolombinos, la medicina tradicional, hasta los que tienen que ver con las artes como la danza, el teatro-performance, el rock, las tradiciones orales, las innovaciones pedagógicas, el toreo y la charrería sin reducciones mercantilistas. De aquí la necesidad de consulta ciudadana con el lema Iztapalapa opina y decide.
Con el título Riqueza de la diversidad cultural, el lunes 15 acudieron alrededor de 200 trabajadores de la cultura a dialogar con José Antonio Macgregor, Max Rojas, poeta y promotor cultural y quien esto reporta, todos invitados por un funcionario cultural excepcional porque va promoviendo acciones de la base social por donde pasa. Gerardo Carrillo, guitarrista de concierto participante con música de vanguardia en homenajes al Che, convoca, organiza, cuida que todo marche bien y de esta manera cumple la urgencia de rescatar del deterioro edificios en desuso como uno de la extinta CONASUPO que pronto albergará una escuela de artes y oficios en medio de la frontera bronca entre Iztapalapa y Ciudad Nezahualcóyotl, la colonia Juan Escutia a la que se entra por un gran mercado de carne cruda con sus ofertas de reses en canal colgadas y los carteles donde se enlistan las suculencias codiciadas por los taqueros. La producción necesaria para usos y costumbres tradicionales de los pobres es un buen soporte para discutir sobre cultura.
Max Rojas acentuó la cultura comunitaria como fundamento de tradiciones y de identidades en constante reconstrucción. Macgregor explicó con precisión las interacciones de la diversidad cultural en la que todo cabe incluyendo aquello que la UNESCO llama patrimonio no tangible como si los huipiles bordados o las lenguas indígenas no fueran materiales y concretos. Por mi parte, procuré alertar sobre la neutralidad aparente con la que suelen ser tratados los problemas culturales bajo propuestas de dominación como la unidad nacional. En rigor, dos culturas, dos clases sociales, dos proyectos históricos disputan la hegemonía social y nada ni nadie está fuera de esta lucha. Una pregunta dio el pie para alertar contra el reduccionismo y el pragmatismo hostiles a la crítica histórica y dialéctica, especialmente al tratar al nacionalismo donde luchan el del Estado demagógico asociado a la espectacularidad hipnotizante, el nacionalismo religioso guadalupano conservador y reaccionario y el nacionalismo internacionalista y por el socialismo con una fuerte tradición organizativa en México. La disputa por la hegemonía tiene como referente a la nación destruida por el Estado sin soberanía por su entrega a los grandes consorcios con todo y su cultura de la corrupción y de terrorismo de Estado. Pero no es posible trabajar como si el Estado no existiera a la manera del anarquismo Neandertal según nomenclatura de Alfredo Velarde. El ejemplo del muralismo de Orozco pintando a la justicia borracha y derrengada en plena Suprema Corte con los saqueadores con antifaz de rateros y entre las llamas del incendio social, da buena razón a la negociación con el Estado desde una posición de fuerza tan vigente como la ejercida por Rafael Cauduro también en la Suprema Corte al cubrir tres pisos en 2010 con la interpelación de los masacrados despavoridos que se vienen encima del espectador perseguidos por un tanque de guerra. Tres ventanas son integradas con la presencia de tres granaderos amenazantes como maquinarias de guerra. La tortura como práctica policíaca constante es tratada con hiperrealismo para que no haya duda de quienes mantienen la cabeza de un amarrado dentro de un excusado, de un perro arrancando el sexo a un personaje desnudo y ensangrentado, a las sillas ocupadas por mujeres totalmente violadas, todo entre simulación de paredes maltratadas, grafiteadas, con carteles a medio desprender y al lado de un muro donde la disposición de los tabiques de resina acrílica transformada, da lugar a una profundidad virtual con una mujer de revista de modas derrengada en el fondo. En el piso bajo, la simulación de una construcción ruinosa alberga archiveros y expedientes apilados del Poder Judicial según puede leerse en los colocados al frente. Como fantasmas, hombres y mujeres habitan los alteros para alertar de las presencias que no hay que ignorar. Las jóvenes guías se esfuerzan en convencer a los escolapios en visita obligada de que todo es cosa del pasado y de los delincuentes, pero los tratamientos hiperrealistas de Cauduro hacen imposible la malversación de sus maravillosos signos. Para no dejar dudas, Cauduro explica con clara caligrafía roja la estética de la denuncia. He aquí como con la apropiación tecnológica necesaria concretada con excelencia estética y con claridad histórica, es posible asumir el patrocinio estatal sin despeñarse por los retratos de funcionarios corruptos o de lugares comunes sobre la historia oficial como ocurre en los otros murales también inaugurados en 2010.
Antiguos compañeros se acercaron en medio de la taquiza para darme videos, libros, discos, periódicos, programas, invitaciones como prueba de que las quince consultas ciudadanas y las que seguirán, fomentan encuentros solidarios de urgente realización como el rescate del abandono de la monumental Cabeza de Juárez y el museo que alberga dentro donde se argumenta la importancia histórica del liberalismo mexicano antiimperialista y laico que consolidó un proyecto republicano ahora en crisis pese a la modificación del artículo 40 constitucional por aprobar en el Senado y en las Cámaras estatales.
16 febrero 2010
NIKI DE SAINT PHALLE. Las nanas que nos enamoran.
“Cuando una mujer quiere realmente llegar a la cima del arte internacional, llega…yo soy la prueba de ello”
Podríamos pensar que quién así se expresa es una feminista radical o por lo menos, alguien que denuncia las dificultades de la mujer para lograr un lugar en el mundo artístico, pero Niké de Saint Phalle siempre declaró que, en su opinión, los artistas, tanto hombres como mujeres, pertenecían a un movimiento cuyos miembros no podían ser juzgados en función de su sexo, raza o religión. Y por esa razón siempre se negó a participar en exposiciones y publicaciones que se relacionasen exclusivamente con mujeres-artistas.
No obstante, y aún sin proponérselo, Saint Phalle se convirtió en la heroína de toda una generación de mujeres al romper con el rol tradicional asignado a la mujer, y más aún si se pertenecía a la alta sociedad, como era su caso.
GWENDOLYN
Somos muchos los que, cuando nos hemos acercado al centro Pompidou parisino, hemos sucumbido al encanto de la instalación de esta artista que logró llegar a esa cumbre que ella menciona gracias a las Nanas, una serie de figuras femeninas de formas voluptuosas y alegres coloridos que comenzó a realizar hacia 1964 y que le darían gran fama. Pero hasta ese momento la vida Niki de Saint Phalle fue todo un proceso siempre unido al arte, algo que le valió ser considerada como una de las grandes figuras del Pop-Art.
3 GRACES
Nació en Neuilli-Sur-Seine en 1930 y dice su biografía que a la edad de 11 años, y después de ser violada por su padre, se convirtió en una joven inestable. Con 18 años se fugó con su futuro marido, Harry Mathews, y trabajó como modelo. Madre de dos hijos, después de una fuerte depresión nerviosa a causa de la cual estuvo ingresada, decidió comenzar a pintar, confiando en que la actividad artística le ayudase a superar la crisis.
Fue en 1960 cuando conoció en París al escultor Jean Tinguely. Éste le ayudo a construir la estructura de su primera escultura. Niké abandona marido e hijos para irse a vivir con él. A partir de ese momento entra en contacto con numerosos miembros de los “Nouveau Realistes”. En ese año 1960, ella y Tinguely conocen a Salvador Dalí para quien crean un enorme toro en papel maché.
Hacia 1964-65 comenzó a esculpir sus primeras Nanas. Estas se expusieron en
ADAN Y EVA
Junto a Tinguely viajó a Canadá para realizar un proyecto en la expo 67 de Montreal. Cuando estaba realizando ese proyecto se intoxicó con el humo del poliéster. La consecuencia de esa intoxicación fue una enfermedad que nunca la abandonaría y que provocaría su muerte décadas más tardes.
AUTORETRATO
Niké y Tinguely se casaron en 1971 cuando ella ya estaba enferma. La enfermedad le llevó en varias ocasiones a Suiza para realizar curas de oxigenación. En una de estas estancias en Suiza, nació la idea de un jardín de esculturas.”Un lugar dónde soñar, un jardín de alegría e imaginación”.
Sus amigos ponen a su disposición un terreno en Garavicchio (Toscana) y tomando las 22 cartas del Tarot realiza figuras monumentales cubiertas de mosaicos de vidrio, cerámica y espejos impresos en cemento. El jardín fue declarado patrimonio cultural francés en tierra italiana y abierto al público en 1993.
También en colaboración con Tinguely, diseñó y creo las figuras de la fuente de
Con motivo de la muerte de su gran amigo Ricardo Menon la artista realizó una bella escultura en mosaicos con la silueta de un gato que se encuentra en el parisino cementerio de Montparnasse.
Tinguely muere súbitamente en 1991 en Suiza. Ambos artistas habían tenido diferentes compañeros pero jamás se habían llegado a separar del todo. Fueron fieles a su amistad y muchos de los proyectos, entre ellos el del Centro Pompidou, fueron llevados adelante cuando ya no tenían una relación.
Niki se ocuparía a la muerte de Tinguely de donar las obras de éste a la ciudad de Bâle en donde se instalaron en un museo.
CALIFORNIA
Sin esperar a la inauguración de éste, Niki abandona Europa rumbo a California. Su enfermedad en los pulmones le causa muchos problemas y además los americanos adoran su trabajo.
RHINO
Instalada en California, la influencia de esa tierra y los colores explosivos de la arquitectura bajo el sol californiano y los animales del país se muestra en su obra. Sin darse descanso comienza un proyecto. Un arca de Noé con 39 animales. Pero Niki no los representa en un arca, los representa en tierra firme, en la tierra que también parece que a ella le da seguridad y hacia 1996 comienza a escribir su autobiografía.
NIKI SAINT PHALLE
En
NOTA: Para mejor visualizar la fotografía “picar” con el ratón encima de las que interesen.
Para la lectura de entradas anteriores, ir a la ventana de la derecha y “picar” en los años y meses. Se desplegarán los títulos correspondientes a cada fecha.
Fuentes consultadas:
Archivo propio.
Women artists. Femmes aretistes du XX et XXI siécle. (Taschen)
Arte del Siglo XX (Taschen)
Fotografía: Archivo propio. La misma red
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